Natalio Galán, de Camagüey, sin escalas, al parnaso de la música cubana. (por Carlos A. Peón-Casas)

Natalio Galán, Salón de Actos de la

 Biblioteca Nacional José Martí,

31 de marzo de 1960. Foto Colección BNJM

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Me anima a este recordatorio de musical impronta, la lectura por estos días de un imprescindible libro de Guillermo Cabrera Infante: Mi música extremada, que deleita y deslumbra mi incesante afán por novedades de cultura cubensis, en este mi siempre deseado minuto miamense.

De pronto, entre tantas rememoraciones del genial autor de Tres tristes tigres, en este compendioso tratado musical de nuestra isla, se nos presenta este camagüeyano de singular prosapia musical como intérprete, compositor e investigador inveterado, aunque a decir verdad, mejor conocido en el exilio que en su paterno lar, por aquello bien sufrido de que nadie es profeta en su tierra.

Muy joven aún, por su indudable capacidad, se convirtió en activo colaborador de Alejo Carpentier a la hora de dar a conocer aquel en 1946, su renombrado tratado musicografico “La música en Cuba".

Cabrera Infante nos lo presenta en la plenitud de su bien ganado pedigree. Es por ello que dejó al lector en posesión de este raudal de detalles en los que me confieso deslumbrado, y con los que de paso, curo mi ignorancia supina sobre tan significativa biografía de un coterráneo príncipense:

Nuestro Natalio hizo el viaje al revés: del descubrimiento de la música popular hacia la composición formal y de vuelta a la música popular. De clase media y de provincias (la de Camagüey en la zona ganadera de Cuba), Galán emigró a La Habana y vivió en la miseria pero no en la duda y conoció ese infierno en invierno y guiado por Virgilio Piñera, que era una vocación viva. Una nueva emigración lo llevó a Nueva York. Al triunfo de la revolución regresó a Cuba… fue crítico musical del periódico semioficial Revolución, estrenó varias composiciones (ópera, danza, orquesta), vivió humilde y desilusionado moral y musicalmente, escogió el exilio como otro compás de espera o de silencio…

 

Galán es, además de músico y escritor, uno de los bailarines cubanos mejor dotados que he tenido el privilegio de conocer… Al mismo tiempo sus conocimientos de armonía clásica, romántica y moderna le han permitido la escolaridad más rigurosa… Nunca la música como objeto de investigación científica o, peor aún, de manipulación política: el tiempo del metrónomo, no el oportunismo, la perfecta afinación de su instrumento, nunca la demagogia... con su bitácora sonora ha trazado Galan un preciso mapa cultural, que tiene al acabarlo, la forma de una partitura y contiene el sonido de un son, tal vez la más cubana de las sonoridades inventadas en la isla... Esa historia y esa música se llama ahora Cuba y sus sones… De este libro como de su autor, si se puede decir … que tiene musica dentro. Lee, lector. O mejor oye.

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Notas tomadas de Mi música extremada. Guillermo Cabrera Infante. Edic de Rosa M Pereda. Espasa Calpe, Madrid, 1996. pp 73-75.

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Natalio Galán Sariol estudió piano en Camagüey con el maestro oriundo de Nicaragua, Luis Aguirre. Para 1936 se trasladó a La Habana para estudiar en el Conservatorio Municipal de Música, donde fue discípulo de Virginia Fleites y de José Ardévol.

En 1947 se fue a residir a Nueva York, para continuar estudios, en esta ciudad recibe clases de orquestación y técnicas musicales contemporáneas.

En 1955 Natalio Galán Sariol compuso la ópera El paseo, elaborada a partir de las fórmulas rítmicas del son. 

Sus dos partituras más importantes son la ópera Los días llenos y Variaciones, para pequeña orquesta. Además, es autor del libro Cuba y sus sones, 1983.

Junto a Harold Gramatges, Virginia Fleites, Argeliers León, Hilario González, Dolores Torres, Serafín Pro, Edgardo Martín, Gisela Hernández, Julián Orbón, Enrique Bellver y Juan Antonio Cámara perteneció al llamado Grupo de Renovación Musical. (Información tomada del website del Directorio de Música Cubana)

La mirada teatral de Nilo Cruz sobre la tragedia del no lejano Afganistán. (por Wilfredo A. Ramos)

Arca Images, la productora artística dirigida por Alexa Kuve, con sede en esta ciudad del Sur de la Florida, ha estado presentando en el escenario del Westchester Cultural Arts Center, entre los pasados días 6 y 16 del presente mes de marzo, una propuesta del dramaturgo cubano-americano Nilo Cruz, la que bajo el título de “Tres veces Cruz”, recoge tres espectáculos unipersonales a los cuales los une el tener como motivación para sus respectivos argumentos la temática de la guerra y vida en ese distrófico país asiático, que resulta ser Afganistán, el cual desde hace años se ha convertido en noticia producto de terribles combates, acciones criminales contra sus propios ciudadanos y por albergar organizaciones terroristas altamente extremistas que constituyen un gran peligro para sus propio país y el resto del mundo.

Este espectáculo, ya había contado con su estreno en esta ciudad en el año 2016, en el escenario del actualmente cerrado por reparaciones On Stage Black Box del Miami Dade County Auditorium -el cual esperamos verlo funcionando nuevamente en algún momento no demasiado lejano- dirigida también por el propio autor, pero bajo el nombre de “Farhad o el secreto del ser y otras obras”, tomando el título de uno de los tres monólogos que lo componen, siendo los otros dos “El viaje de la sombra” y “Melisma”. Con respecto al elenco de la actual temporada, dos actores repiten en escena -Andy Barbosa y Andrea Ferro-, mientras Carlos Acosta Milián, se suma a la puesta.

Cada uno de dichos trabajos fueron concebidos y estrenados en diferentes momentos y lugares. Por ejemplo “El viaje de la sombra” tuvo su estreno el 2013 en la ciudad californiana de San Francisco, contando con el acompañamiento de la Orquesta de Cámara de dicha ciudad; el de “Farhad o el secreto del ser” subió a escena por vez primera durante el 2014 como parte de un festival de monólogos en la ciudad de New York, llamado Inner Voice, mientras que “Melisma” vio la luz en el 2016, en Miami, formando parte del estreno de dicha trilogía dramática como espectáculo conjunto.

Cruz, quien a su labor como dramaturgo ha sumado además la de director de sus propias obras -situación que se ha convertido en un hecho muy común entre los dramaturgos de habla hispana para poder ver subir a las tablas sus obras- se propone, partiendo de trabajos individuales llegar a un espectáculo de concepción coral, debido a la manera en que el conjunto de los actores irán interaccionando dentro del momento individual de cada uno de ellos. Con esto, el director hace que los intérpretes no abandonen nunca el escenario, sino que unos sirvan para crear juegos escénicos de apoyo al lenguaje plástico de la puesta y como apoyo a las acciones del actor en su solitario diálogo.

Algo de arena sobre el piso, la cual remite al lugar geográfico al que se hace referencia en los distintos trabajos, con la que por instantes los actores entran en relación, tres pequeñas otomanas donde por momentos descansan los actores al no estar en acción y cuatro paraguas blancos, los cuales lo mismo apoyarán las imágenes evocadas en los textos, como servirán de soporte a modo de pantallas para proyectar imágenes sobre ellos, además de un vestuario base que se transforma ligeramente para destacar la caracterización de los actores en cada trabajo individual, sumado a un sobrio diseño de luces, crean la imagen visual de un espectáculo que no necesita de excesos para lograr su expresividad.

Respecto al primer monólogo que abre el espectáculo, “El viaje de la sombra”, a cargo de Andy Barbosa, este asume el rol de Marcelo Miguel, un niño que ante la ausencia de su padre, soldado que se encuentra participando en la guerra en Afganistán, desea ponerse en contacto con él a través de una carta, la cual no quiere que sea descubierta por sus amigos de escuela para que no vean sus lágrimas marcadas en el papel ni los dibujos que en la misma realiza, pero donde junto a ella, al ponerla dentro del sobre, se introducirá de manera subrepticia la propia sombra del infante, interesada, al menos ella, en poder llegar junto a su padre. A partir de esta hermosa historia llena de poesía y fantasía, se narran las peripecias de dicha carta en camino a su lejano y anhelado destino, hasta ser devuelta a su origen en manos del niño, sorprendiendo con un muy hermoso mensaje cargado de amor y tristeza a la vez. La acción transcurrida en escena, que podría ser tomada como una imaginativa narración infantil, se convierte en un profundo y humano mensaje que muestra el gran costo que representan los conflictos bélicos dentro del seno de la sociedad y en especial del familiar.

Barbosa con este trabajo, vuelve a mostrar su gran ductilidad en la creación de cada uno de sus personajes. El actor muestra con claridad al niño en escena –tal vez dejando salir ese lado de infante que trasluce tímidamente su propia personalidad- apropiándose no tan solo de la inocencia sino del comportamiento del mismo. La incorporación que realiza de algunos otros personajes indirectos que dan color a la historia, es algo que logra con precisión y economía de recursos, agregándole a los mismos una ajustada nota de simpatía, llevando la acción como si de un cuento infantil se tratara. Al final, el resultado de su labor queda definido tanto por la plasticidad en sus movimientos, su buen decir, como por el compromiso con el que se introduce en la piel y el alma del personaje. Dentro de la concepción y puesta en escena de este trabajo la música adquiere un papel muy importante, pues la misma fue concebida para guiar las acciones de la obra, por lo que para su estreno se contó con el acompañamiento de una orquesta de cámara. Sin duda alguna, a nuestro ver, el trabajo de mayor relevancia dentro del espectáculo en general.

El segundo monólogo en apropiarse de la escena es “Melisma”, interpretado por Carlos Acosta Milián, quien asume el rol de un soldado herido -con un brazo inutilizado- y que al parecer se encuentra en espera de poder ser rescatado del campo de batalla. La reacción en dicho personaje es supuestamente de delirio, producido este ante tal dramática situación, provocando el sacar a la luz sus experiencias vividas como actor dentro de un set cinematográfico o teatral, las cuales ahora confunde, mezclándolas con la peligrosa y desesperada situación en que se encuentra. En este trabajo, el dramaturgo procura fundir dos realidades en busca de crear un ambiente onírico que evade la realidad ante tal momento de incertidumbre humana, pero dejando indefinido el real mensaje del texto. El mismo título de dicho monólogo nos lleva a una evidente ambigüedad, sin nos centramos en el significado de la propia palabra ‘melisma’, la cual es un término que hace referencia a la ‘duración de varias notas musicales sobre una misma sílaba en la letra’ o a la de una ‘canción o melodía breve’, significado este último en cuanto a lo de brevedad- con el cual cabría si acaso, encontrar alguna relación.

El desempeño actoral de Milián en escena es coherente con el estado de ánimo que muestra su personaje, aunque dejando a la vista la ambigüedad del mismo. Su trabajo escénico además, se ve limitado a partir de cierto instante y hasta el final de la obra, producto de un innecesario trabajo escénico, marcado por la dirección, que lo obliga a tener que sujetarse el pantalón desabrochado con la única mano que tiene disponible -recordemos que el personaje se encuentra herido teniendo un brazo inmovilizado- reduciendo su movilidad, dejando al actor inmóvil y diciendo un texto poco expresivo, carente de emoción.

El espectáculo cierra con el monólogo “Farhad o el secreto del ser”, interpretado por la joven actriz Andrea Ferro, texto que tiene origen en eventos reales de los cuales el dramaturgo tuvo conocimiento por medio de la lectura de un artículo publicado en el New York Times, el cual trataba sobre las ‘bacha posh’, niñas que en países musulmanes, como Afganistán, son vestidas y tratados como varones con el fin que puedan asistir a la escuela, recibir una educación, así como poder realizar algún tipo de trabajo con el que puedan ayudar a sus familias, situación esta que cambia radicalmente llegada determinada edad donde se ven obligadas a asumir sus verdaderas identidades femeninas para ser entregadas en matrimonio, por sus propios padres, a hombres mucho mayores. Este trabajo se mueve dentro de un parco estilo de teatro musical, en el cual los textos serán dichos tanto cantados como hablados, pero adoleciendo de acción y prácticamente de movimiento, dando como resultado un espectáculo narrativo estático, que a pesar de la fuerte carga dramática de lo que dice, la falta de expresividad lastra en cierta medida su resultado.

Al ver este último trabajo nos vino a la mente que dentro del espectáculo hubiera podido tener cabida de igual forma un monólogo que hiciera referencia a la detestable realidad que sufren muchos niños varones en muchas zonas de países islámicos, como el mismo Afganistán, los cuales desde muy tempranas edades son comprados a sus familias y preparados como ‘bailarines exclusivos’ para actuar ante grupos de hombres, que además abusan de ellos sexualmente. Podría haber sido una excelente oportunidad de denunciar las terribles condiciones de vida que sufren niños, adolescentes y mujeres bajo estos regímenes autocráticos que rigen cada paso de sus sociedades por los designios dentro del mundo musulmán, de la religión islámica. De este modo, el espectáculo podría haber sido un gran grito de denuncia no sólo a las guerras, sino también a los acontecimientos y hechos que las provocan.

No podríamos finalizar sin mencionar el excelente trabajo que la música aportó a esta propuesta escénica, labor que estuvo en manos de Carlos Silva, Jose Mayito Aguilera, Mostafa Mchatet y Omar Herrera, quien a través de la utilización tanto de instrumentos conocidos como de otros de origen étnicos, logran brindarle a los tres monólogos un agradable ambiente sonoro, asi como el adecuado acompañamiento a los textos cantados.

Una vez más el teatro de Nilo Cruz sube a los escenarios de Miami, gracias al esfuerzo de Arca Images, con su diversidad de temas, su aguda mirada y su interés por mantener viva una manifestación artística que cada día se enfrenta a mayores retos para su supervivencia.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, marzo 21, 2025.

Fotos cortesía de  Arca Images.

La Iglesia Católica camagüeyana vuelve a ser víctima de la delincuencia

Nuevamente la Iglesia Católica camagüeyana ha sido víctima de la delincuencia. En esta ocasión han robado en la Casa Museo Mons. Adolfo Rodríguez, primer arzobispo de Camagüey y Siervo de Dios.  El inmueble está ubicado en la calle Cisneros # 104. 

La colección del museo, incluye objetos relacionados con el Prelado y objetos religiosos significativos del andar de la Iglesia Católica local camagüeyana. 

Según me informan desde Camagüey, sustrajeron el Rosario que usaba Mons. Adolfo en su día a día. Una espada donada por los Caballeros de Colón. Un balance de madera y pajilla, balances de aluminio y un equipo de música. (JEM)

Descubrimiento (un poema de Félix Luis Viera)

Nota: Cada lunes la poesía de Félix Luis Viera. Puedes leer todos sus textos, publicados en el blog, en este enlace. Traducción al italiano de Gordiano Lupi.

Descubrimiento

Y harto y extenuado y empolvado por tan extenso

     recorrido

buscando la tierra indescubierta

o quién sabe si la ruta más cercana

entre las manos y la exactitud del sueño

he aquí que de pronto alguien desde mi propio

     palo mayor

grita “tierra” y sucede que enquillo

—cuando ya no quedaba ni siquiera hambre en

     las bodegas—

violenta, inesperada, sorprendidamente en tus

     arenas

y véote y créote efectivamente como la tierra que

     buscaba

y dígome es ella al fin después de tanta ruta

y te desembarco y jamás ojos humanos

tocaron tanto trino

ni jamás antes que yo, el descubridor,

mirada humana sintió tanto recorrido

de flauta en su mirada

ni vio nunca tanto pájaro suelto cantador

dulcemente enfurecidos de colores

y toqué tu tierra, tus minerales,

y las ramificaciones inalcanzables de tus árboles

y había y vi que los nidos y las colmenas

se multiplicaban a cada toque del sol en tus laderas

y fue así cuando ya cansado de la boga

más bien esperaba el arrullo mortal de la

última tormenta

alguien desde mi propio palo mayor dijo

           “tierra”

  y sobrevolé tus nidos y bebí de tus colmenas

y a días de andar y andar alelado

como descubridor y descubierto

comprobé que tu cielo si acaso tronaba

era con amorosos relámpagos

y fue así que decidí e hice zozobrar mi

         embarcación y clavé mi tronco

eternamente en tu subsuelo

y para que no ocurriese como en otras ocasiones

no dije a Reyes ni Reinas ni cortesanos el hallazgo

no hice poner en latitudes exactas tu presencia

sino que enterré mi tronco eternamente en tu

        subsuelo

y ellos que me den por náufrago totalmente

        digerido,

yo mejor cierro bien los bloques del secreto

y así ningún libro te dará por existente,

ningún mapa dibujará tus formas, tus puntos

        interiores y exteriores

y así ningún sediento excepto yo, el descubridor,

podrá beber en tu tierra la vida hasta la muerte.

Septiembre de 1980

Scoperta

Stufo, estenuato e impolverato per un così esteso

     tragitto

cercando la terra inesplorata

o forse la rotta più vicina

tra le mani e la puntualità del sogno

ecco che all’improvviso qualcuno dal mio stesso

      albero maestro

grida “terra” e accade che m’incaglio

- quando ormai non restava neppure la fame

      nelle stive -

violenta, inattesa, sorprendentemente nella tua

     sabbia

ti vedo, credo che sei proprio la terra che

      cercavo,

mi dico è lei al termine di tanto vagare

finisco per sbarcare e mai occhi umani

toccarono tanto splendore

mai prima di me, lo scopritore,

sguardo umano sentì una così intensa musica

di flauti nel suo sguardo

né vide mai un uccello libero così bello cantare

dolcemente pervaso di colori,

toccai la tua terra, i tuoi minerali,

le ramificazioni irraggiungibili dei tuoi alberi,

vidi che nidi e alveari,

si moltiplicavano a ogni raggio di sole sui tuoi declivi

e fu così quando ormai stanco di remare

attendevo soltanto il cullare mortale

dell’ultima tormenta

qualcuno dal mio stesso albero maestro disse

        “terra”

   sorvolai i tuoi nidi, bevvi dai tuoi alveari

quando venne il giorno di partire, di partire instupidito

come scopritore e scoperto

mi resi conto che il tuo cielo se per caso tuonava

era con amorosi lampi,

fu così che decisi, feci naufragare la mia

        imbarcazione e inchiodai il mio tronco

eternamente nel tuo sottosuolo

e perché non capitasse come in altre occasioni

non dissi a Re, Regine e cortigiani della scoperta

non rivelai le coordinate precise della tua presenza

ma piantai il mio tronco eternamente nel tuo

       sottosuolo

così loro mi credono un naufrago senza

        scampo,

io chiudo meglio i blocchi del segreto

così nessun libro ti darà per esistente,

nessuna mappa disegnerà le tue forme, i tuoi punti

        interiori ed esteriori,

così nessun assetato eccetto me, lo scopritore,

potrà bere nella tua terra la vita fino alla morte.

Settembre 1980

 

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Félix Luis Viera (El Condado, Santa Clara, Cuba, 1945), poeta, cuentista y novelista, es autor de una copiosa obra en los géneros.

En su país natal recibió el Premio David de Poesía, en 1976, por Una melodía sin ton ni son bajo la lluvia; el Nacional de Novela de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, en 1987, por Con tu vestido blanco, que recibiera al año siguiente el Premio de la Crítica, distinción que ya había recibido, en 1983, por su libro de cuento En el nombre del hijo.

En 2019 le fue otorgado el Premio Nacional de Literatura Independiente “Gastón Baquero”, auspiciado por varias instituciones culturales cubanas en el exilio y el premio Pluma de Oro de Publicaciones Entre Líneas..

Su libro de cuentos Las llamas en el cielo retoma la narrativa fantástica en su país; sus novelas Con tu vestido blanco y El corazón del rey abordan la marginalidad; la primera en la época prerrevolucionaria, la segunda en los inicios de la instauración del comunismo en Cuba.

Su novela Un ciervo herido —con varias ediciones— tiene como tema central la vida en un campamento de las UMAP (Unidades Militares de Ayuda a la Producción), campos de trabajo forzado que existieron en Cuba, de 1965 a 1968, adonde fueron enviados religiosos de diversas filiaciones, lumpen, homosexuales y otros.

En 2010 publicó el poemario La patria es una naranja, escrito durante su exilio en México —donde vivió durante 20 años, de 1995 a 2015— y que ha sido objeto de varias reediciones y de una crítica favorable.

Una antología de su poesía apareció en 2019 con el título Sin ton ni son. 

Es ciudadano mexicano por naturalización. En la actualidad reside en Miami.

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Gordiano Lupi, periodista, escritor y traductor, nació en Piombino, Italia, en 1960. Fundador, en 1999, junto con Maurizio y Andrea Maggioni Panerini de la editorial La Gaceta Literaria, ha traducido del español a varios autores cubanos, como Alejandro Torreguitart Ruiz, Guillermo Cabrera Infante, Félix Luis Viera y Virgilio Piñera, entre otros. Cuenta en su haber con un amplio trabajo sobre figuras del cine, entre ellas Federico Fellini, Joe D´Amato y Enzo G. Castellari. Ha publicado más de una decena de libros que abarcan diversos géneros, como Nero tropicale, Cuba magica, Orrore, ertorismo e ponorgrafia secondo Joe d´Aamto y Fidel Castro – biografia non autorizzata.

Gordiano Lupi es un luchador por la democracia para Cuba y un promotor de las artes y la cultura de la Isla.

Ballet “The prodigal son” (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.

Esta obra, cuyo título original es “Le fils prodigue”, con coreografía de George Balanchine, fue estrenada el 21 de mayo de 1929 en el Théâtre de la Ville, en París, y fue la obra apertura de la última temporada que los Ballet Russes realizaron en París. La música fue compuesta por Sergei Prokofiev quien, además, estuvo a cargo de la conducción de la orquesta, la escenografía y el vestuario fueron diseñados por Georges Rouault y la iluminación estuvo a cargo de Ronald Batas. El argumento fue realizado por Borís Kojnó, basándose en la parábola del Evangelio según San Lucas pero enfatizando la idea del pecado y la redención, hacia el final de la obra. En ocasión de su premier, la obra estuvo protagonizada por Serge Lifar, Anton Dolin, Felia Doubrovska, Michael Fedorov y Léon Woizikowsky.

Esta colaboración fue la tercera entre Prokofiev y los Ballet Russes. Sin embargo, por primera vez, el compositor se mostró molesto con el coreógrafo ya que él había imaginado una puesta coreográfica más realista de la propuesta por Balanchine. Es por eso que Prokofiev se negó a pagarle regalías a Balanchine por su coreografía. A pesar de este desentendido entre los implicados, “The prodigal son” fue un éxito de crítica y de público, y uno de los primeros ballets de Balanchine en alcanzar trascendencia internacional.

El argumento es sencillo y se organiza en un acto y tres cuadros. En el primer cuadro el hijo pródigo abandona el hogar paterno, junto a dos amigos, tras recibir parte de su herencia. En el cuadro siguiente, se los ve en una taberna, participando de una fiesta; el hijo pródigo queda deslumbrado por una misteriosa mujer, sus amigos aprovechan y lo emborrachan, le roban todo su dinero y lo dejan abandonado a suerte. En el cuadro final, el joven vuelve al hogar paterno, arrepentido, en busca de redención.

Luego del estreno y tras la muerte de Diaghilev, ocurrida ese mismo año, Balanchine se traslada a Estados Unidos y repone esta obra para el American Ballet en 1934 y, también se volverá a presentar, con M. Barishnikov, en 1980. Otras compañías que la han representado son el New York City Ballet (1950, con J. Robbins), el Royal Danish Ballet (1968), el Royal Ballet (1973, con R. Nureyev), el ballet de la Ópera de Paris (1973) y Les Grand Ballet Canadiens (1989).

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Ver en el blog 

George Balanchine (por Florencia Guglielmotti)

Sobre los Ballet Russes... (por Florencia Guglielmotti)

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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO)

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Amar no significa sufrimiento (por Orlanda Torres)

Nota del blog: Sección semanal en el blog Gaspar, El Lugareño, gracias a la cortesía de la psicóloga Orlanda Torres, quien ha aceptado la invitación a compartir con los lectores sus consejos y reflexiones sobre los conflictos cotidianos.

¿Quién no ha sufrido por amor? Todos hemos sido sorprendidos en algún momento de nuestra vida por este amargo sentimiento. ¿Se entiende que ningún adolescente se escapa de ese estado, pero cuando se es adulto, se debe sufrir por amor? ¿Es necesario? ¿Se puede evitar?

Pienso que cuando se es joven es casi imposible evitarlo, porque el adolescente se enamora, y esto es una expresión de la emoción y no de sentimientos reales.

Cuando se llega a la edad adulta ese sentimiento ya está consolidado, por lo tanto, el dolor debería ser innecesario, aunque hay quienes no lo pueden evadir. Considero que elegir ser tú solamente la persona que ama, es solo la manifestación de una carencia de amor propio, donde se establece un apego penoso que llega a producir ansiedad e inestabilidad emocional.

Si esto se convierte en un vínculo donde prevalece la obsesión y la persona se torna insegura y siente que no está siendo correspondida, no tiene ningún sentido seguir sosteniendo viva esta relación.

No se debe idealizar el amor, porque cuando empezamos a idealizarlo, el ser humano empieza a sufrir, recordemos que el amor en sí no es perfecto y el amor se construye con la convivencia diaria.

Es importante que primero sientas amor hacia ti mismo, aprende a quererte, porque eso; será la base fundamental que garantizará que podrás amar a la otra persona.

Recordemos que ningún ser humano debe negociar ni el amor ni la dignidad, porque el amor nunca estará en venta.

El amor es entrega mutua, son dos seres que deciden tener un amor constructivo no destructivo, implica comunicación, complicidad y confianza.

Los psicólogos han demostrado que debe existir tres pilares fundamentales que son: El Eros, La Philia y El Ágape, si uno de estos tres elementos falta, entonces el amor empieza a padecer, debido a que esta triada está incompleta.

El amor consiste en hacernos sentir cada uno un estado de bienestar y placer, más no de descontento y vacío, peormente llegar a sentir dolor; cuando se ama no se sufre. El ser que ama y es amado, siente paz en su interior y se siente completo.

En el momento que sientes dolor, esa relación no tiene ninguna validez en tu vida, es necesario que rompas toda conexión que llegue hacerte daño y es muy posible que hayas elegido a la persona equivocada, con quien no tengas ninguna compatibilidad y eso a la larga te producirá un desajuste emocional, el mismo que hará que te conviertas en un ser insatisfecho y no te permitirá alcanzar la auto realización personal.

Toda persona que consienta que solo una de las dos partes sea la que ame, es una persona con baja autoestima, con una terrible inseguridad en su interior y lamentablemente ha elegido un apego doloroso de la cual ha elaborado una codependencia innecesaria que posiblemente saldrá lastimado tarde o temprano.

El amor requiere cuidado y mantenerlo vivo. Amar no es sinónimo de sufrimiento, no implica dudar de la otra persona, no es sentir dolor ni descontento interno.

Cuando se albergan los sentimientos de inestabilidad e inseguridad y se piensa que el ser amado pudiese ser infiel, significa que no tienes seguridad de ti mismo, ni del vínculo establecido, es una relación incompleta con bases muy débiles. ¿Por qué mantener viva una relación fragmentada, insatisfecha, llena de fantasmas que te producen sufrimiento emocional y descontento? Es necesario que renuncies a este vínculo, para que no sigas lastimando tu ser.

Amar es respetar los roles individuales de cada uno, respetar la libertad de los dos, sentir seguridad con el ser amado, confiar en él o en ella, respetar su autonomía, pero principalmente respetarse uno mismo, estos aspectos deben mantenerse siempre vigente de ambas partes, para mantener un vínculo afectivo saludable.

 

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Orlanda Torres: Psicóloga, Escritora, Educadora, Orientadora Motivacional.

Autora del libro "Volando en Solitario" año 2015, Guayaquil - Ecuador. (Disponible en Amazon Kindle)

-Estudió en Miami Dade College: Certificate of Florida “Child Development Associate Equivalency”. Maestra de Educación Preescolar e Infantil en la ciudad de Miami.

-Licenciada en Psicología graduada en el 02/2017 - Atlantic International University.

-Orientadora Motivacional y Conferencias pueden contactar a Orlanda Torres a través de la página que administra www.fb.com/vivencialhoy

Publicaciones en Revista Sapo - Santiago de Chile – 2016

-La Estancia en el Paraíso de los Sueños

-Relación de Pareja y su gran Desafío

-Es la Felicidad una Elección

Conferencia en Radio - Miami, Florida

-Positivo Extremo Radio: Entrevista 123 Teconte “Regreso a Clases y La Adolescencia”

-¿Como aprender a ser feliz?- Edificio Trade Building-.Innobis Coworking, Guayaquil - Ecuador

-La Inteligencia Emocional en la Relacion de Pareja- WENS Consulting Group, Guayaquil - Ecuador

Publicaciones en Revista Sapo - Santiago de Chile – 2018

- Ser Mujer

Florida National University

- Podcast - Un dia con Bereshit la silla VIP - Conferencia Sobre mi libro " Volando en Solitario"

-Panelista en los Foros literarios Books and Books

-Participacion en el Primer Encuentro de Escritores "Mision Gratitud" - Barnes & Noble

Administra:

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Cinco tips para ser fiel (por Cecilia Alegría, La Dra. Amor)

Nota del blog: Espacio semanal de Cecilia Alegría, La Dra. Amor, dedicado al amor de pareja.

"Quien halla esposa halla la felicidad:

muestras de su favor le ha dado el Señor."

(Proverbios 18:22)

El hombre casado que verdaderamente ama a su esposa sabe bien que no hay mejor regalo que él pueda obsequiarle que su fidelidad absoluta. Para lograr este bello objetivo, él debe Prevenir antes que lamentar. La actitud preventiva del hombre casado vale oro. He aquí algunas ideas a considerar para los hombres fieles que desean mantenerse fieles a sus esposas hasta que la muerte los separe (¡y para ellos mi aplauso!):

1) No se quite el anillo.

Hay ocasiones en las cuales tendrá que quitárselo (como para manejar maquinaria pesada, nadar o levantar pesas en el gimnasio) pero la idea es que no sea por mucho tiempo. Si usted va a ingresar a una situación que lo hace considerar si tiene que ponerse el anillo o sacárselo... atención: Huya, no vaya a ese lugar ni se encuentre con esa mujer. Su esposa, sus hijos, su hogar, su matrimonio son mucho más importantes que ese otro encuentro.

2) Coloque fotos de su esposa y su boda en el escritorio.

De manera tal que cualquier mujer que ingrese a su oficina las vea y se dé cuenta de cuán importante es para usted su esposa y cuan presente la tiene siempre.

3) Mantenga un contacto visual corto y ligero.

Nada de miradas largas e intensas. El contacto directo a los ojos puede tener consecuencias negativas. Es una forma sutil de explorar el alma ajena y la única mujer que merece que usted la explore a profundidad es su esposa.

La mirada sensual y profunda puede conducir a caer en una tentación mayor. No mire a esa otra mujer directamente a los ojos. Mírele rápida e indirectamente y luego pose sus ojos sobre la foto de su esposa.

4) Mantenga un diálogo serio y profesional.

Si usted trabaja rodeado de mujeres solteras, es obvio que tendrá que conversar con ellas. No permita que ninguna lo conduzca al campo personal, ése en el cual se comparten situaciones y sentimientos privados, como el de sus relaciones amorosas pasadas o presentes. Sea diplomático en regresar a los temas generales, pero no incurra en el error de escucharla contar sus intimidades. Cambie el tema de conversación rápidamente contando alguna anécdota de su esposa e hijos.

5) Hable de su familia constantemente.

En los momentos en que se comparte el café y la comida en grupo, en el centro laboral u otro ambiente en el que su esposa no puede estar, hable de ella con orgullo. Ponga a su mujer en un pedestal para que las demás mujeres sepan que ella, después de Dios, es la primera prioridad de su vida.

Y no importa si en el pasado usted se ha extralimitado en su relación con mujeres solteras, nunca es demasiado tarde para poner en práctica estos consejos y comprometerse a serle fiel a la mujer que Dios le dio como esposa, hasta que la muerte los separe.

 

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Para consejería, visita www.ladoctoraamor.com/collections/consultas

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Cecilia Alegría, La Dra. Amor (www.ladoctoraamor.com): Consejera de Parejas, Love and Life Coach, Conferencista Internacional, Periodista y Conductora de Radio y TV. Destaca en los Latinos en Miami dando consejos sobre cómo triunfar en el terreno amoroso y ayudando a miles de parejas a resolver sus problemas. Forma parte del grupo fundador de profesores del programa Universidad de la Familia.

Ha publicado doce libros entre los que se encuentran: Comunicación Afectiva=Comunicación Afectiva (Espasa Calpe, España, 2000). 120 preguntas y respuestas para ser mejores personas (Editorial Norma, Colombia, 2004), No hay amor más grande (Editorial Aragón, USA, 2012), Amando un Día a la Vez (Ediciones Varona, U.S.A. 2015), Al rescate de tu comunicación de pareja (Ediciones Varona, USA 2017), Sexo Sagrado y Lazos del Alma (Indie Publishingnbsp, 2018), Alessia (Book Master Corp. 2019), El Poder del Amor Grape: como restaurar tu matrimonio después de una infidelidad (2021). Amanecer con Dios (2021), Del Amor Tóxico al Amor Extraordinario (2022). El continuo aprendizaje de la felicidad (Editorial El Shaddai,  2023).

Eva desterrada del “paraíso”. (por Baltasar Santiago Martín)

Sé que lo que voy a decir es algo bastante controversial, pero me arriesgaré:

Esta obra teatral es sobre la pérdida del paraíso por las mujeres que se ven obligadas a abandonarlo o perderlo, como la Eva del Viejo Testamento, pero por razones distintas.

Y se preguntarán: “¿qué será el paraíso para él?”; ¿irá a idealizar la Cuba de antes de 1959, el año en que todo se ‘revolucionó’?”.

Pues no. El paraíso para mí es la familia completa, cuando todavía no faltaba nadie en las fotos de los bautizos y los cumpleaños; una infancia y una juventud felices, en el barrio, la ciudad y el país en que nacimos, y esto rebasa el guetto cubano, porque es una tragedia universal –¡sí, una tragedia universal! –, que es lo que vi en la escena del Sandrell Rivers Theater la noche del viernes 14 de marzo de 2025, aunque aderezada con esos matices cubanos tan peculiares que nos hacen reírnos en medio de nuestras adversidades y desgracias.

No hay que ser mujer para que esta obra “te llegue al alma”, como lo hace esta Eva de mi Lilliam Vega Lauten y Adyel Quintero Díaz, con El Ingenio Teatro, porque creo que todos venimos de una madre, de una abuela, de unas tías, que tuvieron que dejarlo TODO atrás –ese “paraíso” del que hablo– o perderlo sin tener incluso que emigrar, porque también existe el insilio además del exilio, cuando sigues viviendo donde están tus orígenes, pero todo ha cambiado para mal y sufres la partida de los que sí se han ido.

La vejez –que para mí es otro tema subliminar de esta obra– es como la luz, de naturaleza dual: es una victoria y a la vez una derrota, según te mires en el Espejo y la decidas enfrentar, máxime cuando además de la pérdida de la lozanía y del vigor de la juventud, tienes que sufrir el desarraigo, en el caso de la emigradas o las “insiliadas”, por partida doble.

En el ballet La bayadera, debido a la ensoñación y el sopor del opio de su amado Solor, la bayadera Nikiya aparece reproducida 24 veces ante él, en la famosa escena llamada “El Reino de las Sombras” de dicho ballet.

Las 7 Evas: Simone Balmaseda, Flora Lauten 

e Ivanesa Cabrera (al frente); Lilliam Vega,

 Fanny Tachín, Dianet Conde

 y Kirenia Vega (detrás).Foto: Manuel Valladares.

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En esta Eva –que por momentos tuvo escenas casi de ballet o danza contemporánea–, bastaron solo siete, número mágico de la Ciencia de la Numerología –que en la Ciencia del Teatro Cubano me remite a la ya mítica Los siete contra Tebas, de Antón Arrufat, de 1968, pero estrenada en Cuba en 2007, dirigida por Alberto Sarraín–, pero sin que fuera necesario ningún alucinógeno para ver a Eva, solo el acerado e incisivo texto de Lilly y de Adyel, corporizado en las tablas por estas intensas mujeres actrices que se interpretaron a sí mismas en su vida real –salvando lo de putas, aclaro (¿?).

Todos nosotros, mujeres y hombres, llevamos a nuestros muertos en donde y adonde quiera que estemos o vayamos, y en mi caso, los buenos recuerdos me ayudan a vivir.

Durante la obra, pensé mucho en las abuelas –y en general, en todas esas mujeres ya mayores– que “en el ocaso de sus vidas” (eso me quedó algo cursi) se deben adaptar a otra cultura, a otro idioma, en que muchas veces sus nietos no hablan español, y la nostalgia y la añoranza por “el paraíso perdido” (vayan al inicio) las desarraiga del disfrute del presente y de los hijos y nietos “americanos”, a pesar de la abundancia, del confort y del aire acondicionado: extrañan a sus muertos, a sus vecinos del barrio, hasta ese café mezclado con chícharo que se menciona en la obra, pero sin panfleto ni teque (gracias, Lilly).

Ivanesa Cabrera, Dianet Conde 

y Fanny Tachín (al frente); Kirenia Vega 

y Simone Balmaseda (detrás). 

Foto: Manuel Valladares.

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Como he escrito ya en otras ocasiones, no basta la excelencia de un texto si quienes le ponen “alma, corazón y vida” –como reza el título del bolero (¿o vals?) del Trío Los Panchos, de la autoría del peruano Adrián Flores Albán– no dan la talla, y tanto Simone Balmaseda, Kirenia Vega, Dianet Conde como Fanny Tachín “se vistieron de largo”, en realidad y en sentido figurado, para ser Eva, con la crudeza, la intensidad y el desparpajo que los autores no dudaron en “endilgarle” a cada una para el, sin dudas, único y caleidoscópico, a la vez, personaje.

Fanny Tachín y Kirenia Vega (al frente);

 Simone Balmaseda, Dianet Conde

 e Ivanesa Cabrera (detrás). 

Foto: Alfredo de Armas.

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Kirenia Vega, Fanny Tachín y Dianet Conde.

Foto: Alfredo de Armas.

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Y ustedes se dirán: “a este se le pasó mencionar a Lilliam Vega como actriz, además de como coautora y directora de la obra”, pues fíjense que no, pero Lilly merece un punto y aparte en esta reseña, al igual que Flora e Ivanesa.

Lilliam Vega antecedió a su madre casi al final de la obra, con tanta verdad –a cara lavada–, que bastaron sus breves líneas para dar el pre in crescendo emocional de Eva, que sin dudas reservó para su madre, esa luminosa y aterrizada actriz (sí, ya sé que creé un oximorón) del Universo Buendía que se llama Flora Lauten, en aparición “muy especial”, tal y como parece en el programa de mano.

Creo que Flora resumió, tanto como actriz que como mujer, ese desarraigo doble del que hablo, de todas estas mujeres y actrices, que a la vez son una misma Eva única en representación de todas las posibles.

Flora Lauten.

Foto: Manuel Valladares.

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Flora Lauten.

Foto: Alfredo de Armas.

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¿Y de Ivanesa qué?, pues que ella, además de ser una actriz visceral –y a la vez coloquial (otro oximorón) –, es una cantante “de recia estirpe” (¡apreté, Tato!), pues es hija de mi bolerista preferida, la gran Gina León, cuyo inolvidable tema Aléjate forma parte indiscutible de la banda sonora de ese añorado “paraíso perdido” ya descrito al inicio, en que Gina era una de las reinas –o la Reina– del Cabaret del Hotel Capri, y lo seguirá siendo, mientras conservemos y defendamos toda esa ilustre memoria musical y cultural de nuestro pasado.

Ivanesa Cabrera. Foto: 

Alfredo de Armas.

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Ivanesa “acompañó” a su madre en esta puesta, cantando a dúo con ella el bolero ¿Qué te cuesta?, de la autoría de Ricardo García Perdomo, lo cual fue un momento muy emotivo de la obra, pues, como expresé en mi poema Mis tesoros: “cada cubano tiene en su alma libre una victrola con boleros antiguos para alimentar su corazón”.

No debo concluir esta reseña sin alabar la música original de Héctor Agüero –en vivo durante la representación–; y darle crédito a Rubén Romeu por la coreografía de los movimientos escénicos (“por momentos hubo escenas casi de ballet o danza contemporánea”, como ya expresé líneas arriba), así como felicitar a Loipa Alonso por la producción general, asistida por Narah Valdés, de esta Eva tan necesaria y catártica.

Baltasar Santiago Martín Garrote

Hialeah, domingo 15 de marzo de 2025.

Fotos: Manuel Valladares & Alfredo de Armas

(Cortesía de El Ingenio Teatro)