Gaspar, El Lugareño: La eterna travesía escénica de una madre. (por Wilfredo A. Ramos)

Hay propuestas escénicas que convocan a ser receptores no solamente de un hecho artístico, sino que provocan a adentrarnos en aquellos acontecimientos narrados, resultantes de los hechos más despreciables provocados por los propios seres humanos, por lo que prepararnos para asistir al teatro debiera convertirse siempre en un meditado acto de supervivencia personal.

Ante el anunciado estreno de un espectáculo unipersonal, en el cual la conocida y valorada actriz mexicana Adriana Barraza celebraría su medio siglo de matrimonio con los escenarios -en realidad habría que sumarle los dos años de silencio pandémico- la ciudad de Miami se volcó con impaciencia a contar los días que restaban para ser testigos de tal prometedor trabajo.

Actriz con una larga trayectoria en cine, televisión y teatro, ha sido premiada y nominada a importantes premios como el Oscar, Globos de Oro, Broadcast Film Critics Association, SAG Award, Gotham, ALMA, entre otros, como también ha sido distinguida con una multitud de reconocimientos entregados por la crítica de diferentes ciudades de Estados Unidos y otros países.

De igual manera la Barrasa ha desarrollado una destacada carrera como formadora de actores en su país natal, donde por alrededor de doce años fungió como profesora dentro del taller de Perfeccionamiento Actoral de Televisa, así como en Colombia y por supuesto en la ciudad de Miami, donde desde su sede del Adriana Barraza Acting Studio, en la ciudad del Doral, fundada en el 2011, ha mantenido una fuente de preparación de talentos para el siempre difícil y arriesgado andar del actor,

Ante la innegable realidad de tan destacada carrera, el pasado 2022, su tierra de origen no quiso dejar pasar la oportunidad de reconocer su fructífera vida artística, por lo que durante la XXV edición del Festival Internacional de Cine de Guanajuato, le fue entregada La Cruz de Plata y La Medalla de la Filmoteca, este último reconocimiento otorgado por la Universidad Autónoma de México (UNAM).

La ciudad de Miami, no podía de manera alguna abstenerse de rendir tributo a una tan destacada figura de los escenarios, por lo que, la también profesora, actriz y directora venezolana Neher Jacqueline Briceño puso manos a la obra concibiendo un texto dramático que estuviera a la altura de la actriz a homenajear, viendo de esta manera la luz “Madre”, trabajo pensado para permitirle a dicha figura mostrar una vez más sobre las tablas su amplio caudal histriónico .

Mediante esta escritura dramática, la autora se vuelca hacia un tema, que siendo intemporal, abriga demasiada lamentable actualidad, definiendo la vida de muchos seres humanos, especialmente de madres esparcidas a través de diversos rincones de este cada vez más desafortunado mundo, el que desgraciadamente cada día se vuelve ‘más ancho y ajeno’. Madres que han perdido a sus hijos arrancados en algún momento a sus familias, de cuyo paradero nunca más se ha podido saber.

Bajo el signo de esta tragedia, es que la Briceño se lanza a la construcción de un personaje y un espectáculo que estén a la altura del reconocimiento propuesto.

No existe mayor acierto que concebir un trabajo unipersonal, donde desde la soledad sobre el escenario, el actor devele todas sus facultades, por lo que precisamente esta fue la vía escogida para hacer que la Barraza subiera al escenario cargando sobre sus hombros el pesado fardo de un drama de colosales proporciones, aunque este unipersonal adquiere características especiales en su concepción.

A través de un texto de fuerte crudeza, de descarnada denuncia humana, el dolor y la rabia se hacen corpóreos en escena mediante la fantasmagórica imagen de una anciana ciega que baja hasta las profundidades de la muerte, para rescatar tan siquiera el cuerpo muerto de un hijo desaparecido, poder darle sepultura, llorarlo y dedicarle algunas flores, sabiendo que al menos así podrá permanecer a junto a él.

La actriz, en medio de un bien conseguido lóbrego ambiente, resultado de una sugerente concepción escenográfica salida de las manos de los ya conocidos diseñadores Pedro Balmaseda y Jorge Noa, se nos presenta como una nueva Caronte, aquel quien con su barca era encargado de cruzar los muertos hacia el oscuro reino de Hades, en esta ocasión haciendo el camino contrario. Con su quejumbroso personaje, será ella quien ahora cargue consigo los muertos -su hijo y todos los hijos desaparecidos- arrebatándolos de aquel oscuro destino, para ser devueltos, en el mundo de la vida, a sus madres, en un inverso viaje a sus orígenes.

Desde que se vislumbra la imagen de la actriz, esta muestra sin ambages sus cartas de presentación. Poseedora de una excelente dicción, sus palabras resultan ser disfrutadas en todo el significado de las mismas, marcando intenciones, estados de ánimos, aquellos que la intérprete ofrece en una precisa y armónica demostración. La intérprete construye su personaje utilizando un abanico de recursos expresivos, que definirán cada detalle de su trabajo, sin que se diluyan los mismos en instante alguno. Prueba de lo anterior, devendrá la ceguera de su personaje, de la que hace, realidad indiscutible, siendo ello palpable en su relación con los objetos, las personas y el espacio que le rodea. Sus ojos que miran sin vida y sus manos que hablan por ellos, son la mejor demostración de la posesión del personaje en el cuerpo de la actriz.

Para dicha puesta en escena, la directora ha tenido a bien acompañar la ‘soledad’ de la actriz con la presencia de músicos y bailarines, con los cuales crea un apropiado ambiente sonoro y visual, que engrandece el espectáculo en su sentido estético, enriqueciendo el trabajo de la dramaturgia escénica.

La integración a esta puesta de los músicos, Arsenio Díaz y Michael Gil, los que tanto a través de sus conciertos y trabajos pedagógicos, como de sus participaciones en anteriores proyectos teatrales, se han dado a conocer al público de nuestra ciudad, logran que su especial desempeño se imponga como elemento también determinante en escena. Ambos artistas partiendo de su amor por la guitarra, se han convertido en incansables investigadores de los sonidos que extraídos de aquellos instrumentos que bajo la denominación de ‘étnicos’ inundan el ámbito del folclore de los pueblos, siendo su utilización lo que enriquece de manera notable el espacio sonoro de este espectáculo.

El otro miembro discursivo en este espectáculo, la danza, aumenta la carga dramática y simbólica, apuntalando correctamente la elaborada concepción artística del mismo. La participación de los bailarines Maya Billig, Rafael Ruiz del Vizo y Enrique Villacreses, contribuye a realzar el ámbito espectral que recorre el escenario, otorgándole a sus desempeños un importante rubro de confrontación en su relación con la actriz. La plasticidad de movimientos, que ofrecen dichos intérpretes tiene una alta cota en el particular trabajo de Villacreses, bailarín con una exacta meticulosidad en sus desplazamientos, mostrando una rara confluencia espiritual en su danzar que se manifiesta por igual en su expresividad e intencionalidad corporal como en la que le otorga a sus expresiones faciales. Es difícil no estar atentos a su ejecución en escena.

Resulta necesario destacar que con la utilización de la música en vivo y la danza, acompañando a la actriz en su labor, se induce a que el trabajo de la misma se vea no sólo reforzado, sino que este se crezca, entronándose el conjunto en una partitura polifónica, donde la presencia actoral se multiplica en cada uno de esos otros elementos que coinciden en la excelente puesta teatral, perfecto tributo a la longeva y rica trayectoria sobre los escenarios de esa gran dama de la actuación, Adriana Barraza.

Hacer posible la realización de un trabajo de tales dimensiones estéticas, es fruto no sólo del talento de su escritora-directora, de sus intérpretes, sino también del fundamental y decisiva labor que detrás de la escena efectúa Melissa Messulam al frente de la producción general, junto a todo el equipo de creación, con el cual logran hacernos partícipes de la magia del teatro.