Gala de Primavera 2025 de Arts Ballet Theatre of Florida. (por Baltasar Santiago Martín)

Arts Ballet Theatre of Florida (ABTF), dirigido por el talentoso coreógrafo y maitre Vladimir Issaev, presentó su Gala de Primavera de 2025, el sábado 26 de abril de 2025, en el Aventura Arts & Cultural Center –que fue la función a la que asistí– y el domingo 27 de abril, en el Teatro Amaturo del Broward Center for the Performing Arts.

El programa comenzó con La Vivandiére (Markitanka en ruso), música de Cesare Pugni y coreografía de Arthur Saint-León & Fanny Cerrito, con Saaya Okada y Remina Tanaka como Kathi y Hans –la pareja central– y Rena Iwasaki, Mayuko Nono, Kirsty Walker y Urara Tsukamoto como cuerpo de baile.

Creado durante el esplendor del período romántico, este ballet de Saint-León —el autor de Coppélia— se estrenó en Londres, en 1844, centralizado por Fanny Cerrito y el propio Saint-León.

La obra se desarrolla en una pequeña aldea húngara donde se celebra el regreso del regimiento del Barón Grindberg, en la que Kathi es cantinera. El posadero Bibermann tiene un hijo llamado Hans, de profesión cartero, que está enamorado de la joven. Por ello le pide a su padre autorización para casarse. Sin embargo, dos señores de mejor posición, el burgomaestre de la ciudad y el propio Barón, también quieren a Kathi, aunque ambos están casados, por lo que convencen a Bibermann de que Kathi es un mal partido para su hijo por ser pobre.

Al enterarse ambas esposas, deciden que ambos deben hacer un voto de fidelidad y, tras complacerlas, los dos reciben un medallón y un anillo respectivamente. Entre tanto, Kathi acuerda con Bibermann que si consigue una dote podrá casarse con Hans.

A pesar de las promesas a sus esposas, ambos siguen cortejando a Kathi, quien, durante un galanteo, les saca el anillo y el medallón, exigiéndoles la dote que necesita a cambio de su devolución. Finalmente, el plan del burgomaestre y del Barón se vuelve en su contra, y Kathi se puede casar con Hans.

Como “una imagen vale más que mil palabras”, quiero que sean las siguientes fotos de esa noche las que “hablen” de la prestancia y el excelente desempeño, tanto de la pareja protagonista como de las cuatro “aldeanas” que la secundaron, fruto sin dudas de la cuidada y admirable preparación de todos ellos por parte del Maestro Vladimir.

Saaya Okada y Remina Tanaka como Kathi y Hans

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Saaya Okada (al frente, a la izquierda), 

Rena Iwasaki, Mayuko Nono, 

Kirsty Walker y Urara Tsukamoto,

 con Remina Tanaka (al fondo, a la derecha).

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Remina Tanaka (al centro) con Rena Iwasaki,

 Mayuko Nono, Kirsty Walker 

y Urara Tsukamoto.

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Después de La Vivandiére, salieron a escena Indira Mayrani y Yoichi Habaguchi para interpretar el pas de deux La traviata, con coreografía del Maestro Vladimir Issaev, para el que Issaev utilizó como música el bellísimo y premonitorio preludio de la ópera homónima de Giuseppe Verdi, como una muy libre y actual “recreación” suya de la pasión por Alfredo Germont que hizo que Violeta Valery dejara su desenfrenada vida como cortesana en ese “populoso desierto llamado París”, lo que aplica hoy igual para los nuevos Violeta y Alfredo, tanto de Nueva York, Miami como “del universo entero”.

Indira Mayrani y Yoichi Habaguchi 

en el intenso y “actual” pas de deux La traviata

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Tras esa “actualización” del drama operístico parisino –que puede ocurrir ahora desde Alaska hasta la Patagonia, sin olvidar las disputadas Groenlandia, Canadá, Panamá, Gaza y Ucrania–, Issaev nos trajo de vuelta “al pasado”, no al “Addio, del…” de Violeta, sino con La favorita, en versión para ballet también suya, de la ópera homónima de Gaetano Donizetti, que tituló Variaciones de Donizetti.

La favorita (título original en francés, La favorite) es una grand opéra en cuatro actos, compuesta para el público parisino al estilo de la Grand Opéra francesa (larga duración, ballet, etc.) por Gaetano Donizetti y libreto en francés de Alphonse Royer, Gustave Vaëz y Eugène Scribe, basado en la obra de teatro Le Comte de Comminges (1764), de François-Thomas-Marie de Baculard d'Arnaud. Fue estrenada el 2 de diciembre de 1840 en la Opéra de París.

La historia transcurre en España, en el año 1340, cuando Castilla y Portugal se unieron para luchar contra los musulmanes en la batalla del Salado. Uno de los personajes es Alfonso XI de Castilla, en un triángulo amoroso con su amante Leonor de Guzmán ("la favorita") y el amante de ella, Fernando. La historia se desarrolla con las invasiones moras a España y las luchas de poder entre la iglesia y el estado como “telón de fondo”.

Como verán mis lectores, “no hay nada nuevo bajo el sol”, tanto por el citado triangulo amoroso como por las luchas por el poder. Y ahí paramos, para no tener que hablar de política doméstica.

También creo que Vladimir logró aligerar tanta carga pesada del argumento original en su versión para ballet, la cual comentaré a continuación.

Para ello, Vladimir contó con la colaboración de The Opera Atelier para abrir el espectáculo, a cargo de la mezzosoprano Greisel Domínguez, quien interpretó el recitativo, el aria y la cabaletta de “Fia dunque vero - O mio Fernando”, acompañada al piano por el maestro Daniel Daroca.

La mezzosoprano Greisel Domínguez,

 acompañada al piano por el maestro

 Daniel Daroca.

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Y después de este breve “abreboca” operístico, ya entonces sí la danza se apropió del escenario, con los talentosos, musicales y bien entrenados bailarines Matthew Bryce, Yoichi Habaguchi, Rena Iwasaki, Mayu Kanazawa, Kuan Lun Li, Sara Marlin, Suzuka Matsumoto, Yuzuka Matsumoto, Ataru Matsuya, Indira Mayrani, Kazusa Murayoshi, José Luis Pechené, Matteo Rollini, Louise Rigby, Seiga Sato, Gai Suehiro, Zoàrd Szabò, Kanon Tanaka, Remina Tanaka, Urara Tsukamoto, Kirsty Walker y Clarence Wong, quienes se apoderaron de la hermosa música de Donizetti para que la pudiéramos “ver” en escena.

La juvenil y chispeante troupé de ABTF

 “mostrándonos” las notas de las 

Variaciones de Donizetti.

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Antes de continuar con el ballet que cerró la extraordinaria función que pude disfrutar esa noche, necesito hacerles una confidencia muy personal: ¡me encantan los ballets con argumento, y si este está bien contado, con la pantomima precisa y adecuada, ahí sí ya me dan “por la vena del gusto”!

Y eso fue exactamente lo que pasó con Arlequinada –de la Comedia del Arte–, música de Riccardo Drigo, coreografía de Vladimir Issaev –y de Marius Petipa el pas de deux–; diseño de vestuario de Jorge Gallardo y máscaras por Karneval, así como diseño escenográfico de Bobby Brinson y de luces por Vladimir Issaev & Bobby Brinson.

Este ballet cuenta la historia de esta pareja: Colombina, la hija de Cassandro, está enamorada de Arlequín, quien la corresponde; pero su padre quiere que se case con un viejo rico llamado Alessandro. Por lo mismo, tanto Cassandro como su sirviente Pierrot deciden mantener a los enamorados separados..

Por suerte para la pareja de enamorados, Pierrette, la esposa de Pierrot, simpatiza con ellos y los ayuda a arruinar el plan de su esposo y de su jefe Cassandro, quien ha encerrado a Colombina con llave, que logra sustraer y la libera.

La felicidad de la reunida pareja dura poco, pues Pierrot golpea a Arlequín y lo deja como muerto en el suelo, pero cuando todas las esperanzas parecían ya perdidas, aparece el Hada Buena con su Caballero, acompañada de una legión de arlequines, y lo revive con su magia.

Al final, el amor triunfa cuando el Hada Buena aleja a Cassandro y a Alessandro del lugar donde Cassandro pretende casar a Colombina con este ante un notario, quien en vez de ello, casa a Colombina con Arlequín, para júbilo y celebración de todo el pueblo.

Elenco

Arlequín: Ataru Matsuya

Columbina: Kanon Tanaka

Pierrot: Yoichi Habaguchi

Pierrette: Suzuka Matsumoto

El Hada Buena: Saaya Okada

Su Caballero: José Luis Pechené

Alessandro: Seiga Sato

Cassandro: Clarence Wong

Pas de six

Putri Gobel, Mayu Kanazawa, Sara Marlin,

Indira Mayrani, Urara Tsukamoto y Kirsty Walker

El pueblo

Toda la compañía y los orgullosos estudiantes de la Vladimir Issaev School of Classical Ballet.

Si bien observé un trabajo muy parejo en todos los bailarines, me impresionó sobremanera el de José Luis Pechené como el Caballero acompañante del Hada Buena, que me recordó a Carlos Acosta, por lo que le auguro una carrera sobresaliente para la que no debe descuidarse, pues está en las mejores manos en ABTF.

Saaya Okada como el Hada Buena 

y José Luis Pechené como su Caballero, 

con su escolta de arlequincitos detrás.

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Sobresaliente también fue el pas de six de Putri Gobel, Mayu Kanazawa, Sara Marlin, Indira Mayrani, Urara Tsukamoto y Kirsty Walker, y no puedo dejar de celebrar la actuación de todos los pequeños arlequines que irrumpieron en la escena para apoyar al Hada Buena, evidencia de que “la Escuela Issaiana” funciona –y funciona muy bien– a todos los niveles.

Kanon Tanaka como Columbina

 y Ataru Matsuya como Arlequín.

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Esta deslumbrante puesta de Arlequinada –“vestida para epatar” con un gusto exquisito por Jorge Gallardo y respaldada por los hermosos decorados de Bobby Brinson– es un excelente ejemplo de que saber contar bien el argumento es importantísimo, sobre todo cuando se pretende –como deber insoslayable– atraer a niños y adolescentes al mundo de la danza clásica, tanto como espectadores que como bailarines, lo cual es un gran triunfo e indiscutible logro, amén del elaborado trabajo coreográfico de Issaev para las más que probadas habilidades técnicas de sus bailarines, así como su entrenamiento, además, para la pantomima, básica en un ballet con argumento como este, con un exultante final con toda la troupé en el escenario como colofón de una función de altísimo nivel, digna de ser representada en cualquiera de los mejores coliseos del “universo entero”.

La troupé de ABTF en hermosas poses,

 ya para los saludos finales de Arlequinada.

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Toda la troupé de ABTF en los 

saludos finales de Arlequinada.

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Muchas felicidades, Maestro Vladimir Issaev, por esta exquisita fiesta del buen gusto, el profesionalismo y el rigor, así como por su visión de presentar ballets poco conocidos a nuestro público del sur de la Florida.

Baltasar Santiago Martín

Hialeah, 10 de mayo de 2025.

Día de las Madres.

Fotos: Patricia Laine (cortesía de Arts Ballet Theatre of Florida)

“Un corazón palpitante exquisito” para Audry Gutiérrez-Alea y sus "Poemas de febrero". (por Baltasar Santiago Martín)

Tomo la idea de los surrealistas, pero como no me gusta ese nombre: “un cadáver exquisito”, para su construcción de tomar una frase o parte de una obra de cada miembro de su grupo –y “armar” así una especie de collage literario–, he decidido renombrarlo como “Un corazón palpitante exquisito”, en vez de “Un muerto sabroso” –que sería la traducción del francés al cubano castizo de Jacomino, La Timba, etc, etc, etc.

Audry –con la que desde que nos conocimos siento una simpatía y una química muy bonita– es justamente “un corazón palpitante exquisito”, y por si quedaran dudas, bastaría con leer su libro Poemas de febrero, que presentó recientemente en el Centro Cultural Hispano para las Artes de Miami; un poemario visceral, sin lugares comunes ni cursilería.

Entonces, sin más dilación: “Un corazón palpitante exquisito” que he preparado en honor a ella y a su poemario:

I

Homero

pretende no ver

una ciudad que perdió el tiempo.

Despierta sobresaltado

en cuerpos dulces,

y vuelve la noche,

más nocturna aún.

En la profundidad de sus piernas,

eran ninfas calzadas

con trenzas en la pelvis,

mostrando un juego trunco.

No pueden moverse, porque son de cielo,

estrellas lúcidas.

II

Hagan un coro en esas frentes,

que solo viven y piensan en hartarse,

ausentes, sin rumbo pleno de versos.

Reposaron en las camas de fuego,

mandaron sus linternas

a buscar una cumbre distinta;

pegados los pensamientos a las rocas,

convidados a una danza olvidada;

risas de alabastro

en sus frentes dormidas.

III

Una tripulación falsa

te recoge en el mar;

una sombra notable,

la ciudad perfectamente ebria.

Los balcones caen como labios,

huele a hueso tostado el café.

Subida a tu desnudo,

fuiste pluma de ángel,

besando el suelo.

Alguien grita, ¿orgasmo o tropiezo?:

un grito de muchacha en su primer amor…

algo quedó atrapado en esas fotos.

IV

Te imagino tomando café,

mirando el mar.

La isla es una casa,

un fuego,

un corazón.

Muchos creen que, si estás feliz,

ocultas algo,

manuales que nos guíen

a no saber amar,

por eso no creo

en la felicidad.

El que solo la hace,

solo la paga.

V

Plegarias que salvan

del delirio del mundo,

en una historia para ver las nubes,

que pasan entre el humo.

No existe un río que me acoja.

Ensartando despacio,

la madre termina de tejer.

Nada será mejor que ese día.

Fulgura una red en todo lo mío,

sin destruir el fuego,

hice un hogar de luces,

sin lógica, ni azul, silencios.

No sabemos nada, seguiremos así,

abrazando el destiempo, sus orquídeas.

Las revoluciones no existen hace mucho.

El tiempo las mató.

VI

Que lo sencillo baje de tus senos

a mi cuerpo;

la trayectoria

no ofrece el camino.

En aquello que callas,

la piel dormida escapa

a su estampido.

Los años son grietas.

Un bosque despierto,

diletante, bajo mi falda,

mientras huyo de ti.

Hialeah, 4 de mayo de 2025.

A través de las huellas de "El lago de los cisnes". (por Mayumi Sakamoto y Juan Bockamp)

Este texto será publicado en la próxima edición de la revista Caritate. Lo comparto en el blog, por cortesía de Baltasar Santiago Martín.

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El lago de los cisnes es un ballet que todo el mundo conoce y que sigue captando nuestra imaginación década tras década. La grandiosa música, con su coreográfica emblemática y la icónica imagen de la bailarina cisne, quedan eternamente marcados en el pensamiento del espectador. Su argumento trata sobre cosas tan potentes como el amor, la traición y el perdón. Sea visto como un cuento, una leyenda o un mito, este ballet es un hito de nuestra tradición dancística y sinónimo del ballet ruso.

La obra tuvo su debut en 1877, en el Teatro Bolshoi de Moscú [1.p. 342]. Su primera producción de J. Reisinger(1) no fue tan exitosa, pero en 1895 se escenificó una versión significativa y duradera con la coreografía de M. Petipa y L. Ivanov, en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo. Otras versiones basadas en la de 1895 en ese mismo teatro fueron de: A. Vagánova (1933), F. Lopukhov(2) (1945), K. Sergeev(3) (1950) y en el Teatro Bolshoi, de A. Gorsky(4) (1900), A. Messerer(5) (1937) y Y. Grigorovitch(6) (1969).

En el ámbito internacional –y con la influencia de los rusos que emigraron a diferentes continentes del mundo–, El lago de los cisnes fue producido por varias compañías: el Ballet de la Ópera de Riga, por A. Fedorova(7) (1926) [2, p. 51], el Vic-Wells Ballet de Londres, por N. Sergeev(8) (1934) [3, p.49] y para el Ballet de la Ópera de Viena, por R. Nureyev (1964).

Con la popularidad de este ballet surgieron también versiones en el continente americano, como por ejemplo, la del San Francisco Ballet, bajo W. Christensen(9) (1940) y la del Ballet Nacional de Cuba, por Mary Skeaping(10) (1954) [4, p.75].

Los coautores de esta investigación, Juan Bockamp y Mayumi Sakamoto, exponemos aquí nuestras investigaciones sobre documentos originales, encontrados en las siguentes bibliotecas estatales: la de la Academia Vagánova, la Teatral de San Petersburgo, la del Museo Teatral Bakhrushin de Moscú; la Biblioteca Houghton, de Harvard, en Estados Unidos, así como en colecciones privadas.

Así mismo, por medio de las experiencias artísticas obtenidas por nosotros durante años en el Teatro Maly(11) (Mayumi Sakamoto) y los trabajos de recuperaciones coreográficas de Marius Petipa (Juan Bockamp), surge la motivación de restaurar fragmentos de la obra.

Juan Bockamp ha podido estudiar los documentos de la obra anotados por N. Sergeev, último Ballettmeister(12) Imperial del Teatro Mariinsky, escritos en notación del sistema V. Stepanov. Documentados a partir del año 1905, plasman las descripciones coreográficas, pantomímicas y de escenificación de la mise en scène del ballet. Aunque no son documentos completos, ya que faltan escenas o secciones coreográficas, ellos dejan aún ver una gran cantidad de cómo se representaba este ballet a principios del siglo XX en el Teatro Mariinsky.

Además de los documentos de N. Sergeev, pudimos verificar que la raíz coreográfica de Marius Petipa sobrevivió gracias al trabajo de los fieles Maestros a la tradición del Ballet Imperial de San Petersburgo, en el Teatro Maly; sus contemporáneos: F. Lopukhov, K. Boyarsky, P. Gusev(13) [5, 128-132 p.].

La representación de El lago de los cisnes en el Teatro Maly, en el año 1958, fue hecha por F. Lopukhov y K. Boyarsky (alumno de aquel y segundo coreógrafo del Maly, de 1956 a 1967).

K. Boyarsky tuvo una audaz participación en el estreno de esta versión restaurada, basada en la coreografía original de L. Ivanov y M. Petipa. Este importante suceso abrió una nueva etapa en la historia de la compañía de ballet del Teatro Maly, de conjunto con su plena disposición para dominar el repertorio académico más complejo [5, p.128].

“Mi maestro A. Sidorov(14), Maître, repetidor y encardado de la compañía del ballet del Teatro Maly (1990 - 2011, después de graduarse en la aquel entonces Escuela Coreográfica de Leningrado Agrippina Vaganova, ingresó al Teatro Maly en el año 1962, justamente cuando terminaba la etapa de P. Gusev e iniciaba la etapa de I. Belsky(15), el cual asumió el rol de director artístico del Teatro Maly desde1962 al 1980 [6, p.305]. La versión de I. Belsky se basaba en la del Teatro Kírov de K. Sergeev. La intención de esta versión era hacerla más ligera en cuanto a los decorados y los trajes, para así facilitar su transportación para las nuevas giras internacionales, ya que los decorados de la versión renovada de 1958, hecha por F. Lopukhov [7, p.129], eran monumentales y los trajes voluminosos”. Mayumi Sakamoto

En su reposición de El lago de los cisnes en el año1980, N. Boyarchikov [8, p.48](16), nuevo director artístico del ballet del Teatro Maly, se propuso restaurar y preservar para el futuro, en la medida de lo posible, el texto coreográfico de L. Ivanov y M. Petipa, para volver a sus raíces, devolver a la vida el estilo de los grandes maestros y así crear un espectáculo lo más cercano a su fuente original.

El Teatro Maly llevó a cabo esta tarea en estrecha colaboración con la Catedra coreográfica del Conservatorio Estatal de Leningrado N. A. Rimsky-Korsakov.

Dirigidos por su jefe, P. Gusev, los maestros de este departamento: T. Bujanovskaya, A. Pestova y A. Sokolov, quienes, como bailarines antiguos [7, p.131], hicieron un gran trabajo en el establecimiento de textos coreográficos auténticos de M. Petipa e L. Ivanov.

En esa búsqueda, las escenas individuales que quedaron en la memoria de esos maestros más antiguos del ballet –sus episodios y mise en scène– fueron estudiadas meticulosamente, analizando toda la literatura disponible sobre El lago de los cisnes y los materiales de archivo; cada quien dentro de un colectivo entusiasta, para poner su granito de arena en la preservación de este valioso legado, dando un gran resultado: “En la actualidad, en la primera escena de El lago de los cisnes, de la coreografía de M. Petipa, se han recuperado el vals, el pas de trois, la polonesa y el fragmento con el Mentor del Príncipe”.

Además, A. Sidorov recalcó:

“M. Semyonova(17) viajó especialmente desde Moscú a Leningrado para cooperar con nuestro teatro [9]. Ella se sentía feliz de volver a su ciudad natal, donde estudió e inició su carrera artista.

“El apoyo de M. Semyonova, la maravillosa intérprete de Odette, que debutó en 1925, prestó una asistencia invaluable en la restauración de El lago de los cisnes” [7, p.131].

Marina Timofeevna Semyonova en La source. Teatro Kírov, 1925.

Colección privada de Ralph Sayers.

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Lo que fue encontrado y restaurado por F. Lopukhov y N. Boyarski fue la base que pasó intacta a la versión de 1980 de N. Boyarchikov [5, p.146]. En algunos casos, al reunir los fragmentos coreográficos de El lago de los cisnes, el teatro se encontró con el hecho de que el tiempo producía su propia selección dentro del ballet de P. Tchaikovsky, que algunos cambios que tenían lugar en él no solo no destruyeron el estilo de M. Petipa o L. Ivanov, sino que, por el contrario, entraron orgánicamente en él.

Como ejemplo, hablaremos sobre el vals de la primera escena del primer acto:

Se han podido localizar varios documentos que reflejan ideas previas y realizaciones escénicas de este vals, llamado por M. Petipa Valse Champêtre [1, p.261]. El mismo M. Petipa dibujó esbozos añadiendo comentarios descriptivos. Años más tarde, F. Lopukhov comentó estas explicaciones coreográficas: “Las paisanas bailaban con cestas de flores y los paisanos con taburetes. En determinados momentos del vals, se reorganizaron los taburetes y se formaron varios grupos” [10, p.213]. En las notaciones de N. Sergeev hay 8 páginas descritas del vals. El grupo se compone de 16 parejas del cuerpo de baile y 4 parejas de corifeos. Además, N. Sergeev diseña los taburetes como 16 cuadrados vistos de arriba, que forman agrupaciones geométricas.

“Este vals es un claro ejemplo coreográfico de M. Petipa. En él, vemos que los bailarines se mueven en formaciones geométricas y armoniosas. Construye la danza jerárquicamente, presentando primero a las parejas del cuerpo de baile y después a los corifeos en parejas de quadrille. Además, se utilizan también varios objetos escénicos conocidos en los valses típicos del coreógrafo. La danza, expresión por sí misma, fluye a través de un vocabulario académico simple, pero efectivo a la vista. Se compone de pasos como pas balancé, pas ballonné, pas de basque, pas emboîté, pas sissonne, etc”.

“Recuerdo bien estos pasos y cómo los aprendí rigurosamente en el Teatro Maly. Tras ensayarlo por mucho tiempo, salí a escena vestida de paisana y con mi cesta de flores en mano. Esta danza era interpretada por 8 parejas del cuerpo de baile, chicos y chicas, 16 bailarines en total, y 4 parejas de corifeos, en total, 8 bailarines. Además, 8 taburetes y cada chica del cuerpo de baile con cestas de flores”. Mayumi Sakamoto

En comparación con los escritos de F. Lopukhov y N. Sergeev, vemos que en el Teatro Maly se redujo el número del cuerpo de baile y de los taburetes a la mitad, comparado con el del Teatro Mariinsky - Imperial.

Por otra parte, según Sh. Baltacheev(18), antiguo solista del Teatro Maly (graduado de la Escuela Vaganova en 1961), el vals, versión de F. Lopuhkov, se bailaba en zapatos de carácter con tacón y no existían los taburetes. Ya desde el año 1962, con la versión de I. Belsky, el vals recobró sus zapatillas de ballet y puntas [11].

Al final del vals, en el centro se abría el Palo de Mayo –de donde salían cintas de diferentes colores– y las chicas del cuerpo de baile las tomaban y danzaban a su alrededor. Los bailarines colocaban los taburetes en el centro en donde las bailarinas corifeos se subían, formando un cuadro escénico muy característico de M. Petipa.

Teatro Maly. Segunda mitad del siglo XX. Archivo del Teatro Mikhailovsky.

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“Me encantaba bailar este vals, era muy dinámico, los movimientos fluían como el viento a través de la música de P. Tchaikovsky; los chicos (todos graduados de la Escuela Vagánova) nos dirigían con su maestría y seguridad profesional; te sentías flotando. Recuerdo a V. Bushmanov, mi primer partenaire, quien era ya un bailarín con experiencia y yo la única bailarina extranjera en la compañía. La maestra ensayadora, E. Petrovna (EPD), fue una gran maitre y excelente profesional para el trabajo con el cuerpo de baile, extremadamente rigurosa en el mantenimiento de las líneas y la perfecta ejecución de los movimientos. De ella heredé mis conocimientos como maestra ensayadora, de todos los valses del legado de M. Petipa, como los de El lago de los cisnes, La bella durmiente y La parada de la caballería, entre otros.

El propósito principal de este artículo, además de la restauración de este importante ballet, consiste en la recuperación de las danzas de la primera escena, tanto “La danza de las copas”, del cuerpo de baile de la realeza, como “El vals de los paisanos”.

Konstantin Sergeyev, Natalia Dudinskaya, pas de deux del Cisne negro. Kirov Ballet, 1953.

Colección privada de J. Juan Bockamp.

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Alicia Márkova, Robert Helpmann, Anton Dolin,

 2da acto de El lago de los cisnes.

 Vic- Wells Ballet, 1935. 

Colección privada de J. Juan Bockamp.

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Por medio de este trabajo de investigación queremos contribuir a preservar el legado de M. Petipa lo más cercano posible del original, ya que en la actualidad esta versión no forma parte del repertorio del Teatro Mikhailovsky. Y como resultado, este trabajo teórico y práctico podrá permanecer y trasmitirse de generación en generación. La posibilidad y la obligación de mantener este legado vivo es de suma importancia, ya que las jóvenes generaciones podrán disfrutar y comprender las ideas de los grandes maestros del siglo XIX, estelares en su ámbito artístico. El lago de los cisnes es un tesoro emblemático y como tal debe perdurar en el tiempo.

Vals de El lago de los cisnes. 

Teatro Mussorgsky - Mikhailovsky, 1997.

 Coleección privada del Teatro Mikhailovsky.

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Vals de El lago de los cisnes.

 Teatro Mussorgsky - Mikhailovsky, 2000.

Colección privada de Mayumi Sakamoto.

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Notación coreográfica de El lago de los cisnes [recurso electrónico] // MS Thr 186 .

Houghton Library, Harvard University.

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Nota del editor:

Este minucioso y hermoso trabajo se ha logrado gracias a las investigaciones teóricas y coreológicas de J. Bockamp, que ya antes ha escenificado coreografías de M. Petipa, y con las experiencias prácticas vividas por M. Sakamoto, artista integrante del Ballet Maly desde 1994 hasta la actualidad, con contacto directo con directores, maestros y bailarines de la época anterior. Baltasar Santiago Martín Garrote.

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Sobre los autores:

Mayumi Sakamoto

Bailarina, maestra de ballet, coreógrafa e investigadora en Historia del Arte; posee una Maestría en Artes Coreográficas y enseñanza de Ballet de la prestigiosa Academia Rusa Agrippina Vagánova, en la que sus maestros fueron Piotr Silkin, Vadim Sirótin, Natalya Yanánis, Margarita Alfímova e Irina Trofímova. En 2018 obtuvo el diploma en el estudio de posgrado “Teoría e historia del arte”, en dicha Academia de Ballet Agripina Vagánova.

Durante ya 25 años, ha sido bailarina del cuerpo de baile en el Teatro de Ópera y Ballet Mussorgsky- Mikhailovsky de San Petersburgo, Rusia, en donde ha bailado todo el repertorio de los grandes clásicos; también ha bailado como bailarina invitada en varias compañías de San Petersburgo, como: Konstantin Tachkin St. Petersburg Ballet Theatre y en el Teatro Russian Ballet, del director artístico Alexander Bruskin. Ha participado en giras de ballet en Japón, Escandinavia, los países del Benelux, Siria, Estonia, Lituania, Inglaterra, Alemania y España y trabajado como maestra de ballet y maestra de danza de carácter en seminarios internacionales en Dinamarca, Japón, San Petersburgo, República Dominicana y España.

En la Escuela Profesional de Danza Ana Laguna, Burgos, España, montó su versión de “El sueño de Don Quijote”, en 2022, y en octubre de 2024, impartió una clase master en la Semana de la Danza, en el Conservatorio Superior de Danza de Alicante (CSDA), así como un curso intensivo en Escuela Vagánova en Pontevedra.

Actualmente trabaja junto al famoso coreógrafo español y director artístico Nacho Duato en el Teatro Mikhailovsky de San Petersburgo, y en su tesis doctoral en la Academia Agrippina A. Vagánova, con el tema: “Formación y desarrollo del arte del ballet en Cuba”. También ha publicado en el Boletín de la Academia Agripina A. Vagánova cinco artículos sobre el Ballet en Cuba, un artículo en la revista Inclusiones: “System approach as a methodological basis in research on teaching ballet art” (ISSN 0719-4706 Vol. 7. Oct. / dic. 2020), y en la revista internacional MDPI “Black Dancers and White Ballet: case of Cuba”.

Juan Bockamp

Comenzó sus estudios de ballet en Inglaterra y se graduó en el Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya de Madrid. Bailó en Alemania, donde obtuvo el rango de solista en las compañías estatales de Cottbus, Wurzburgo y Plauen-Zwickau. Además de crear obras propias, ha sido coreógrafo asistente en el Teatro Mariinsky y en el Teatro Aalto de Essen. Siguió sus estudios en el Instituto Universitario de Danza Alicia Alonso de Madrid y en la Palucca Hochschule für Tanz de Dresde. Además, es experto en Notación Stepanov y trabaja en la recuperación del legado de la herencia de Petipa a través de varias fuentes históricas. Actualmente forma parte de la Asociación Internacional de Creación e Investigación Artística.

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Notas:

1 Julius Reisinger _ (Praga, 14.02.1828 – Berlín- 12.01.1892) coreógrafo checo.

2 Fyodor Vasilyevich Lopukhov_ (20.10.1886, San Petersburgo – 28.01.1973, Leningrado) - Bailarín y coreógrafo ruso- soviético, profesor, Artista del Pueblo de la RSFSR (1956), Artista de Honor de la RSFSR (1927). Director artístico del Mariisky (1951-1956). Fundador de la compañía de ballet Malegoten 1932.

3 Konstantin Mikhailovich Sergeev_ (20.02.1910, San Petersburgo – 1.04.1992, San Petersburgo) - Bailarín, coreógrafo y profesor de ballet soviético, solista del Teatro de Ópera y Ballet de Leningrado. Kírov. Artista del Pueblo de la URSS (1957) Del 1973 a 1991 - director artístico de la Escuela Coreográfica de Leningrado- Vaganova.

4 Alexander Alekseevich Gorsky_ (6.08.1871, San Petersburgo – 20.10.1924, Moscú) - bailarín, coreógrafo, Artista Honorable de los Teatros Imperiales (1915).

5 Asaf Mikhailovich Messerer _ (19.11. 1903, Vilna – 07.03. 1992, Moscú)- Bailarín, coreógrafo, publicista soviético y ruso de Moscú. Artista del Pueblo de la URSS. Representante de la dinastía artística Messerer.

6 Yuri Nikolaevich Grigorovich _ (02. 01 1927, San Petersburgo) _Coreógrafo, bailarín, profesor y publicista soviético -ruso. En 1947-1957, solista del Teatro de Ópera y Ballet de Leningrado Kírov. En 1961-1964, coreógrafo de este teatro. Teatro Bolshoi en 1964-1995, desde 2008 - coreógrafo estable. Artista del Pueblo de la URSS (1973)

7 Alexandra Aleksandrovna Fedorova _ (12.10.1884, San Petersburgo -20.08.1972, Nueva York) - Bailarina rusa- soviética, coreógrafa letona, profesora estadounidense.

8Nikolai Grigoryevich Sergeev _ (27.08.1876, San Petersburgo –1951, Niza) Bailarín, ballettmeister, coreógrafo y profesor. Desde 1903-1917 ballettmeister del teatro Mariinsky Imperial.

9 W. Christensen_ (1902, Brigman City – Salt Lake City, 2001) Bailarín, coreógrafo y ballettmeister americano. Fundador del San Francisco Ballet y de Ballet West.

10 Mary Skeaping_ (15.12.1902, Woodford-1984, Londres) Ballerina, profesora, coreógrafa y productora. Desde 1953-1962 directora del Real Ballet Sueco.

11 Teatro Académico Estatal de Ópera y ballet Maly de Leningrado _Teatro Académico Estatal de Ópera y Ballet Mussorgsky de San Petersburgo: Teatro Mikhailovsky.

12 Ballettmeister_ coreógrafo, autor de ballets, danzas, números coreográficos, escenas de danza en ópera y opereta. El ballettmeister tiene experiencia práctica como bailarín-intérprete y conoce profesionalmente todo tipo de danzas escénicas, folclóricas e históricas. Determina el maquillaje y el vestuario de los personajes, elige la escenografía y la iluminación.

13 Pyotr Andreyevich Gusev_ (09.12.1904, San Petersburgo -30.03.1987, Leningrado)- Bailarín soviético ruso, coreógrafo, profesor y teórico del ballet. Artista del Pueblo de la RSFSR (1984), profesor (1973).

En 1945-1950 director artístico del Teatro de Ópera y Ballet Kírov de Leningrado. Dé 1960-1962 director artístico del ballet del Teatro de Ópera y Ballet Maly de Leningrado.

14 Anatoly Makarovich Sidorov_ (22.12.1942 Con. Zubovo, región de Vólogda). Artista Honorable de la RSFSR (1973). Graduado en la Escuela coreográfica Vaganova de Leningrado en 1962. De 1962-85 solista teatro Académico de Ópera y ballet Maly. Desde 1985, director de la compañía de ballet del teatro. De 1970 a 1991 profesor de dúo en la Escuela Vaganova.

15 Igor Dmitrievich Belsky_ (28.03. 1925, Leningrado, RSFSR, URSS – 03. 06.1999, San Petersburgo) - Bailarín, coreógrafo, maestro. Artista Honorable de la RSFSR, Artista del Pueblo de la RSFSR.

16 Nikolai Nikolaevich Boyarchikov _ (27.09. 1935, Leningrado– 22.03.2020, San Petersburgo) - Bailarín y coreógrafo soviético-ruso, coreógrafo del Teatro de Ópera y Ballet de Perm. P. I. Tchaikovsky (1971-1977), coreógrafo jefe y director artístico del ballet del Teatro de Ópera y Ballet Maly de Leningrado – luego San Petersburgo -Mussorgsky (1977-2007). Artista del Pueblo de la RSFSR (1985).

17 Marina Timofeevna Semyonova_ (17. 05. 1908, San Petersburgo, Imperio Ruso – 09.06.2010, Moscú) -Bailarina Rusa soviética. Teatros: Mariinsky y Bolshoi Maître. Artista del Pueblo de la URSS. Premio del Presidente de la Federación de Rusia en el campo de la literatura y el arte.

18 Shamil Izatullovich Baltacheev _ (03.09. 1939). Graduado en la Escuela coreográfica Vaganova de Leningrado en 1961, solista del Teatro Académico Maly de Leningrado desde 1961 hasta la actualidad.

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Bibliografía:

Wiley R.J. Tchaikovsky’s Ballets Swan Lake, Sleeping Beauty, Nutcracker. Oxford: Ed. Clarendon Press, 1985. 342 p.

Stals G. Das lettische Ballett der Rigaer Oper. Riga: Ed. J. Kadilis Verlag, 1943. 173 p.

Andersen Z. The Royal Ballet 75 years. London: Ed. Faber & Faber, 2007, 384 p.

Cabrera M. Ballet Nacional de Cuba: medio siglo de gloria. La Habana: Ed. Cuba en el ballet, 1998. 279 p.

Санкт-Петербургский государственный академический театр оперы и балета имени М. П. Му́соргского. Балет: А.А. Соколов-Каминский, Е.Б. Амербекян, Е.И. Трерьякова, А.А. Чепуров, И.В. Вахтина, М.В. Кортунова. Изд. СПб.: ЛИК, 2001. С. 191.

Балет: энциклопедия / гл. ред. Ю. Н. Григорович. М.: «Советская энциклопедия», 1981. С. 578.

Нас уже нет, но мы ещё есть. Н. Н. Боярчиков, ушедший с площади: сборник материалов, посвящённых жизни и творчеству выдающегося хореографа / составители: Л. Б. Климова, Г. А. Ковтун, М. Ю. Ряполова; редакторы: Н. А. Мартынов, М. В. Михеева, О. И. Розанова; Санкт-Петербургская государственная консерватория имени Н. А. Римского-Корсакова. Кафедра режиссуры балета [и др.]. – М.: Издательская группа ЭмБиАй, 2024. – 320 с.: 278 ил.

Деген А. Ступников И. Ленинградский Балет 1917-1987: Словарь-справочник. – Л.: Советский композитор, 1988.- C. 264. 2,5 л. ил.

Деген А. Ступников И. Ленинградский Балет 1917-1987: Словарь-справочник. – Л.: Советский композитор, 1988.- C. 264. 2,5 л. ил.

“Entrevista a Anatoly Makarovich Sidorov” 06.01.2025 // Archivo personal de Mayumi Sakamoto.

"Лебединое озеро" (1895) // Мариус Петина: Материалы, воспоминания, статьи / Сост. А. Нехедзи. Л.: Искусство, 1971. С. 210-224.

“Entrevista a Shamil Baltacheev” 04.01.2025 // Archivo personal de Mayumi Sakamoto.

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Recursos electrónicos

Notación coreográfica de El lago de los cisnes [recurso electrónico] // hollisarchives.lib.harvard.edu. URL:

https://hollisarchives.lib.harvard.edu/repositories/24/archival_objects/604916 (fecha de acceso: 11.01.2025).

Historia del Ballet de San Francisco [recurso electrónico] // Sfballet. URL: https://www.sfballet.org/discover/history (fecha de acceso: 09.01.2025).

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Un especial agradecimiento por el material recibido durante las entrevistas al Maestro Anatoly Makarovich Sidorov y Shamil Izatullovich Baltacheev.

Nota: Texto traducido del ruso por Mayumi Sakamoto.

Eva desterrada del “paraíso”. (por Baltasar Santiago Martín)

Sé que lo que voy a decir es algo bastante controversial, pero me arriesgaré:

Esta obra teatral es sobre la pérdida del paraíso por las mujeres que se ven obligadas a abandonarlo o perderlo, como la Eva del Viejo Testamento, pero por razones distintas.

Y se preguntarán: “¿qué será el paraíso para él?”; ¿irá a idealizar la Cuba de antes de 1959, el año en que todo se ‘revolucionó’?”.

Pues no. El paraíso para mí es la familia completa, cuando todavía no faltaba nadie en las fotos de los bautizos y los cumpleaños; una infancia y una juventud felices, en el barrio, la ciudad y el país en que nacimos, y esto rebasa el guetto cubano, porque es una tragedia universal –¡sí, una tragedia universal! –, que es lo que vi en la escena del Sandrell Rivers Theater la noche del viernes 14 de marzo de 2025, aunque aderezada con esos matices cubanos tan peculiares que nos hacen reírnos en medio de nuestras adversidades y desgracias.

No hay que ser mujer para que esta obra “te llegue al alma”, como lo hace esta Eva de mi Lilliam Vega Lauten y Adyel Quintero Díaz, con El Ingenio Teatro, porque creo que todos venimos de una madre, de una abuela, de unas tías, que tuvieron que dejarlo TODO atrás –ese “paraíso” del que hablo– o perderlo sin tener incluso que emigrar, porque también existe el insilio además del exilio, cuando sigues viviendo donde están tus orígenes, pero todo ha cambiado para mal y sufres la partida de los que sí se han ido.

La vejez –que para mí es otro tema subliminar de esta obra– es como la luz, de naturaleza dual: es una victoria y a la vez una derrota, según te mires en el Espejo y la decidas enfrentar, máxime cuando además de la pérdida de la lozanía y del vigor de la juventud, tienes que sufrir el desarraigo, en el caso de la emigradas o las “insiliadas”, por partida doble.

En el ballet La bayadera, debido a la ensoñación y el sopor del opio de su amado Solor, la bayadera Nikiya aparece reproducida 24 veces ante él, en la famosa escena llamada “El Reino de las Sombras” de dicho ballet.

Las 7 Evas: Simone Balmaseda, Flora Lauten 

e Ivanesa Cabrera (al frente); Lilliam Vega,

 Fanny Tachín, Dianet Conde

 y Kirenia Vega (detrás).Foto: Manuel Valladares.

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En esta Eva –que por momentos tuvo escenas casi de ballet o danza contemporánea–, bastaron solo siete, número mágico de la Ciencia de la Numerología –que en la Ciencia del Teatro Cubano me remite a la ya mítica Los siete contra Tebas, de Antón Arrufat, de 1968, pero estrenada en Cuba en 2007, dirigida por Alberto Sarraín–, pero sin que fuera necesario ningún alucinógeno para ver a Eva, solo el acerado e incisivo texto de Lilly y de Adyel, corporizado en las tablas por estas intensas mujeres actrices que se interpretaron a sí mismas en su vida real –salvando lo de putas, aclaro (¿?).

Todos nosotros, mujeres y hombres, llevamos a nuestros muertos en donde y adonde quiera que estemos o vayamos, y en mi caso, los buenos recuerdos me ayudan a vivir.

Durante la obra, pensé mucho en las abuelas –y en general, en todas esas mujeres ya mayores– que “en el ocaso de sus vidas” (eso me quedó algo cursi) se deben adaptar a otra cultura, a otro idioma, en que muchas veces sus nietos no hablan español, y la nostalgia y la añoranza por “el paraíso perdido” (vayan al inicio) las desarraiga del disfrute del presente y de los hijos y nietos “americanos”, a pesar de la abundancia, del confort y del aire acondicionado: extrañan a sus muertos, a sus vecinos del barrio, hasta ese café mezclado con chícharo que se menciona en la obra, pero sin panfleto ni teque (gracias, Lilly).

Ivanesa Cabrera, Dianet Conde 

y Fanny Tachín (al frente); Kirenia Vega 

y Simone Balmaseda (detrás). 

Foto: Manuel Valladares.

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Como he escrito ya en otras ocasiones, no basta la excelencia de un texto si quienes le ponen “alma, corazón y vida” –como reza el título del bolero (¿o vals?) del Trío Los Panchos, de la autoría del peruano Adrián Flores Albán– no dan la talla, y tanto Simone Balmaseda, Kirenia Vega, Dianet Conde como Fanny Tachín “se vistieron de largo”, en realidad y en sentido figurado, para ser Eva, con la crudeza, la intensidad y el desparpajo que los autores no dudaron en “endilgarle” a cada una para el, sin dudas, único y caleidoscópico, a la vez, personaje.

Fanny Tachín y Kirenia Vega (al frente);

 Simone Balmaseda, Dianet Conde

 e Ivanesa Cabrera (detrás). 

Foto: Alfredo de Armas.

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Kirenia Vega, Fanny Tachín y Dianet Conde.

Foto: Alfredo de Armas.

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Y ustedes se dirán: “a este se le pasó mencionar a Lilliam Vega como actriz, además de como coautora y directora de la obra”, pues fíjense que no, pero Lilly merece un punto y aparte en esta reseña, al igual que Flora e Ivanesa.

Lilliam Vega antecedió a su madre casi al final de la obra, con tanta verdad –a cara lavada–, que bastaron sus breves líneas para dar el pre in crescendo emocional de Eva, que sin dudas reservó para su madre, esa luminosa y aterrizada actriz (sí, ya sé que creé un oximorón) del Universo Buendía que se llama Flora Lauten, en aparición “muy especial”, tal y como parece en el programa de mano.

Creo que Flora resumió, tanto como actriz que como mujer, ese desarraigo doble del que hablo, de todas estas mujeres y actrices, que a la vez son una misma Eva única en representación de todas las posibles.

Flora Lauten.

Foto: Manuel Valladares.

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Flora Lauten.

Foto: Alfredo de Armas.

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¿Y de Ivanesa qué?, pues que ella, además de ser una actriz visceral –y a la vez coloquial (otro oximorón) –, es una cantante “de recia estirpe” (¡apreté, Tato!), pues es hija de mi bolerista preferida, la gran Gina León, cuyo inolvidable tema Aléjate forma parte indiscutible de la banda sonora de ese añorado “paraíso perdido” ya descrito al inicio, en que Gina era una de las reinas –o la Reina– del Cabaret del Hotel Capri, y lo seguirá siendo, mientras conservemos y defendamos toda esa ilustre memoria musical y cultural de nuestro pasado.

Ivanesa Cabrera. Foto: 

Alfredo de Armas.

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Ivanesa “acompañó” a su madre en esta puesta, cantando a dúo con ella el bolero ¿Qué te cuesta?, de la autoría de Ricardo García Perdomo, lo cual fue un momento muy emotivo de la obra, pues, como expresé en mi poema Mis tesoros: “cada cubano tiene en su alma libre una victrola con boleros antiguos para alimentar su corazón”.

No debo concluir esta reseña sin alabar la música original de Héctor Agüero –en vivo durante la representación–; y darle crédito a Rubén Romeu por la coreografía de los movimientos escénicos (“por momentos hubo escenas casi de ballet o danza contemporánea”, como ya expresé líneas arriba), así como felicitar a Loipa Alonso por la producción general, asistida por Narah Valdés, de esta Eva tan necesaria y catártica.

Baltasar Santiago Martín Garrote

Hialeah, domingo 15 de marzo de 2025.

Fotos: Manuel Valladares & Alfredo de Armas

(Cortesía de El Ingenio Teatro)

Prokofiev y Ravel, enaltecidos por Arts Ballet Theatre of Florida. (por Baltasar Santiago Martín)

Arts Ballet Theatre of Florida (ABTF), dirigido por el talentoso coreógrafo y maitre Vladimir Issaev, presentó su espectáculo Dancing Prokofiev and Ravel, en el Aventura Arts & Cultural Center, los días 1 y 2 de marzo de 2025.

Antes de comenzar mi reseña propiamente dicha, necesito decir, en este difícil momento en que vive el mundo debido a la guerra de agresión de Vladimir Putin a Ucrania –ya entrando en su cuarto año–, que mi compositor absoluto preferido (ballet, ópera y conciertos) es el ruso Piotr Ilich Chaikovski (Vótkinsk, 25 de abril (jul) / 7 de mayo de 1840 (greg) - San Petersburgo, 25 de octubre (jul) / 6 de noviembre de 1893(greg), seguido de Serguéi Vasílievich Rachmáninov (Semiónovo, cerca de Stáraya Rusa, Imperio ruso; 20 de marzojul./ 1 de abril de 1873greg ​-Beverly Hills, 28 de marzo de 1943) y Dmitri Dmítrievich Shostakóvich (San Petersburgo, 25 de septiembre de 1906-Moscú, 9 de agosto de 1975), también rusos, aunque ambos solo como compositores de música de concierto, ya que en ópera mis ídolos son los italianos Giuseppe Verdi y Giacomo Puccini.

Considero pertinente esta disgresión porque admiro muchísimo la cultura rusa y me consta de primera mano –porque trabajé en la bellísima San Petersburgo tres meses en 1990, regresé luego en 2016 ya como turista, en que conocí también Moscú, que me encantó– que el pueblo de esa gran nación es un pueblo noble, sensible y culto, al que desgraciadamente le han dañado personajes tan terribles como Lenin, Stalin y ahora Putin, al igual que al pueblo cubano, Fidel, Raúl Castro y ahora Miguel Díaz Canel.

Confieso también que la obra del ucraniano Serguéi Prokófiev (Serguéi Serguéievich Prokófiev; Sontsovka, actual Ucrania, 1891 - Moscú, 1953) no me era tan familiar como la de los tres compositores rusos anteriormente mencionados, pues solo conocía su música para el ballet Romeo y Julieta –que me encanta y me parece genial–, así que fue un muy agradable “descubrimiento” su sorprendente y hermosa Sinfonía Clásica, escogida por mi admirado y querido Maestro ruso Vladimir Issaev para coreografiarla para su esforzada troupé de bailarines que, procedentes de “medio mundo”, han sido entrenados magistralmente por él en la técnica de la reconocida Escuela Vagánova (Agrippina Vagánova: San Petersburgo, 14 de junio de 1879(jul) – Leningrado, 5 de noviembere de 1951).

Fue precisamente la función del sábado 1ro de marzo a la que tuve el gusto de asistir, la cual comenzó justamente con la ya alabada Sinfonía Clásica de Prokófiev, de 1917.

Serguéi Prokófiev

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Comenzaré hablando de dicha “banda sonora”, de acentuado lirismo y bellas melodías –que me recordó al tan barroco Vivaldi–, en agudo contraste con la tendencia a lo grotesco, antirromántica y futurista, de sus primeras obras, disonantes y deliberadamente escandalosas, que provocaron el estupor del público, como la brutal Suite escita, de 1915 –solo dos años antes de Sinfonía

En Sinfonía Clásica, Prokófiev ratificó su enorme talento y poderío como compositor, con una asombrosa capacidad de reinvención e inagotable fantasía, que el propio Shostakóvich admiró y reconoció; por eso es que digo que me sorprendió, al “descubrirla” gracias a Issaev, acostumbrado yo a su Romeo y Julieta, completamente neoclásica y totalmente diferente.

Sinfonía Clásica, por ABTF

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Vladimir trajo a escena a 21 de sus bailarines, para lograr, con total virtuosismo y sincronización ejemplar –fruto del riguroso entrenamiento y disciplina de sus clases–, que su fluida y dinámica coreografía nos hiciera, tal y como decía el insigne coreógrafo George Balanchine: “Ver la música, escuchar la danza”, así como cumplir esa otra premisa suya de que “la danza es música hecha visible”.

Sinfonía Clásica, por ABTF

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No puedo dejar de mencionar el vestuario de los bailarines, sobre todo el andrógino de los hombres, de una sola pieza, con pantaloncitos muy cortos (shorts), sobre todo por detrás, que atribuyo a la intención del coreógrafo de darle sensualidad y un aire más juvenil a una sinfonía que data de 1917, ¡y vaya que sí lo logró!

Sinfonía Clásica, por ABTF

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A continuación, Saaya Okada y Ataru Matsuya asumieron los roles legendarios de Romeo y Julieta, para bailar el pas de deux del ballet homónimo, con coreografía del propio Maestro Vladimir Issaev sobre la de Leonid Mijailóvich Lavrrovsky, y con la ya mencionada música de Prokófiev como banda sonora.

Ataru Matsuya y Saaya Okada 

en el pas de deux de Romeo y Julieta.

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Saaya Okada en el pas de deux

de Romeo y Julieta.

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He dicho “bailar” y no “interpretar”, porque a ambos le faltó la pasión que se espera de sus dos famosos personajes shakesperianos, que se inician en este pas de deux en la dulce y loca aventura del amor, a pesar de la oposición de Montescos y Capuletos, sus respectivas familias enemigas entre sí.

Después tocó el turno a Bole-Ro, coreografiado por Miao Song, con música de Maurice Ravel (Ciboure, Labort, 7 de marzo de 1875 - París, 28 de diciembre de 1937) y un precioso “agrego” al final, con música del inspirado compositor venezolano Aldemaro Romero (Valencia, Estado Carabobo, 12 de marzo de 1928 - Caracas, Venezuela, 15 de septiembre de 2007).

Maurice Ravel

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Aldemaro Romero

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Bole-Ro, por ABTF

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Todos los bailarines participantes sobresalieron en sus interpretaciones, con gran acople y musicalidad, amén de virtuosismo técnico, y como cierre, un fino trabajo grupal para la bella partitura del Maestro Aldemaro.

Bole-Ro, por ABTF,

 al final con la música 

del Maestro Aldemaro Romero.

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Y después de un adecuado intermedio, para ya finalizar la sobresaliente función, la compañía nos trasladó nada menos que a los Montes Urales, frontera natural entre la Rusia europea y la asiática, para ofrecer exergos del primer y tercer acto del ballet La flor de piedra, con coreografía de Issaev y música de Prokófiev, esta vez en una faceta completamente distinta a Sinfonía Clásica y a Romeo y Julieta, pues en La flor de piedra el compositor conjugó de manera genial el folclore tradicional ruso con las tendencias musicales en boga en la postguerra, entre 1948 y 1953, período de gestación de su partitura.

Al igual que Romeo y Julieta, este es un ballet con argumento cuya síntesis se ofrece a continuación:

Danil, un joven tallador de piedra de los Urales, comprometido con Katerina, sueña con tallar toda la belleza de una flor en malaquita, pero no se satisface con sus intentos.

Ve en un sueño a la Reina de la Montaña de Cobre, guardiana de un tesoro subterráneo; la única que conoce el secreto de la flor de piedra que le muestra deslumbrantemente en sus manos, por lo que Danila destruye la que había comenzado a tallar y se desmaya.

Cuando vuelve en sí, la Reina de la Montaña de Cobre aparece y desaparece ante él, como un fantasma y a veces tomando la

forma de un lagarto dorado, y otras de una hermosa joven. Lleva a Danila a su reino con maravillosas gemas, quien le ruega que le muestre la flor de piedra, la cual aparece finalmente con toda su belleza.

Katerina está preocupada porque no sabe dónde está su Danila y decide ir en su busca.

En el reino de la Reina de la Montaña de Cobre, Danila está tallando la flor extraordinaria con la que había soñado durante tsnto tiempo.

Muestra su trabajo con emoción a la Reina, quien le ruega que no la deje, pero el corazón de Danila es de Katerina. La Reina le lanza un hechizo y lo convierte en piedra.

Siguiendo a la Hija del Fuego, Katerina llega a la casa de la Reina. Su corazón le muestra dónde está Danila, quien está muy cerca, pero sordo a sus llamadas y desaparece de repente. La joven se queda sola.

La Reina, conmovida por el amor devoto de Katerina, decide liberar a Danila de su encantamiento. Le pide por última vez que se quede con ella, pero él decide regresar con Katerina a su amada aldea y trabajaren su oficio de tallador.

En una hermosa mañana de primavera, Danila y Katerina regresan a su aldea, donde son recibidos con júbilo por sus amigos y familiares.

La flor de piedra, por ABTF. 

Al centro, Saaya Okada como Katerina.

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La flor de piedra, por ABTF. Al centro, Yayai Sasaki 

como la Reina de la Montaña de Cobre/La Serpiente

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La flor de piedra, por ABTF. Delante, Saaya Okada como Katerina

 y Yoichi Habaguchi como Danil Sasaki; 

al centro, al fondo, Yayai Sasaki como

 la Reina de la Montaña de Cobre/La Serpiente.

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Centralizada por Saaya Okada como Katerina, Yayai Sasaki como la Serpiente / la Reina de la Montaña de Cobre y Yoichi Habaguchi como Danila; y apoyados los tres por un cuerpo de baile de nuevo fenomenal, con un vestuario bellísimo, tanto para los aldeanos como para los protagonistas y los personajes fantásticos, no tengo dudas de que esta representación resumida de La flor de piedra –con adecuados telones pintados como escenografía– está apta para ser montada y ofrecida en cualquiera de los mejores teatros del mundo, empezando por nuestro Adrienne Arsht Performing Arts Center.

Muchas felicidades, Maestro Vladimir Issaev, por esta formidable función, y que continúen los éxitos de su relevante compañía Arts Ballet Theatre of Florida.

Baltasar Santiago Martín

Fundación APOGEO para el arte público.

Asociación de Cronistas de Espectáculos de Miami (ACEM).

Hialeah, 7 de marzo de 2025.

Fotos: Patricia Laine (cortesía de Arts Ballet Theatre of Florida)