Mother's Day

Postales Día de las Madres (Cuba 2009)
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I wanted it to be a day of sentiment, not profit

Anna Jarvis

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England was one of the first countries to set aside a day to recognize mothers. In the eighteenth century when many people worked as household servants for the rich, "Mothering Sunday" was reserved for them to return home to be with their mothers. Though this custom stopped when the Industrial Revolution altered the working and living patterns of the people, one Sunday for Mothers was established as a holiday in the twentieth century.

In the United States, Mother's Day did not become an official holiday until 1915. Its establishment was due largely to the perseverance and love of one daughter, Anna Jarvis. Anna's mother had provided strength and support as the family made their home in West Virginia and Philadelphia, Pennsylvania where her father served as a minister. As a girl, Anna had helped her mother take care of her garden, mostly filled with white carnations, her mother's favorite flower. When Mrs. Jarvis died on May 5, 1905, Anna was determined to honor her. She asked the minister at her church in West Virginia to give a sermon in her mother's memory. On the same Sunday in Philadelphia, their minister honored Mrs. Jarvis and all mothers with a special Mother's Day service. Anna Jarvis began writing to congressmen, asking them to set aside a day to honor mothers. In 1910, the governor of West Virginia proclaimed the second Sunday in May as Mother's Day and a year later every state celebrated it. (full text)

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¿En que pueblo de Cuba se celebró por primera vez el Día de las Madres? (la respuesta aqui)

Gala de Primavera 2025 de Arts Ballet Theatre of Florida. (por Baltasar Santiago Martín)

Arts Ballet Theatre of Florida (ABTF), dirigido por el talentoso coreógrafo y maitre Vladimir Issaev, presentó su Gala de Primavera de 2025, el sábado 26 de abril de 2025, en el Aventura Arts & Cultural Center –que fue la función a la que asistí– y el domingo 27 de abril, en el Teatro Amaturo del Broward Center for the Performing Arts.

El programa comenzó con La Vivandiére (Markitanka en ruso), música de Cesare Pugni y coreografía de Arthur Saint-León & Fanny Cerrito, con Saaya Okada y Remina Tanaka como Kathi y Hans –la pareja central– y Rena Iwasaki, Mayuko Nono, Kirsty Walker y Urara Tsukamoto como cuerpo de baile.

Creado durante el esplendor del período romántico, este ballet de Saint-León —el autor de Coppélia— se estrenó en Londres, en 1844, centralizado por Fanny Cerrito y el propio Saint-León.

La obra se desarrolla en una pequeña aldea húngara donde se celebra el regreso del regimiento del Barón Grindberg, en la que Kathi es cantinera. El posadero Bibermann tiene un hijo llamado Hans, de profesión cartero, que está enamorado de la joven. Por ello le pide a su padre autorización para casarse. Sin embargo, dos señores de mejor posición, el burgomaestre de la ciudad y el propio Barón, también quieren a Kathi, aunque ambos están casados, por lo que convencen a Bibermann de que Kathi es un mal partido para su hijo por ser pobre.

Al enterarse ambas esposas, deciden que ambos deben hacer un voto de fidelidad y, tras complacerlas, los dos reciben un medallón y un anillo respectivamente. Entre tanto, Kathi acuerda con Bibermann que si consigue una dote podrá casarse con Hans.

A pesar de las promesas a sus esposas, ambos siguen cortejando a Kathi, quien, durante un galanteo, les saca el anillo y el medallón, exigiéndoles la dote que necesita a cambio de su devolución. Finalmente, el plan del burgomaestre y del Barón se vuelve en su contra, y Kathi se puede casar con Hans.

Como “una imagen vale más que mil palabras”, quiero que sean las siguientes fotos de esa noche las que “hablen” de la prestancia y el excelente desempeño, tanto de la pareja protagonista como de las cuatro “aldeanas” que la secundaron, fruto sin dudas de la cuidada y admirable preparación de todos ellos por parte del Maestro Vladimir.

Saaya Okada y Remina Tanaka como Kathi y Hans

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Saaya Okada (al frente, a la izquierda), 

Rena Iwasaki, Mayuko Nono, 

Kirsty Walker y Urara Tsukamoto,

 con Remina Tanaka (al fondo, a la derecha).

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Remina Tanaka (al centro) con Rena Iwasaki,

 Mayuko Nono, Kirsty Walker 

y Urara Tsukamoto.

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Después de La Vivandiére, salieron a escena Indira Mayrani y Yoichi Habaguchi para interpretar el pas de deux La traviata, con coreografía del Maestro Vladimir Issaev, para el que Issaev utilizó como música el bellísimo y premonitorio preludio de la ópera homónima de Giuseppe Verdi, como una muy libre y actual “recreación” suya de la pasión por Alfredo Germont que hizo que Violeta Valery dejara su desenfrenada vida como cortesana en ese “populoso desierto llamado París”, lo que aplica hoy igual para los nuevos Violeta y Alfredo, tanto de Nueva York, Miami como “del universo entero”.

Indira Mayrani y Yoichi Habaguchi 

en el intenso y “actual” pas de deux La traviata

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Tras esa “actualización” del drama operístico parisino –que puede ocurrir ahora desde Alaska hasta la Patagonia, sin olvidar las disputadas Groenlandia, Canadá, Panamá, Gaza y Ucrania–, Issaev nos trajo de vuelta “al pasado”, no al “Addio, del…” de Violeta, sino con La favorita, en versión para ballet también suya, de la ópera homónima de Gaetano Donizetti, que tituló Variaciones de Donizetti.

La favorita (título original en francés, La favorite) es una grand opéra en cuatro actos, compuesta para el público parisino al estilo de la Grand Opéra francesa (larga duración, ballet, etc.) por Gaetano Donizetti y libreto en francés de Alphonse Royer, Gustave Vaëz y Eugène Scribe, basado en la obra de teatro Le Comte de Comminges (1764), de François-Thomas-Marie de Baculard d'Arnaud. Fue estrenada el 2 de diciembre de 1840 en la Opéra de París.

La historia transcurre en España, en el año 1340, cuando Castilla y Portugal se unieron para luchar contra los musulmanes en la batalla del Salado. Uno de los personajes es Alfonso XI de Castilla, en un triángulo amoroso con su amante Leonor de Guzmán ("la favorita") y el amante de ella, Fernando. La historia se desarrolla con las invasiones moras a España y las luchas de poder entre la iglesia y el estado como “telón de fondo”.

Como verán mis lectores, “no hay nada nuevo bajo el sol”, tanto por el citado triangulo amoroso como por las luchas por el poder. Y ahí paramos, para no tener que hablar de política doméstica.

También creo que Vladimir logró aligerar tanta carga pesada del argumento original en su versión para ballet, la cual comentaré a continuación.

Para ello, Vladimir contó con la colaboración de The Opera Atelier para abrir el espectáculo, a cargo de la mezzosoprano Greisel Domínguez, quien interpretó el recitativo, el aria y la cabaletta de “Fia dunque vero - O mio Fernando”, acompañada al piano por el maestro Daniel Daroca.

La mezzosoprano Greisel Domínguez,

 acompañada al piano por el maestro

 Daniel Daroca.

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Y después de este breve “abreboca” operístico, ya entonces sí la danza se apropió del escenario, con los talentosos, musicales y bien entrenados bailarines Matthew Bryce, Yoichi Habaguchi, Rena Iwasaki, Mayu Kanazawa, Kuan Lun Li, Sara Marlin, Suzuka Matsumoto, Yuzuka Matsumoto, Ataru Matsuya, Indira Mayrani, Kazusa Murayoshi, José Luis Pechené, Matteo Rollini, Louise Rigby, Seiga Sato, Gai Suehiro, Zoàrd Szabò, Kanon Tanaka, Remina Tanaka, Urara Tsukamoto, Kirsty Walker y Clarence Wong, quienes se apoderaron de la hermosa música de Donizetti para que la pudiéramos “ver” en escena.

La juvenil y chispeante troupé de ABTF

 “mostrándonos” las notas de las 

Variaciones de Donizetti.

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Antes de continuar con el ballet que cerró la extraordinaria función que pude disfrutar esa noche, necesito hacerles una confidencia muy personal: ¡me encantan los ballets con argumento, y si este está bien contado, con la pantomima precisa y adecuada, ahí sí ya me dan “por la vena del gusto”!

Y eso fue exactamente lo que pasó con Arlequinada –de la Comedia del Arte–, música de Riccardo Drigo, coreografía de Vladimir Issaev –y de Marius Petipa el pas de deux–; diseño de vestuario de Jorge Gallardo y máscaras por Karneval, así como diseño escenográfico de Bobby Brinson y de luces por Vladimir Issaev & Bobby Brinson.

Este ballet cuenta la historia de esta pareja: Colombina, la hija de Cassandro, está enamorada de Arlequín, quien la corresponde; pero su padre quiere que se case con un viejo rico llamado Alessandro. Por lo mismo, tanto Cassandro como su sirviente Pierrot deciden mantener a los enamorados separados..

Por suerte para la pareja de enamorados, Pierrette, la esposa de Pierrot, simpatiza con ellos y los ayuda a arruinar el plan de su esposo y de su jefe Cassandro, quien ha encerrado a Colombina con llave, que logra sustraer y la libera.

La felicidad de la reunida pareja dura poco, pues Pierrot golpea a Arlequín y lo deja como muerto en el suelo, pero cuando todas las esperanzas parecían ya perdidas, aparece el Hada Buena con su Caballero, acompañada de una legión de arlequines, y lo revive con su magia.

Al final, el amor triunfa cuando el Hada Buena aleja a Cassandro y a Alessandro del lugar donde Cassandro pretende casar a Colombina con este ante un notario, quien en vez de ello, casa a Colombina con Arlequín, para júbilo y celebración de todo el pueblo.

Elenco

Arlequín: Ataru Matsuya

Columbina: Kanon Tanaka

Pierrot: Yoichi Habaguchi

Pierrette: Suzuka Matsumoto

El Hada Buena: Saaya Okada

Su Caballero: José Luis Pechené

Alessandro: Seiga Sato

Cassandro: Clarence Wong

Pas de six

Putri Gobel, Mayu Kanazawa, Sara Marlin,

Indira Mayrani, Urara Tsukamoto y Kirsty Walker

El pueblo

Toda la compañía y los orgullosos estudiantes de la Vladimir Issaev School of Classical Ballet.

Si bien observé un trabajo muy parejo en todos los bailarines, me impresionó sobremanera el de José Luis Pechené como el Caballero acompañante del Hada Buena, que me recordó a Carlos Acosta, por lo que le auguro una carrera sobresaliente para la que no debe descuidarse, pues está en las mejores manos en ABTF.

Saaya Okada como el Hada Buena 

y José Luis Pechené como su Caballero, 

con su escolta de arlequincitos detrás.

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Sobresaliente también fue el pas de six de Putri Gobel, Mayu Kanazawa, Sara Marlin, Indira Mayrani, Urara Tsukamoto y Kirsty Walker, y no puedo dejar de celebrar la actuación de todos los pequeños arlequines que irrumpieron en la escena para apoyar al Hada Buena, evidencia de que “la Escuela Issaiana” funciona –y funciona muy bien– a todos los niveles.

Kanon Tanaka como Columbina

 y Ataru Matsuya como Arlequín.

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Esta deslumbrante puesta de Arlequinada –“vestida para epatar” con un gusto exquisito por Jorge Gallardo y respaldada por los hermosos decorados de Bobby Brinson– es un excelente ejemplo de que saber contar bien el argumento es importantísimo, sobre todo cuando se pretende –como deber insoslayable– atraer a niños y adolescentes al mundo de la danza clásica, tanto como espectadores que como bailarines, lo cual es un gran triunfo e indiscutible logro, amén del elaborado trabajo coreográfico de Issaev para las más que probadas habilidades técnicas de sus bailarines, así como su entrenamiento, además, para la pantomima, básica en un ballet con argumento como este, con un exultante final con toda la troupé en el escenario como colofón de una función de altísimo nivel, digna de ser representada en cualquiera de los mejores coliseos del “universo entero”.

La troupé de ABTF en hermosas poses,

 ya para los saludos finales de Arlequinada.

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Toda la troupé de ABTF en los 

saludos finales de Arlequinada.

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Muchas felicidades, Maestro Vladimir Issaev, por esta exquisita fiesta del buen gusto, el profesionalismo y el rigor, así como por su visión de presentar ballets poco conocidos a nuestro público del sur de la Florida.

Baltasar Santiago Martín

Hialeah, 10 de mayo de 2025.

Día de las Madres.

Fotos: Patricia Laine (cortesía de Arts Ballet Theatre of Florida)

El (hoy) Papa visitó Chambas, Ciego de Avila, en el año 2008

El (hoy) Papa visitó Chambas, Ciego de Avila, en el año 2008. En ese entonces era el Prior General de la Orden San Agustín.

En casa de Dalia y Celita cenando, en una visita a nuestra Parroquia y pueblo. ((Información y fotos tomadas del Facebook de Frank Fonts)

Una "Yerma" marchita sobre el escenario. (por Wilfredo A. Ramos)

“...y cuando paso por lo oscuro del cobertizo mis pasos me suenan a pasos de hombre.” (Yerma, acto II, cuadro II).

El pasado mes de abril, la compañía teatral Havanafama, bajo la dirección de Juan Roca, subió a las tablas de Artefactus Teatro la obra “Marchita”, una versión, bajo la firma de Erom Jimmy, de la conocida obra de Federico García Lorca, “Yerma”. Con esta propuesta suman cuatro los títulos del autor granadino -”El Público”, “La casa de Bernarda Alba” y “Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín”- que dicha agrupación incorpora a su repertorio.

Federico García Lorca (1898-1936), es sin duda alguna una de las figuras más destacadas de la literatura española del siglo XX, integrando un grupo muy variado e importante de escritores dentro de la llamada Generación del 27. Su obra incluye prosa, poesía y teatro, siendo esta última por la que ha sido más conocido y aclamado mundialmente. Desde su primera obra teatral “El maleficio de la mariposa”, escrita en 1920, hasta su última e inacabada pieza “Comedia sin título”, de 1936, su dramaturgia cargada de simbología, transcurre a través de un marcado ambiente poético, el cual no obstante se mueve entre sugerentes espacios míticos y un posible realismo trascendental, donde el autor indaga sobre puntuales problemas existenciales que con su atenta mirada extrae de su propio entorno.

Dentro de la obra dramática lorquiana, los estudiosos han centrado su mirada en tres de ellas – Bodas de sangre, La casa de Bernarda Alba y Yerma- para agruparlas en lo que han llamado ‘trilogía de la tierra’, ya que las mismas comparten el ambiente rural andaluz, sumergiéndose en temas tales como la represión, la pasión, la frustración y la muerte, teniendo a la mujer como protagonista indiscutible.

“Yerma”, denominada como ‘poema dramático’ por su autor, obra que nos convoca, fue estrenada el 29 de diciembre de 1934, en el escenario del Teatro Español de Madrid, corriendo a cargo de la agrupación teatral La Barraca creada por el propio Federio G. Lorca y teniendo como protagonista a Margarita Xirgu, la más célebre actriz de la época -con la cual ya había trabajado en “Mariana Pineda” y quien sería la encargada de dirigir y actuar en el estreno mundial, en la ciudad de Buenos Aires, de “La casa de Bernarda Alba”- acompañada de Enrique Diosdado, Ricardo Merino, Pilar Muñoz, Carmen Collado, Pedro López Lagar y Eloísa Vigo, estando todos bajo la dirección de Cipriano Rivas Cherif.

Precisamente sobre la última de estas tres obras, es que Erom Jimmy se inspira, para en el año 2007 llevar a cabo una versión de la misma que bajo el nombre de “Me dicen Yerma” -título bien pensado para dicho trabajo- realizara con estudiantes del aula de teatro del Departamento de Filosofía y Letras de la Universidad de Granada, de donde era profesor en esos momentos, trabajo que le llevara todo un año para profundizar en el conocimiento de la obra de Lorca,

Interesado siempre en introducir en las obras de los autores a llevar a escena, nuevos conceptos, ideas y discursos con los que aumentar la trascendencia de dichos textos dramáticos, este director se sumerge en la tragedia de la mujer ante su supuesta imposibilidad de engendrar hijos buscando otras posibles explicaciones, mediante las cuales llegar a nuevos conflictos, los que por su significado otorgarán a la obra un violento giro dramático. Es por ello que en esta inmersión dramatúrgica dentro del original texto lorquiano, Erom acuda a la introducción de un conflicto que revolucionará la esencia original del texto, plantando la teoría de una posible falta de interés carnal por parte de la pareja motor de la historia, debido a una supuesta homosexualidad de ambos.

Así, en esta versión se plantea cierta atracción homoerótica entre la pareja formada por Juan-Víctor, esposo de Yerma el primero, amigo y posible verdadero amor de la mujer el segundo, por un lado, mientras que por el otro se nos ofrece un posible descubrimiento de su condición lésbica por parte de Yerma ante los requerimiento de su amiga María. Como podremos observar, con este nuevo conflicto se dinamitará el original sentido de la tragedia concebida por García Lorca, llevando la obra hacia nuevos derroteros, que al mismo tiempo crean una obvia contradicción, desde nuestro modo de ver, que al parecer no fuera advertida al llevar a cabo la revisión del argumento, consistente ella en lo poco lógico que resulta el que una mujer que no siente atracción por los hombres sufra ante la no concepción de hijos, en una relación que se encuentra marcada por las apariencias sociales y que carece de contacto y deseo físico por parte de ambos miembros de la supuesta pareja.

Contradicciones como la señalada es posible encontrarlas cuando nos permitimos trabajar sobre la obra establecida de un dramaturgo, cambiando, introduciendo o superponiendo tramas, acciones y conflictos que no aparecen en la idea del texto original, lo que nos puede llevar a caer en errores conceptuales en el discurso recién incluido. Los peligros en realizar estas ‘versiones’, puede hacer naufragar más o menos el propósito de su realización, quedando siempre pendiente en el aire la pregunta con respecto a la validez artística de las mismas.

No obstante, la aceptación o no de este tipo de trabajo dramático que podamos hacer, debemos reconocer que su hacedor contó con la valentía de llevarlo a cabo, teniendo en cuenta que con el mismo, estaría enfrentándose a la opinión de un público para el cual Federico G. Lorca no es sólo su más importante figura literaria y dramática, sino que también es considerado una de sus más desgarradoras víctimas de la Guerra Civil Española, por lo que dicha audacia estuvo signada por el coraje creador de este teatrista. No obstante su trabajo escénico -el cual como dijimos al principio fuera realizado con actores no profesionales sino estudiantes universitarios- recibió una calurosa acogida tanto por parte del público, catedráticos, críticos y especialistas.

Para este trabajo revisado de “Yerma”, Erom Jimmy acude además a otros textos del autor granadino tales como el “Romancero Gitano” y “Bodas de Sangre” -su más poético texto dramático- sino también “Así que pasen cinco años”, una de sus menos conocidas obras teatrales que muy raramente es llevada a escena, extrayendo de todos ellos elementos que enriquecieran no sólo el discurso narrativo de la audaz nueva propuesta escénica, sino reforzando el ambiente granadino tan importante en la obra de Lorca, mediante las diversas y hermosas imágenes poéticas que abundan dentro de la obra de dicho autor.

Con respecto al interés por parte de Juan Roca en subir a escena esta versión teatral de “Yerma”, el mismo surge a partir de la lectura dramatizada llevada a cabo por un grupo de actores, dirigida por el propio Erom Jimmy, que fuera realizada hace algún tiempo atrás durante una de las ediciones del Festival Latinoamericano del Monólogo, evento teatral del que el propio Roca es director.

Este a su vez efectúa nuevos ajustes en el texto, por lo que podríamos decir que estamos en presencia de ‘una versión de otra versión’ de la original obra lorquiana. Ello se aprecia por ejemplo -el más notable de los cambios introducidos- en el momento de la muerte de Juan, donde Erom pone ésta en manos de Víctor, debido al despecho provocado ante la negativa de aquel otro a escapar juntos para así poder vivir su relación amorosa, mientras que Roca regresa su muerte a Yerma -como en el original- haciendo que la mujer estrangule con sus propias manos a su marido, en una absurda e inconsistente pelea cuerpo a cuerpo, borrando con ello la utilización que Erom hace de este trágico evento como evocación de la pelea a muerte en duelo de puñales, entre el Novio y Leonardo en la obra “Bodas de sangre”, logrando que interactúen ambos textos dramáticos.

De igual manera, otro aspecto que desconcierta en este montaje, es la ausencia casi total de alusión a la cultura española y a la simbología presente en la obra lorquiana y que la propia versión de donde parte marca con vitalidad en todo momento, aspecto que se ve reforzado por la utilización de una banda musical insípida, sin carácter, que no aporta en lo absoluto a la creación de una atmósfera adecuada. La incorporación de un incoherente número danzario a cargo de los actores -con que abre la obra- el cual no define su origen ni por la música utilizada ni por el movimiento de sus pasos, aunque la dirección del espectáculo se esfuerce en definirla como perteneciente al folclor afrocubano, crea un extrañamiento difícil de asimilar. Una incomprensible concepción del vestuario, en algunos casos inapropiado -sayas para los personajes masculinos- fuera de talla en el caso de la protagonista y con materiales ostensiblemente burdos, unido a un inexplicable concepto de maquillaje, donde los personajes parecen pertenecer a tribus aborígenes amazónicas o de selvas africanas, unido a ciertas caracterizaciones, como en el caso de Juan, quien evocaba más a un pirata de filmes de Disney que a un trabajador de los campos granadinos, hacen que el ambiente lorquiano brille por su ausencia del escenario. Si todo lo anterior además queda enmarcado dentro de un pobre y chapucero concepto escenográfico, carente de belleza y originalidad, desbordado de continuas e innecesarias y excesivas humaredas, el resultado visual de la puesta deja mucho que desear.

Con respecto al desempeño de los intérpretes, en general no muestra un concreto y serio trabajo de dirección con los mismos, la sobreactuación entre unos, la no actuación en otros, así como la diferencia de conceptos al pretender asumir un estilo de interpretación por parte de cada uno de los integrantes del elenco, deja al descubierto evidentes fallas en dicho rubro. Dando una mirada sobre el desempeño individual de cada uno de los actores, nos vemos precisados a señalar, en el caso de Diana Restrepo y Adelaida Rivero -en sus variados personajes- que ambas dejaron en evidencia su absoluto desconocimiento de lo que significa actuar, sus presencias en el escenario son la muestra que a ese templo sagrado no todos están en capacidad de subir. El caso con Verónica Cancio De Grandy, en el rol de María, deja ver igualmente, que cuando no se posee la necesaria preparación teatral, es imposible salir a escena a improvisar sin tener en cuenta al menos la concepción y estilo que el director trazó en su puesta. Por otra parte, sus ocasionales pronunciaciones “castizas” nada tenían que ver con su propia forma de hablar a través de casi todos sus parlamentos.

En el caso de Rafael Farello, como Víctor y Rei Prado en Juan, ambos derrocharon imágenes fraudulentas con respecto a sus respectivos personajes. El primero además, frío, inexpresivo y declamado, mientras que el segundo alzando la voz -gritando- en todo momento, para con ese falaz mecanismo procurar una imagen de hombre fuerte, dejando fuera de la concepción del personaje otros rasgos que dieran credibilidad y humanismo al mismo. Por último, la Yerma en manos de Dairín Valdes, dejó a las claras fuertes grietas en la construcción de su trabajo. Excesos expresivos, engarrotamiento corporal constante, no saber qué hacer con las manos, mal manejo en los niveles de intensidad de las emociones y sentimientos, sumado a una desafortunada imagen física producto de un inapropiado vestuario, dejó su desempeño muy por debajo de lo que a esta actriz se le ha visto hacer en otras oportunidades.

Lo observado en esta propuesta versionada de “Yerma”, deja una amarga sensación de tristeza con respecto al teatro de Federico G. Lorca, en nuestra ciudad, el cual no ha podido lograr hasta el momento el brillo y respeto que el mismo merece. Lamentablemente la obra dramática de este autor, la cual ha sido tan traída y llevada por escenarios de todo el mundo, soportando variadas e insospechadas adaptaciones, versiones, intervenciones dramáticas, ha vuelto a no encontrar su ajuste en nuestras tablas, sin duda alguna Yerma se ha marchitado en nuestra ciudad.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, mayo 4, 2025.

Fotos: Alfredo de Armas/Arturo Arocha.

Noticias del primer cardenal cubano. (por Carlos A. Peón-Casas)

Mons. Arteaga, es consagrado arzobispo 

de La Habana, el 24 de febrero de 1942.

Bohemia.

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Manuel Arteaga y Betancourt primer cardenal cubano, nació en el Puerto Príncipe (actualmente Camagüey) de 1879, un 28 de diciembre.

Creado cardenal en el Consistorio de 1946 por el papa Pío XII, fue igualmente elector en el Cónclave del año 1958, que eligió como continuidad en la Sede Petrina, al ya santo Juan XXIII.

A nuestra vista tenemos una interesante nota(1), que nos reseña el linaje apostólico de Mons. Caruana, en esos momentos Nuncio Apostólico en Cuba, quien presidió la consagración episcopal de Mons. Arteaga, el  24 de febrero de 1942, en la Catedral de La Habana, diócesis de la que fue nombrado su arzobispo. 

Se la dejamos al lector como muestra inequívoca del legado que en materia de sucesión apostólica, le tocó en herencia espiritual al que fuera nuestro primer cardenal de la historia cubensis.

• Archbishop George Joseph (Jorge José) Caruana † (1921)
Titular Archbishop of Sebastea

• Antonio Cardinal Vico † (1898)
Cardinal-Bishop of Porto e Santa Rufina

• Mariano Cardinal Rampolla del Tindaro † (1882)
Cardinal-Priest of Santa Cecilia

• Edward Henry Cardinal Howard of Norfolk † (1872)
Cardinal-Priest of Santi Giovanni e Paolo

• Carlo Cardinal Sacconi † (1851)
Cardinal-Bishop of Palestrina

• Giacomo Filippo Cardinal Fransoni † (1822)
Cardinal-Priest of Santa Maria in Ara Coeli

• Pietro Francesco Cardinal Galleffi † (1819)
Cardinal-Bishop of Albano

• Alessandro CardinalMattei † (1777)
Cardinal-Bishop of Ostia (e Velletri)

• Bernardino Cardinal Giraud † (1767)
Cardinal-Priest of Santissima Trinità al Monte Pincio

• Pope Clement XIII (1743)
(Carlo de lla Torre Rezzonico †)

• Pope Benedict XIV (1724)
(Prospero Lorenzo Lambertini †)

• Pope Benedict XIII (1675)
(Pietro Francesco (Vincenzo Maria) Orsini de Gravina, O.P. †)

• Paluzzo Cardinal Paluzzi Altieri Degli Albertoni † (1666)
Chamberlain (Camerlengo) of the Apostolic Chamber

• Ulderico Cardinal Carpegna † (1630)
Cardinal-Priest of Santa Maria in Trastevere.

• Luigi Cardinal Caetani † (1622)
Cardinal-Priest of Santa Pudenziana

• Ludovico CardinalLudovisi † (1621)
Archbishop of Bologna

• Archbishop Galeazzo Sanvitale † (1604)
Archbishop Emeritus of Bari (-Canosa)

• Girolamo CardinalBernerio, O.P. † (1586)
Cardinal-Bishop of Albano

• Giulio Antonio Cardinal Santorio † (1566)
Cardinal-Priest of San Bartolomeo all’Isola

• Scipione Cardinal Rebiba †
Titular Patriarch of Constantinople

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1. https://www.catholic-hierarchy.org/bishop/barteaga.html

“Un corazón palpitante exquisito” para Audry Gutiérrez-Alea y sus "Poemas de febrero". (por Baltasar Santiago Martín)

Tomo la idea de los surrealistas, pero como no me gusta ese nombre: “un cadáver exquisito”, para su construcción de tomar una frase o parte de una obra de cada miembro de su grupo –y “armar” así una especie de collage literario–, he decidido renombrarlo como “Un corazón palpitante exquisito”, en vez de “Un muerto sabroso” –que sería la traducción del francés al cubano castizo de Jacomino, La Timba, etc, etc, etc.

Audry –con la que desde que nos conocimos siento una simpatía y una química muy bonita– es justamente “un corazón palpitante exquisito”, y por si quedaran dudas, bastaría con leer su libro Poemas de febrero, que presentó recientemente en el Centro Cultural Hispano para las Artes de Miami; un poemario visceral, sin lugares comunes ni cursilería.

Entonces, sin más dilación: “Un corazón palpitante exquisito” que he preparado en honor a ella y a su poemario:

I

Homero

pretende no ver

una ciudad que perdió el tiempo.

Despierta sobresaltado

en cuerpos dulces,

y vuelve la noche,

más nocturna aún.

En la profundidad de sus piernas,

eran ninfas calzadas

con trenzas en la pelvis,

mostrando un juego trunco.

No pueden moverse, porque son de cielo,

estrellas lúcidas.

II

Hagan un coro en esas frentes,

que solo viven y piensan en hartarse,

ausentes, sin rumbo pleno de versos.

Reposaron en las camas de fuego,

mandaron sus linternas

a buscar una cumbre distinta;

pegados los pensamientos a las rocas,

convidados a una danza olvidada;

risas de alabastro

en sus frentes dormidas.

III

Una tripulación falsa

te recoge en el mar;

una sombra notable,

la ciudad perfectamente ebria.

Los balcones caen como labios,

huele a hueso tostado el café.

Subida a tu desnudo,

fuiste pluma de ángel,

besando el suelo.

Alguien grita, ¿orgasmo o tropiezo?:

un grito de muchacha en su primer amor…

algo quedó atrapado en esas fotos.

IV

Te imagino tomando café,

mirando el mar.

La isla es una casa,

un fuego,

un corazón.

Muchos creen que, si estás feliz,

ocultas algo,

manuales que nos guíen

a no saber amar,

por eso no creo

en la felicidad.

El que solo la hace,

solo la paga.

V

Plegarias que salvan

del delirio del mundo,

en una historia para ver las nubes,

que pasan entre el humo.

No existe un río que me acoja.

Ensartando despacio,

la madre termina de tejer.

Nada será mejor que ese día.

Fulgura una red en todo lo mío,

sin destruir el fuego,

hice un hogar de luces,

sin lógica, ni azul, silencios.

No sabemos nada, seguiremos así,

abrazando el destiempo, sus orquídeas.

Las revoluciones no existen hace mucho.

El tiempo las mató.

VI

Que lo sencillo baje de tus senos

a mi cuerpo;

la trayectoria

no ofrece el camino.

En aquello que callas,

la piel dormida escapa

a su estampido.

Los años son grietas.

Un bosque despierto,

diletante, bajo mi falda,

mientras huyo de ti.

Hialeah, 4 de mayo de 2025.

Ficha biográfica de un pez (un poema de Félix Luis Viera)

Nota: Cada lunes la poesía de Félix Luis Viera. Puedes leer todos sus textos, publicados en el blog, en este enlace. Traducción al italiano de Gordiano Lupi.

Barracuda, Alejandro Obregón, 1957

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Ficha biográfica de un pez

El amor que pones en el adobo del pez,

en la salsa que le destinas

con la pasión de que se nutre un ornamento;

el amor con que le haces lento el fuego

para que aparezca bronceado ante la vista

es el escalón siguiente la ternura

con que el pescador besó a sus hijos

                                                                 a su mujer

antes de partir,

a la dedicación con que revisó

sus redes, sus velas, su motor, con que calafateó su barco (que es

otro de sus hijos y su amante)

al ardor que lo estremeció

cuando lo vio coletear en la cubierta.

Ahorita se convertirá en una gota

de sangre en nuestras venas

y también en espinas y otras inmundicias.

Sin embargo, quien lo robó al mar,

quien hizo que inundara la casa con su aroma

y quienes lo devoraron felizmente

lo mantendrán vivo por mucho tiempo en el

    recuerdo.

Porque todo lo que se hace con amor perdura.

Verano de 1971

Schizzo biografico d’un pesce

L'amore che metti nel marinare il pesce,

nella salsa che ci metti sopra

con la passione che nutre un ornamento;

l’amore con cui rallenti il fuoco

in modo che appaia bronzeo alla vista

è il passo successivo alla tenerezza

con cui il pescatore baciò i suoi figli

                                                              e sua moglie

prima di partire,

alla dedizione con cui controllò

le sue reti, le sue vele, il suo motore, con cui ha carenato la sua barca (che è

un altro dei suoi figli e la sua amante)

all’ardore che lo fece fremere

quando lo vide ondeggiare sul ponte.

Ora diventerà una goccia

di sangue nelle nostre vene

e anche di spine e altre porcherie.

Tuttavia, chi l’ha rubato al mare

chi ha fatto sì che inondasse la casa con il suo aroma

e coloro che lo divorarono con gioia

lo manterranno vivo per molto tempo nel

   ricordo.

Perché tutto quello che si fa con amore perdura.

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Félix Luis Viera (El Condado, Santa Clara, Cuba, 1945), poeta, cuentista y novelista, es autor de una copiosa obra en los  géneros.

En su país natal recibió el Premio David de Poesía, en 1976, por Una melodía sin ton ni son bajo la lluvia; el Nacional de Novela de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, en 1987, por Con tu vestido blanco, que recibiera al año siguiente el Premio de la Crítica, distinción que ya había recibido, en 1983, por su libro de cuento En el nombre del hijo.

En 2019 le fue otorgado el Premio Nacional de Literatura Independiente “Gastón Baquero”, auspiciado por varias instituciones culturales cubanas en el exilio y el premio Pluma de Oro de Publicaciones Entre Líneas..

Su libro de cuentos Las llamas en el cielo retoma la narrativa fantástica en su país; sus novelas Con tu vestido blanco y El corazón del rey abordan la marginalidad; la primera en la época prerrevolucionaria, la segunda en los inicios de la instauración del comunismo en Cuba.

Su novela Un ciervo herido —con varias ediciones— tiene como tema central la vida en un campamento de las UMAP (Unidades Militares de Ayuda a la Producción), campos de trabajo forzado que existieron en Cuba, de 1965 a 1968, adonde fueron enviados religiosos de diversas filiaciones, lumpen, homosexuales y otros.

En 2010 publicó el poemario La patria es una naranja, escrito durante su exilio en México —donde vivió durante 20 años, de 1995 a 2015— y que ha sido objeto de varias reediciones y de una crítica favorable.

Una antología de su poesía apareció en 2019 con el título Sin ton ni son. 

Es ciudadano mexicano por naturalización. En la actualidad reside en Miami.

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Gordiano Lupi, periodista, escritor y traductor, nació en Piombino, Italia, en 1960. Fundador, en 1999, junto con Maurizio y Andrea Maggioni Panerini de la editorial La Gaceta Literaria, ha traducido del español a varios autores cubanos, como Alejandro Torreguitart Ruiz, Guillermo Cabrera Infante, Félix Luis Viera y Virgilio Piñera, entre otros. Cuenta en su haber con un amplio trabajo sobre figuras del cine, entre ellas Federico Fellini, Joe D´Amato y Enzo G. Castellari. Ha publicado más de una decena de libros que abarcan diversos géneros, como Nero tropicale, Cuba magica, Orrore, ertorismo e ponorgrafia secondo Joe d´Aamto y Fidel Castro – biografia non autorizzata.

Gordiano Lupi es un luchador por la democracia para Cuba y un promotor de las artes y la cultura de la Isla

El "hombre mecánico"

"El 'hombre mecánico', un posible precursor de los Robots del Futuro, que puede resolver todos los problemas del trabajo, desde el servicio doméstico hasta los servicios especializados del moderno comercio." (Carteles. Mayo 1928)

Del antiguo Cheque Bar de la calle Ignacio Sánchez y otras anécdotas conexas. (por Carlos A. Peón-Casas)

La otrora ciudad camagüeyana que hoy habitamos con un desconocimiento casi innato de su pasado, tuvo también su memoria de hechos y sucesos, que hoy parecen asuntos trivialidad rayana en lo intrascendente, quizá rozando las aristas de lo impublicable,

Aludimos hoy a los que fueron conocidos bares de postín de las calles Ignacio Sánchez, Santa Rosa, y Progreso, con sus respectivas “ocupaciones”, el nombre que por entonces se les daba a los cuartuchos de mala muerte donde aquellas maltratadas émulas de Mesalina (con perdón de la matrona romana), ejercían su ancestral oficio.

Me refiero en particular, a un sitio que todavía sobrevive como antigua edificación de dos plantas, en el pedazo de cuadra que va desde Santa Rosa hasta la intersección de la línea del ferrocarril, justo donde termina el tramo norte de la calle San Ramón, que también lleva el nombre de Enrique José Varona, noble varón y filósofo al que supongo poco le interesaría saber que su calle principiaba en aquella zona de tolerancia: aludo al conocido por entonces como el Cheque Bar(1) ya mentado en mi título.

El sitio de marras no era muy diferente del resto que proliferaban en aquel entramado de tanto movimiento de mercaderías por vía férrea en la ciudad de antaño, algo así como el equivalente mediterráneo de la zona del puerto habanero, aunque el nuestro fuera bien modesto, por el mínimo tamaño de los locales y la cantidad de “ocupaciones” que se alargaban hasta colindar con la mismísima línea férrea.

En la planta baja se acomodaba la rústica barra donde la clientela pedía los necesarios tragos iniciáticos a base del Ron Castillo que para entonces era muy inferior al Bacardí, pero también se podían degustar otros tragos fuertes como los famosos destilados de uva, importados de la Madre Patria, de las marcas: Blázquez , Domecq y Fundador; igualmente se podían saborear otros de factura nacional y precio más módico como era el caso de los “coñac” Don Diego(2) y Tres Toneles.

También corría la cerveza de factura nacional y de precio tan asequible como una peseta. A las mujeres que allí ejercitaban tan deprimido oficio, también se les invitaba a un trago, pero aquellas sólo bebian un especie de “refresquito” que simulaba el contenido real, pues en realidad recibían al final del día un porciento del monto de aquellas “invitaciones”, que por supuesto eran beneficio del dueño del negocio.

Anexo al improvisado bar se abría un espacio destinado al baile, donde los pretendidos clientes podían hacerlo por el reducido precio de diez centavos, que se le pagaban directamente a las danzantes. El baile era animado en aquel sitio por una especie de órgano oriental de manivela, al que hacían sonar un par de fornidos hombres de piel muy negra, mostrando sus torsos descamisados y brillosos por el sudor.

El bar se hacía anunciar por un peculiar cartel que simulaba una flecha torcida, que precisamente se curvaba sobre la puerta de acceso al sitio. El hecho fue motivo para una jocosa improvisación de mi abuelo Don Nicolás Peón, hombre de afiladas dotes humorísticas, y autor de más de una cuarteta, quien decía aludiendo al detalle del significativo anuncio del bar:

Si tu vas al Cheque Bar

Y la llevas muy derecha

Se te puede jorobar

Como le pasó a la flecha(3)

Era costumbre muy de la época que las señoras casadas no frecuentaran aquella zona de tolerancia, a pesar de que justo al frente del mentado bar y colindante con otros sitios de igual impronta, abría sus puertas un moderno y capaz mercado de abastos. De preferencia eran los caballeros quienes se acercaban al sitio por las provisiones, o lo hacían las domésticas al servicio de muchas familias de la zona de los repartos Beneficencia y La Vigía, donde igualmente se acomodaban muchas casas de decencia probada.

En el sitio, como en los otros colindantes, proliferaba una clientela diversa y variopinta, pero regularmente se componía de personas con pocos haberes, muchos de ellos simples dependientes, y algún que otro trabajador por su cuenta; otras capas sociales de más ingresos, no acudían a tales sitios, sino que se dirigían a otras casas de cita que se ubicaban en otros sitios más céntricos de la ciudad, como era el caso de Enedina, matrona muy conocida, que tenía su negocio bien servido con prostitutas más caras en la calle Pobres, o igualmente donde Paquito Prada, famoso travesti ya casi un anciano, que tenía un próspero negocio, y que según algunos asiduos parroquianos, brindaba el servicio, con mucha más circunspección.

Las prostitutas de la zona del Cheque Bar eran conocidas popularmente como de “café con leche” por lo barato de sus servicios. Normalmente sus tarifas no pasaban de unos pocos centavos, y al final del día no sumarían más que unos míseros pesos que les serían arrebatados de inmediato por sus respectivos “chulos”. Muchas de ellas se “anunciaban” al paso desde sus pequeñas covachas, alineadas frente a la línea del tren.

El Cheque Bar sobrevivió como tal hasta el año 60, cuando las nuevas medidas revolucionarias intervinieron aquellos sitios, y re-ubicaron a sus moradoras en otras labores, incluyendo la de taxistas.

El sitio se convirtió entonces en una cuartería, donde muchas de aquellas mujeres, siguieron viviendo. A algunas las conocimos en nuestra niñez, cuando ya no eran ni la sombra de lo que acaso fueron un día, habitando en una de aquellas pobrísimas casas de vecindad, y que en sus conversaciones aludía a su triste pasado.

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1. En la misma cuadra del susodicho, en la calle Ignacio Sánchez, se ubicaban otros establecimientos de su mismo tipo entre los que destacaban los bares conocidos como El Mora y El Morita. En todos primaba el mismo estilo. Por la calle Santa Rosa se localizaba el del Chino Lasa, ubicado en la intercesión de aquella y la línea del ferrocarril.
2. El anuncio más popular de este preparado alcohólico de factura nacional que se expendía al muy módico precio de diez centavos el trago rezaba que: “Si no es Don Diego, me niego”
3. El texto totalmente inédito como otras muchas producciones de mi abuelo Nicolás Peón Sr., lo reproduzco aquí desde la memoria proverbial de mi inolvidable padre Nicolás Jr., depositario natural de aquellas divertidas composiciones poéticas de signo humorístico, que también ejercitó con sobrada maestría como su padre y su abuelo asturiano Don José.

Luto en los escenarios de Miami ante la muerte de Mario Ernesto Sánchez. (por Wilfredo A. Ramos)

El fallecimiento, el pasado 10 de Abril, del actor y director cubano-americano Mario Ernesto Sánchez, ha dejado un hálito luctuoso en la vida artística de esta ciudad del Sur de la Florida, especialmente en el ámbito teatral y de manera muy particular dentro de la comunidad cubana.

Originario de la habanera comunidad de San Antonio de los Vegas, en Cuba, desde su niñez vivió su pasión por la actuación, participando en puestas teatrales que subían a escenarios colegiales. Su vida a los quince años y sus sueños por el teatro, sufrieron un gran golpe debido a su salida del país rumbo hacia Estados Unidos, a través de la Operación Pedro Pan, proyecto establecido a través de la Iglesia Católica, para sacar a los niños del país y así librarlos de la reciente revolución de carácter comunista instaurada en la nación caribeño.

Una vez en estas tierras, en 1968 se gradua de la Edison High School, en San Antonio, Texas, y que posteriormente comienza a ver cumplir sus sueños, al graduarse en el Miami Dade College del curso de formación de actores organizado por Teatro Prometeo, el cual bajo la dirección de la actriz cubana Teresa María Rojas, crea la primera carrera de formación profesional en el país para actores en idioma español con nivel superior. Finalmente, termina sus estudios de dirección teatral en la Universidad Internacional de la Florida, habiendo logrado sus objetivos y lanzándose por fin a vivir el difícil mundo del teatro.

Para 1979, Sánchez funda Teatro Avante, compañía con la que lleva a escena un destacado número de propuestas, contribuyendo al desenvolvimiento del ambiente teatral en Miami hasta nuestros días. Con dicha agrupación sube a las tablas obras de importantes dramaturgos cubanos tales como René Alomá, Julio Matas, Virgilio Piñera, Eduardo Manet, José Triana, Manuel Reguera Saumell, Rolando Ferrer, René Ariza, Héctor Santiago, así como de los internacionales William Shakespeare, Jean Cocteau, Mario Vargas Llosa, Federico G. Lorca, Edward Albee, José I. Cabrujas, Fernando Arrabal, Ramón M. del Valle-Inclán, José Assad, Tennesse Williams, entre otros. Un aspecto a destacar es que en sus puestas insistió siempre en que las mismas, aunque fueran habladas en español, llegaran también a los angloparlantes, por lo que las mismas contaban con traducción simultanea al ingles, buscando de esa manera abrir el teatro hispano a un público aun más amplio.

De su participación como actor en diversas puestas teatrales, podemos recordarlo por ejemplo, formando parte de los elencos en Una caja de zapato vacía, Exilio, Las brujas de Salem, Alguna cosita que alivie el sufrir, El Principito, La alondra, Las mariposas son libre, Quinto cielo a la derecha y Mundo de cristal.

Su carrera en la actuación se extendió al cine angloparlante, donde participó en filmes y series de televisión tales como Golpe Bajo, 1980; Miami Vice, 1984-1999; Invasion USA, 1985; Charley Hannah, 1986; Clinton and Nadine, 1988; The Truman Show: historia de una vida, 1988; Siete vidas tiene un gato, 1993; Sangre y vino, 1996; 8mm, 1999; Step Up: La revolución, 2012; Sea Devil, 2014; Padre de la novia, 2022, hasta acercarse a los cuarenta títulos, donde trabajara junto a reconocidas figuras internacionales como Silvester Stallone, Sharon Stone, Jack Nicholson, Jennifer López, Michael Cane, Judy Davis, Nicolas Cage, Meg Ryan, Ed Harris, Chuck Norris, Andy Garcia y Morgan Freman, entre otros.

Sánchez realizó también adaptaciones de algunos textos de escritores y dramaturgos para ser llevadas a las tablas. De igual manera incursionó en la dramaturgia al escribir ‘Matecumbe, el vuelo de Pedro Pan’, obra teatral donde deja reflejadas sus difíciles experiencias al arribar a este país, vividas en el campamento que lo recibió. En su pasión por el hecho teatral no escatimó posibilidad alguna de estar dentro del mismo ejerciendo labores de productor, como de diseñador de luces o de asistente de dirección.

De igual manera, ante su inquebrantable resolución de contribuir a que la ciudad se convirtiera en un importante centro teatral, en 1986 impulsa junto a un grupo de otros teatristas, la creación del Festival de Teatro Hispano de Miami, el cual en sus tres primera ediciones dará vida a un evento de carácter local, para a partir de su cuarta edición, en 1989, constituirse en el Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami -del cual se convirtió en su director general- el cual en este 2025 arribará a sus treinta y nueve años de vida, por el cual han desfilado numerosas agrupaciones teatrales de todo el continente latinoamericano y España, de algunos otros de países europeos, también -aunque muy escasas- formaciones teatrales hispanas, residentes en diferentes ciudades norteamericanas, pero viéndose limitada la participación de agrupaciones teatrales locales por lo general solo a Teatro Prometo y Teatro Avante, lo cual ha sido siempre tema de fuertes controversias dentro de la comunidad teatral miamense.

Un aspecto imposible de dejar de mencionar en el transcurso del festival, constituye la fuerte batalla enfrentada por Sánchez a través de los años con un a veces marcado desprecio, mostrado por parte de algunos teatristas, tanto de España como de Latinoamérica -debido a sus posiciones ideológicas de izquierda- en participar dentro de un evento teatral organizado por un exiliado, en la llamada precisamente capital del exilio cubano. Asimismo este tenaz hombre de teatro tuvo que tropezar, debido a lo mismo, con situaciones verdaderamente poco corteses en eventos en los cuales era invitado, por parte de algunos otros creadores presentes en los mismos. No obstante su objetivo por hacer del festival teatral de Miami, un encuentro importante en el ámbito hispanoamericano y mundial, dicho deseo supo imponerse por encima de tales mezquindades políticas, logrando crear verdadero interés entre directores, investigadores, dramaturgos y actores por participar en él, rompiendo así tal absurdo dique de confrontación política, haciendo valer por encima de todo la importancia del arte y la cultura como necesidad primordial de encuentro entre los seres humanos, con lo que la figura de Sánchez se erigió en triunfador de dicha batalla.

A lo largo de su carrera artística recibió reconocimientos a su labor, como el Premio Ollantay a la promoción del teatro Iberoamericano, entregado por el Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral (CELCIT), de Madrid y el Premio regional de las Artes, otorgado por las Olimpiadas Culturales de la ciudad de Atlanta, a nombre de Teatro Avante, los dos en 1994; Premio Federico G. Lorca por su contribución al desarrollo del teatro hispánico en Estados Unidos, 1995; Premio Kusillo, por su entrega al teatro, La Paz, Bolivia, 2004; Special Recognition Award of Arts and Business Council of Miami, por los logros alcanzados al frente del festival, en el 2007; Premio Atahualpa del Cioppo, del Festival Internacional de Teatro de Cádiz, España y Premio a la Diversidad Cultural del VII Festival Internacional de Teatro en Lima, Perú, ambos en el 2009; Premio Carbonell George Abbott Award for Outstanding Achievement in the Arts, 2012; Legacy Award, Chicago, 2014 y Distinguished Career Award de la Florida Theatre Conference, por su contribución al desarrollo del teatro. Así mismo le fue dedicado de manera honoraria el XII Festival Internacional de Teatro de Santo Domingo, República Dominicana, efectuado en el año 2023.

Sánchez, en su también rol como promotor artístico, brindó la oportunidad para que artistas de la plástica de diferentes países asumieran la creación del cartel promocional de cada una de las ediciones del FITHM, haciendo también posible que algún niño paciente de cáncer fuera el encargado de realizar anualmente, el cartel de la jornada de teatro infantil a celebrarse dentro del propio evento, por lo que creó una alianza entre el festival y la Live Like Bella Childhood Cancer Fundation. Desde su inauguración, producto al prestigio alcanzado a través de su labor artística integró la junta de dirección del Adrienne Arsht Center for the Performing Arts.

La pérdida de una figura de la magnitud de Mario Ernesto Sánchez, sumerge en la tristeza al ámbito de la cultura hispanoamericana no solamente en la ciudad de Miami, sino de forma general en todo el país, extendiéndose a nivel internacional. Solo nos resta esperar y confiar que las manos donde ha sido depositado el relevo, pueda mantener su legado -sin descartar nuevas ideas y proposiciones- haciendo posible elevarlo hacia nuevos escalones.

Hoy el teatro, Mario, te aplaude fuertemente.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, abril 21, 2025.