La foto que recreamos hoy se puede ver todavía, ya muy carcomida por el tiempo, en la casa social de los antigua Hermandad Ferroviaria, en la intersección de las calles República, y la línea del ferrocarril, local que a todas luces sobrevivió, cuando la picota hizo espacio para que el ferrocarril llegara a la ciudad allá por 1902.
La foto fue tomada en el año 1956. Se trata de un grupo de niñas, de las asiladas en el recordado Amparo de la Niñez, acompañadas por dos de las monjas que regentaban el Asilo, dispuestas para una excursión ferroviaria, en uno de los flamantes coches motores norteamericanos, los recordados Bud’s, recién llegados aquellos a la ciudad principeña. El periplo era patrocinado por otra benemerita organización de ferroviarios de la época la Legión de Honor.
A seis décadas de aquella ocasión, la foto es sin dudas, uno de tantos recuerdos que guardaran aún en su retina, las que fueron testigos del hecho; quizás la más pequeña de todas, que en brazos de uno de los patrocinadores, mira con sorpresa la fotógrafo, pueda todavía reconocerse en esta instantánea, y contar a sus nietos, la singular memoria que guarda esta ya casi irreconocible foto, en el sepia que el tiempo añade sin piedad a toda remembranza.
Todos hemos experimentado alguna vez las lágrimas que afloran como resultado de picar una cebolla, sobre todo si es roja (de esas que usamos los peruanos para el ceviche). Pero tal vez no muchos han prestado atención al hecho de que pelar la cáscara de la cebolla no nos hace llorar, mientras que la raíz contiene una concentración más alta de los compuestos irritantes y por eso lagrimeamos más cuando llegamos a ella.
Lo mismo ocurre en la relación de pareja. La cáscara equivale al acercamiento al mundo inexplorado que supone esa otra persona tan distinta a nosotros. Mientras pelamos la cáscara todo nos resulta agradable, liviano, ligero. Pero cuando nos toca avanzar y explorar las capas profundas de nuestro ser amado, podemos terminar llorando cuando descubrimos su raíz de amargura, entre tantas otras cosas irritantes que podemos hallar en ella, así como ella en nosotros.
Lo recomendable entonces es no quedarse a nivel de cáscara por mucho tiempo, si no, por el contrario, asomarse a las capas interiores con premura, tan pronto como sea posible. Por eso el camino correcto de las relaciones amorosas debiera ser el de la AMISTAD PROLONGADA, sin intimidad sexual, para poder apreciar a la otra persona con objetividad, sin la presencia de las hormonas que nos vuelven “locos” (o por lo menos “ciegos”). Si llegas a conocer los defectos de tu amigo(a) y, a pesar de eso, sientes que podrían pasar a otro plano y desarrollar una relación de pareja con miras a un futuro juntos, te encontrarás en el escenario ideal.
Cuando te quedas en el plano de la cáscara, te contentas con saber cuáles son sus gustos y deseos, sus intereses y preferencias. Mientras que cuando avanzas al plano de la raíz, a la capa más profunda, llegas a conocer sus valores y virtudes, sus principios y temores, y como ya lo mencioné, sus defectos.
Ahora bien, si te encuentras ya en una relación que no se dio con amistad como paso previo, te sugiero monitorear cómo avanzan en los niveles de comunicación de pareja que presento en mi pirámide del mismo nombre.
No te quedes en la comunicación superficial ni siquiera en la de los hechos (en la que se cuentan lo que hicieron durante el día). Ingresa a la comunicación de las opiniones, desde la primera cita, explorando qué piensa esa persona en materias que tú consideras importante (política, religión, preservación del medio ambiente, metas y objetivos personales, etc.).
Es probable que la comunicación de las emociones y sentimientos no llegue de inmediato, pero es igualmente importante. Una pregunta introductoria a una conversación de este tipo sería: ¿Qué emociones suscita en ti el recuerdo de tu infancia?
La comunicación íntima que suele darse cuando la pareja se conoce bien y se tiene confianza, profundiza tanto que llega a esa raíz de la cebolla que hace llorar, pero resulta que es un llanto bueno, catártico, liberador. Su ejemplo máximo es cuando los esposos se cuentan sus traumas y heridas del alma de la infancia. El nivel de vulnerabilidad es alto. Una inigualable intimidad emocional surge entre estos seres humanos como recompensa.
Cecilia Alegría, La Dra. Amor (www.ladoctoraamor.com): Consejera de Parejas, Love and Life Coach, Conferencista Internacional, Periodista y Conductora de Radio y TV. Destaca en los Latinos en Miami dando consejos sobre cómo triunfar en el terreno amoroso y ayudando a miles de parejas a resolver sus problemas. Forma parte del grupo fundador de profesores del programa Universidad de la Familia.
Ha publicado doce libros entre los que se encuentran: Comunicación Afectiva=Comunicación Afectiva (Espasa Calpe, España, 2000). 120 preguntas y respuestas para ser mejores personas (Editorial Norma, Colombia, 2004), No hay amor más grande (Editorial Aragón, USA, 2012), Amando un Día a la Vez (Ediciones Varona, U.S.A. 2015), Al rescate de tu comunicación de pareja (Ediciones Varona, USA 2017), Sexo Sagrado y Lazos del Alma (Indie Publishingnbsp, 2018), Alessia (Book Master Corp. 2019), El Poder del Amor Grape: como restaurar tu matrimonio después de una infidelidad (2021). Amanecer con Dios (2021), Del Amor Tóxico al Amor Extraordinario (2022). El continuo aprendizaje de la felicidad (Editorial El Shaddai, 2023).
Nota: Cada lunes la poesía de Félix Luis Viera. Puedes leer todos sus textos, publicados en el blog, en este enlace. Traducción al italiano de Gordiano Lupi.
Esperanza
Barco que siempre partes y regresas
Agua del precipicio
no me dejes
Agua de luz que te enracimas
no perderte ni pie ni huella ni tu más mínima
señal
Ser un hombre entre otras cosas es vivir contigo
Tierno animal del ojo guiñado permanente
tu piel resbala pero se deja sobar
No serás cábala ni neblina entre las cejas
porque existes, porque estás
agua malabarista agua de fuego agua del olvido
a chorros retornándose
Espina de la vida que prolifera vence charcos
hastaluegos zancadillas
Agua del precipicio, no me dejes,
no te dejo
Mayo de 1979
Speranza
Nave che sempre parti e fai ritorno.
Acqua del precipizio
non mi lasciare.
Acqua di luce che ti fai grappolo
non perdere piede, impronta né la tua più piccola
traccia.
Essere un uomo tra le altre cose è vivere con te.
Tenero animale dall’occhio strizzato permanente
la tua pelle scivola ma si lascia manipolare.
Non sarai intrigo né foschia tra le ciglia
perché esisti, perché sei
acqua equilibrista acqua di fuoco acqua dell’oblio
che a fiotti torna indietro.
Spina della vita che prolifera supera pozze
persino trabocchetti.
Acqua del precipizio, non mi lasciare,
non ti lascio.
Maggio 1979
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Félix Luis Viera (El Condado, Santa Clara, Cuba, 1945), poeta, cuentista y novelista, es autor de una copiosa obra en los géneros.
En su país natal recibió el Premio David de Poesía, en 1976, por Una melodía sin ton ni son bajo la lluvia; el Nacional de Novela de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, en 1987, por Con tu vestido blanco, que recibiera al año siguiente el Premio de la Crítica, distinción que ya había recibido, en 1983, por su libro de cuento En el nombre del hijo.
En 2019 le fue otorgado el Premio Nacional de Literatura Independiente “Gastón Baquero”, auspiciado por varias instituciones culturales cubanas en el exilio y el premio Pluma de Oro de Publicaciones Entre Líneas..
Su libro de cuentos Las llamas en el cielo retoma la narrativa fantástica en su país; sus novelas Con tu vestido blanco y El corazón del rey abordan la marginalidad; la primera en la época prerrevolucionaria, la segunda en los inicios de la instauración del comunismo en Cuba.
Su novela Un ciervo herido —con varias ediciones— tiene como tema central la vida en un campamento de las UMAP (Unidades Militares de Ayuda a la Producción), campos de trabajo forzado que existieron en Cuba, de 1965 a 1968, adonde fueron enviados religiosos de diversas filiaciones, lumpen, homosexuales y otros.
En 2010 publicó el poemario La patria es una naranja, escrito durante su exilio en México —donde vivió durante 20 años, de 1995 a 2015— y que ha sido objeto de varias reediciones y de una crítica favorable.
Una antología de su poesía apareció en 2019 con el título Sin ton ni son.
Es ciudadano mexicano por naturalización. En la actualidad reside en Miami.
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Gordiano Lupi, periodista, escritor y traductor, nació en Piombino, Italia, en 1960. Fundador, en 1999, junto con Maurizio y Andrea Maggioni Panerini de la editorial La Gaceta Literaria, ha traducido del español a varios autores cubanos, como Alejandro Torreguitart Ruiz, Guillermo Cabrera Infante, Félix Luis Viera y Virgilio Piñera, entre otros. Cuenta en su haber con un amplio trabajo sobre figuras del cine, entre ellas Federico Fellini, Joe D´Amato y Enzo G. Castellari. Ha publicado más de una decena de libros que abarcan diversos géneros, como Nero tropicale, Cuba magica, Orrore, ertorismo e ponorgrafia secondo Joe d´Aamto y Fidel Castro – biografia non autorizzata.
Gordiano Lupi es un luchador por la democracia para Cuba y un promotor de las artes y la cultura de la Isla.
El ballet “Gayané” tiene coreografía de Nina Anísimova y fue estrenado el 9 de diciembre de 1942 por el Ballet Kirov, en Perm (U.R.S.S.). La música fue compuesta ese mismo año por Aram Khachaturián y la orquesta fue dirigida por Pavel Feldt. El diseño escenográfico estuvo a cargo de Natán Altman y el de vestuario de Tatyana Bruni, y el argumento fue escrito por Konstantín Derzhavin, marido de Anísimova. Los roles principales, en el estreno, estuvieron interpretados por Natalia Dudínskaya (Gayané), Nikolái Zubkovsky (Koren), Konstantín Serguéyev (Armén), Tatanya Vecheslova (Nuné), Borís Shavrov (Giko) y la propia Anísimova en el rol de la joven kurda.
Históricamente el contexto era complicado ya que estaba en pleno desarrollo la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, la producción artística no se detuvo y Anísimova completó el elenco de su ballet con bailarines que se encontraban en la ciudad de Perm en ese momento. Más allá de las dificultades, el arte se impuso y el estreno en el pequeño teatro de la ciudad fue un éxito relativo, dada la coyuntura socio-política.
La obra se organiza en cuatro actos y se ubica en un koljoz, un campo de cultivo comunitario armenio dedicado al algodón, cercano a la frontera. En el primer acto vemos a Gayané cosechando algodón junto a su familia, su padre Ovanes, su hermano Armén y su hermana menor Nuné. Todos trabajan mucho excepto Giko, el marido de Gayané. Ella le recrimina por esa actitud y terminan peleando. Llega al campo un comandante de la guardia fronteriza, Kazakov, y realizan un baile de bienvenida. Gayané le acerca un ramo pero, al verla, Giko se lo arrebata violentamente y huye.
En el acto siguiente nos encontramos en la casa de Gayané, donde la gente del koljoz la consuela por la mala conducta de su marido. Giko regresa y todos se van. Mientras Gayané intenta que su hijo, Ripsime, se duerma, llegan tres contrabandistas para hablar con Giko. Los cuatros conspiran para hacerse del dinero público, incendiar el depósito de algodón y huir al exterior. Al escuchar esto Gayané lo increpa, pero Giko la empuja y la encierra en una habitación.
Es el tercer acto y nos ubicamos en un asentamiento kurdo, cerca del koljoz. Allí están, entre otros, Armén, hermano de Gayané, y dos jóvenes kurdos. Llegan Giko y sus secuaces. Le preguntan a Armén hacia dónde podrían dirigirse desde allí. Armén duda de sus intenciones y manda a buscar a Kazakov. En el ínterin Giko y su banda descubren el plan de Armén e intentan matarlo, pero Kazakov aparece justo a tiempo, arresta a los tres contrabandistas pero Giko escapa y, para crear confusión, prende fuego el almacén de algodón. En su huida se encuentra con Gayané que escapó de la habitación en la que la había encerrado. Giko amenaza con lastimar a Ripsime si no lo deja ir, pero Gayané insiste en retenerlo y Giko la hiere con una daga. Kazakalov escucha el grito de dolor Gayané, corre a buscarla y arresta a Giko, quien es llevado a la justicia. Kazakov cuida a Gayane hasta que ella se recupera y el amor crece entre ambos.
El último acto nos devuelve al koljoz, un año después. En ese momento se realiza una ceremonia por la reconstrucción del depósito de algodón y, al mismo tiempo, se celebran las bodas de los tres hermanos: Gayané y Kazakov, Armén y Aishe, Nuné y Koren. Los festejos incluyen varias danzas folclóricas, de gran colorido. El ballet finaliza en medio de la alegría general.
Este ballet pertenece al denominado “realismo socialista”, que tenía por finalidad destacar los beneficios del trabajo duro en favor del bien común y las desventajas del individualismo y la avaricia, quizás eso explique la simpleza del argumento. Así mismo, incorpora positivamente la diversidad étnica que caracterizaba a la U.R.S.S. y a sus danzas folclóricas, estilizadas por la coreógrafa, generando un ballet con una fuerte impronta de las danzas de carácter..
Luego de su estreno en 1942, Anísimova volvió a montar la obra para el Ballet Kirov de San Patersburgo en 1945 y en 1952, con algunos retoques argumentales, intensificando la historia de amor de Gayané y Kazakov. El otro gran Ballet de la U.R.S.S., el Bolshoi de Moscú, también tuvo sus propias versiones: en 1957 la de Vainonen y en 1961 fue Anísimova quien realizó el montaje del ballet. Algunos años más tarde, en 1972, Boris Eifman realizó su propia versión de “Gayané”, en tres actos, para el Teatro Maly de San Petersburgo. La obra ha trascendido las fronteras y se pueden ver algunos de sus fragmentos en galas de ballet, principalmente el pas de deux de Gayané y Kazakov, la variación solista de Gayané y la reconocida “danza del sable”, protagonizada por Giko.
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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).
Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com
Nota del blog: Sección semanal en el blog Gaspar, El Lugareño, gracias a la cortesía de la psicóloga Orlanda Torres, quien ha aceptado la invitación a compartir con los lectores sus consejos y reflexiones sobre los conflictos cotidianos.
Recordemos que en la vida habrá que enfrentar dificultades a lo largo de nuestro recorrido, eso significa que hay que alegrarse, porque “estamos vivos”, pero ¿cómo manejarlas?
Cuando serenamente empiezas a reconocer y a identificar cuáles son las que te están afectando, podrás encontrarle su debida solución.
Muchas veces creemos que nunca vamos a superarlas, si se puede, sólo piensa adecuadamente, asume con responsabilidad el reto y convéncete que eres capaz de enfrentarlas.
Cree poderosamente en ti y en tu capacidad, para que la fe que guardas en tu ser sea capaz de movilizar todas las fuerzas de tu interior y así logres encontrar soluciones concretas.
Recuerda que las mejores cosas se derivan de las adversidades, por eso siempre es aconsejable que exteriorices todas tus ideas y todo lo que guardes en tu ser, para que puedas vivir en sosiego, siendo un ser completamente realizado.
Recuerda que vivir agobiados y turbados no causará más que desestabilizar y enfermar nuestro organismo.
Es necesario que reduzcas las cargas y tensiones que te producen los elementos externos de los cuales no podemos tener control.
Estudia tu interior buscando siempre vivir desde la paz y la tranquilidad.
Trata siempre de esquivar todo lo que perturbe tu serenidad y lo que ensombrezca tus días.
Confía en el poder que tienes de transformar lo que te cause daño, en armonía y quietud, para que puedas transitar serenamente el camino reservado.
Recuerda que la vida es muy frágil y guarda misterios insospechables, por eso vive con intensidad cada día, porque es un regalo divino.
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Orlanda Torres. Nacida en Guayaquil – Ecuador
-Estudios en Miami Dade College – 2006 (Certificado de Child Development Associate Equivalency)
-Estudios en Atlantic International University – Hawai. 2017- (Bachelor of Science Psychology)
Obra realizada: Autora de los libros: “Volando en Solitario” 2015 – Guayaquil, Ecuador
“Los símbolos del amanecer” 2020 - USA
Publicaciones:
Revista Sapo – Santiago de Chile – 2016
-La Estancia en el Paraíso de los Sueños
-Relación de Pareja y su gran Desafío
-Es la Felicidad una Elección
-Ser Mujer
Revista Digital
Zafiro Magazine (temas mensuales)
Entrevistas en Radio – Miami, Florida
-Positivo Extremo Radio: Entrevista 123 Teconte “Regreso a Clases y La Adolescencia”
-La Meca Radio: Obra literaria “Volando en Solitario”
Escribe semanalmente en el blog: Gaspar, El Lugareño de Joaquín Estrada - Montalván
-Conductora del programa radial “TIEMPO DE VIVIR “a través de Latino Radio TV Oficial
Conferencias realizadas:
-¿Cómo aprender a ser feliz?- Guayaquil, Ecuador- 2018
-La Inteligencia Emocional en la Relación de Pareja, Guayaquil, Ecuador- 2018
La Influencia de la tecnología en las Relaciones Familiares, Guayaquil, Ecuador- 2019
-Florida National University – Podcast – Un día con Bereshit la silla VIP – Sobre la obra » Volando en Solitario»
-Florida National University- Cómo aprender a ser feliz? Un día con Bereshit
-Entrevista en el programa SI SE PUEDE con Julissa Avendaño - Ser feliz a pesar de los obstáculos
-Entrevista en el programa SABER QUE SE PUEDE con Raysa López sobre mi Obra literaria “Volando en Solitario “
Participación en Eventos:
-Panelista en los Foros literarios “Books and Books”- Coral Gables
-Participación en el Primer Encuentro de Escritores «Misión Gratitud» – Barnes & Noble
-Participación en el Hispanic Heritage Book Fair, Miami – Mi libro Hispano – 2019
-Participación en la 4ta Feria Mi libro Hispano por la Editorial Voces de hoy
- Participación en la 38 edición de la Feria Internacional del Libro de Miami en Wolfson Campus del Miami Dade College
Administradora:
-Programa AMO
Asistencia- Motivación y Orientación
Un programa que facilita ayuda Integral de forma individual y grupal para mejorar la calidad de vida hacia un camino de bienestar y prosperidad y devolverle al ser humano la esperanza y la motivación por la vida y ser feliz
Un año más, los cada vez menos escenarios que van quedando en nuestra ciudad, para permitir la expansión del movimiento teatral hispano, abrieron sus puertas para dar paso a la XXXVIII edición del Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami (FITHM), el cual para esta ocasión está contando con la participación de de teatristas de Argentina, Ecuador, España, Estados Unidos, México, Puerto Rico, Uruguay y Venezuela, sobresaliendo la delegación española con cuatro agrupaciones artísticas.
Precisamente durante la primera semana del evento que corrió entre los días 11, 12, 13 y 14 de julio, subieron a escena tres espectáculos, dos procedentes de esta última nacionalidad: “Órgia” -con acento en la “ó”, palabra proveniente del griego y que significa ‘ritos, misterios’, refiriéndose de igual manera a bacanales pero que de ninguna manera tenían que ver con sexo, sino con estados danzantes en frenesí religioso o místico- a cargo de la agrupación sevillana La Rara, siendo la segunda propuesta, “Alan”, la cual llegó de la mano de la compañía barcelonesa Wecolormusic, mientras que proveniente del Ecuador, se presentó “Bruma”, un trabajo a cargo del grupo Teatro del Cielo, radicado en la ciudad de Guayaquil.
Acerca de “Órgia”, obra que se presentó en el escenario del Westchester Cultural Arts Center, es resultado de un trabajo de investigación, llevado a cabo por Julia Moyano y Rocío Hoces, sobre la situación en que vivían pacientes de un conocido psiquiátrico alrededor de la década de los ochenta del pasado siglo, administrado por monjas -o manicomio como también eran llamados- el Miraflores, situado en la ciudad de Sevilla, que para la década de los noventa, mediante una nueva ley de sanidad, fuera anexado como unidad al Hospital Macarena. Este trabajo ha recibido algunos reconocimientos, como el Premio Lorca Revelación Ex-Aqueo 2024 y una Mención Especial del jurado en la Feria de Teatro y Danza Palma del Rio 2023.
La información colectada llega a su manos a partir de testimonios de trabajadoras sociales que estuvieron presentes en los últimos años de existencia del lugar, quienes tuvieron a bien compartir sus experiencias de trabajo dentro del mismo.
Bajo esta condicionante, la temática del montaje se presentaría como un asunto de interés general, si no fuera por su desvío hacia una marcada línea argumental feminista, haciendo incapié solamente en aquellas mujeres que eran encerradas en dichos terribles centros, no producto de verdaderos padecimientos mentales, sino debido al rechazo de sus respectivas familias, por determinados comportamientos o intereses, que para estás últimas resultaban inapropiados o de algún provecho.
Resulta sin duda algo maniqueo tomar este tema y hacer dicha disección del mismo, puntualizando hacia una sola dirección, como sufrimiento solo padecido por mujeres, pues a hospitales psiquiátricos de igual manera, han ido a parar encerrados, hombres que por diversos motivos les eran incómodos también no solo a sus familias, sino a autoridades políticas, ejemplos de este tipo que muy bien se han dado a conocer salidos tanto de abundantes casos de la antigua comunidad socialista del este europeo, como de la Cuba actual o de otros tipos de regímenes policiales que han existido y existen alrededor del mundo.
Si bien queda claro que seleccionar el padecimiento femenino resulta siempre mucho más convincente y emotivo al momento de establecer un discurso denunciante de este tipo, resulta que al mismo tiempo, mirándolo desde una perspectiva de ‘mayor inclusividad’ -como es requerido en estos tiempos- tal denuncia toma un cariz marcadamente ideológico, alejándose del mensaje realmente humano que debiera encerrar, ya al final tanto mujeres como hombres somos seres humanos igualmente sometidos a maltratos y horrores, de acuerdo a la posición que cada uno tenemos dentro de las sociedades.
Con respecto al desempeño de las actrices en escena, no hay en realidad mucho que decir pues la concepción dramatúrgica de dicha propuesta se mueve principalmente por la ‘narración’ y no sobre la ‘interpretación’, abusando del rompimiento de la llamada ‘cuarta pared’ para decir sus textos de cara a los espectadores, por lo que la obra anda preferentemente por un escenario discursivo. Mucho y constante movimiento de las intérpretes de un lado al otro del escenario en busca de una justificación espacial que nunca llega, completa el trabajo de las cinco actrices.
En cuanto a la puesta en escena, conformada además de por Moyano y Heces, también por Cristina Almazán, Eloisa Cantón y Eva Gallego, la misma se convierte en ese rito que anuncia el título de la obra, donde las actrices comparten a la vez la incorporación sobre las tablas, tanto de las testimoniantes como las de las pacientes, transitando su trabajo en escena desde un desordenada naturalidad con el que se inicia, hacia un estado de enajenación orgiástico -en el sentido de la palabra griega- incluido un totalmente innecesario desnudo colectivo, el que no aporta nada al discurso dramático, para finalizar de nuevo vestidas y con toque de castañuelas incluido, en un lastimero y confuso jolgorio.
La propuesta se completa con proyecciones y un trabajo de sonidos, dirigido por una de las propias actrices -que constantemente toma y abandona su trabajo escénico incoherentemente- desde una mesa colocada a un extremo del escenario, enrareciendo la imagen estética de la misma, así como una percha con ropa que vestirán -después del citado desnudo colectivo- las actrices hacia el final de la obra.
Sin dudas, “Órgia” -con acento en la ó- es de esos espectáculos que llegan a los festivales teatrales de todo el mundo, con más preocupación por epatar a través de determinados mensajes, que preocupadas por sumarle a ello alguna calidad artística de interés, que pueda persistir en el tiempo, que para eso son las obras de arte.
La segunda obra venida desde tierras españolas al festival, que subió a escena en el Carnival Studio Theater, en el Adrienne Arsht Center for the Performing Arts, resultó ser “Alan”, otro trabajo basado nuevamente en hechos reales, acontecidos en la ciudad barcelonesa de Rubi, donde un joven transgénero llamado Alan Montoliu, tomara la penosa decisión de quitarse la vida ante la presión social padecida frente a su paso en la vida. La dramaturgia de la obra corre a cargo de Mar Puig y Mateu Paramiquel, contando con la dirección a tres manos entre los dos anteriores y Cisco Cruz, teniendo como elenco a Andrés Mataró (actor trans en la vida real, asumiendo el rol de Alan), Patricia Paisal (madre), Joan Vázquez (abuelo, profesor, trabajador público, psiquiatra) y la muy joven Vinyet Morral (Mia). Además la puesta presenta música en vivo interpretada sobre el escenario por Danko Compta y el propio Paramiquel, también su director musical.
Como se desprende, estamos en presencia de un teatro musical, género diverso que no solo debe remitirnos a los grandes musicales estilo Broadway, trabajo que esta agrupación, Wecolormusic, encargada de producir espectáculos escénicos y musicales, producto a la formación y experiencia de sus creadores -Puig y Paramiquel- tiene a bien llevar a cabo, para por medio de la música canalizar igualmente las emociones de las historias que se proponen contar, siempre salidas de hechos reales y cotidianos.
El escenario que se presenta ante el espectador asume el interior de la casa de Alan, donde habita junto a su madre, recibiendo frecuentemente la visita de su abuelo y en la cual se hace latente la presencia de una niña, quien en los inicios, podría llevar al público la idea de ser la hermana del protagonista, pero que una vez que va transcurriendo la acción -posiblemente solo el espectador más avezado comprenderá que dicha presencia en el escenario nos remite a la niñez de Mia -nombre de nacimiento del actual Alan antes de su conversión genérica- solución la cual que aunque interesante no queda resuelta con total claridad, siendo algo más confusa aún hacia el final de la obra, donde el cierre no logra concretarse. Es necesario destacar que los autores de esta pieza no tuvieron por premisa hacer un drama sobre las tablas, sino lanzar un mensaje de alerta ante una penosa situación de nuestra cotidianidad, permeada de la suavidad y calidez que solo la música puede ofrecer, lo que sin duda es de agradecer.
En cuanto al trabajo de los cuatro actores, el mismo se desenvuelve con desenfado, de manera orgánica y creíble, ofreciéndole la vida que exige a cada uno de sus personajes, lo que en el caso del personaje protagónico, va a estar integrada a las vivencias propias del actor, quien a pesar de estar cursando aún sus estudios artísticos, incorpora un buen desenvolvimiento escénico, así como un agradable trabajo musical con su voz. Hay que destacar particularmente a la muy joven Vinyet Morral, que con tan solo 13 años y una corta pero ya firme carrera en el teatro musical, destaca por su frescura, dinamismo e incorporación de su ambiguo y difícil personaje de Mia niña, con el cual logra una de las escenas de mayor intensidad de la pieza, agregándole a ello el control vocal y buena dicción al interpretar sus números cantados.
En el importante rol de la madre, Patricia Paisal, artista con una solida trayectoria en este exigente género teatral, muestra con su interpretación de manera clara, el amor y comprensión que su personaje está encargado de ofrecer. Su trabajo vocal resulta sin duda el de mayor relevancia, tanto en su color como en proyección, producto de su ya consolidada carrera, donde ha tenido oportunidad de trabajar en diversos y conocidos musicales tales como Mamma Mia!, Sister Act, Billy Elliot, Los Miserables, entre otros muchos.
Por último Joan Vázquez, quien tiene la tarea como ya señaláramos, de incorporar a varios personajes incidentales, asume dichas personalizaciones mediante sencillos elementos de diferenciación, sin caer en fuertes caracterizaciones, pero logrando individualizar a cada uno de ellos. Este, quien es no solo un talentoso y reconocido actor de teatro musical, sino además un excelente pianista, compositor e intérprete, se ha convertido en el primer artista español de dicho género, en trabajar en escenarios del Broadway neoyorquino y el West End londinense con sus propios espectáculos, presentándose por supuesto en diversos teatros de Barcelona y Madrid. De igual manera sus discografía arropa tanto coplas clásicas -Coplas por Ocaña, del musical Ocaña, reina de las Ramblas- como piezas del jazz más vintage, en su álbum Feeling Good .
Para el final hemos querido dejar una apreciación que nos resultara poco favorable con respecto el trabajo de composición y estructura musical de la banda sonora que componen las piezas interpretadas en esta obra, las cuales nos resultaron demasiados similares armónicamente, careciendo de caracterización para las diferentes piezas interpretadas, creando cierta monotonía , que por momentos hacía difícil identificar unas de las otras, amen del demasiado fuerte sonido del set de percusión que dejaba en segundo plano casi permanentemente el necesario trabajo del teclado.
“Alan, el musical” nombre con el que también ha subido a los escenarios, es una obra embarcada en traer temas actuales a las tablas y lo hace no desde el drama, que de por sí cuenta la historia, sino desde la reflexión los valores y esperanzas de nuevas posturas ante la vida, temas estos que en ya demasiadas oportunidades, sin embargo se están convirtiendo en mensajeros de extremistas apologías hacia nuevas ideologías no siempre correctamente enfocadas, pero que por suerte en esta oportunidad se nos presenta como un concienzudo trabajo de búsqueda artística a la vez que de reclamo humano. La obra ha sido reconocida con el Premio Teatre Barcelona 2023 al Mejor Espectáculo familiar y el Premi Talent 2024 en la categoría de artes escénicas.
Como tercera opción teatral de la primera semana del FITHM, se pudo disfrutar en el Koubek Center Theatre, el espectáculo “Bruma” de Teatro del Cielo, que como ya señalamos, llegara desde Ecuador con esta propuesta con un ya largo recorrido desde su estreno ocurrido durante el 2011, en el Teatro Popular de Medellín y que ha visitado más de quince países, con dramaturgia y dirección a cargo de Martín Peña Vázquez, interpretada por este y la actriz Yanet Gómez. Ambos actores, él ecuatoriano y ella cubana, poseen una fuerte preparación en técnicas de teatro físico y pantomima, graduándose los dos en el prestigioso Theatre de L’ange Fou International School of Corporeal Mime en Londres, escuela fundada en París en 1984 por Steven Wasson y Corinne Soum, quienes fueran los últimos asistentes del conocido ‘Padre del Mimo moderno’ Etienne Decroux, centro que fuera un tiempo después relocalizado en la capital británica.
Partiendo de los conocimientos adquiridos, dichos artistas llevan a cabo su labor aprehendiendo elementos que extraen de las acciones, transformándolas en ideas y emociones, donde el ímpetu del ‘espíritu humano’ pueden convertirlas en acciones físicas. Con este teatro, la escritura del texto dramático va a encontrarse estrechamente entrelazada entre la acción y el movimiento, creando un difícil cuerpo expresivo, que trascienden los límites del quehacer escénico convencional, mostrando un lenguaje supuestamente nuevo, proponiendo olvidar -intencionalmente o no- que fue el movimiento del cuerpo y las acciones físicas, las que dieron inicio al surgimiento de lo que hoy todos conocemos como TEATRO.
Indiscutiblemente, estos dos actores, bien entrenados, conocen el camino, dominan su quehacer y muestran plena seguridad en su proyección sobre el escenario, lo que para las tablas de esta ciudad donde tal estilo de trabajo está ausente de la totalidad de los escenarios, llega como un extraño descubrimiento para nuestro bastante escaso público teatral, incluido aquel más asiduo a disfrutar esta manifestación artística. La presencia de dicha agrupación teatral ofrece la oportunidad de disfrutar del amplio diapasón de estilos y técnicas teatrales que se mueven por los escenarios mundiales, lo que debiera servir de aliciente a los teatristas de este centro multicultural, que ha resultado ser Miami, para aumentar su conocimiento y preparación profesional.
Como resumen, la primera semana de esta nueva edición del Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami, como todo evento de este tipo, ha presentado puestas en escenas de variados estilos, con diversos lenguajes y desiguales niveles de interés técnico-artístico, trayendo como resultado de igual forma el plural nivel de aceptación de las mismas, sin duda como tiene que ser. Continuemos disfrutando de lo que queda por llegar en este corto tiempo de internacional muestra teatral.
Como es ya habitual desde hace más de dos décadas, Arca Images, ha venido de la mano de Alexa Kuve desafiando el ambiente teatral de Miami, sumando su amor por el teatro al de otros que cada día ponen todo su empeño en entregar al público propuestas artísticas que justifiquen tal esfuerzo y que resulten del agrado de aquellos que a pesar de los avatares de la vida cotidiana, buscan en el teatro no solo ocio, sino disfrute y aprendizaje.
Es por ello, que nuevamente y a pesar de tiempos algo borrascosos para la cultura -o es que siempre lo han sido- esta institución anuncia un próximo estreno mundial, el cual subirá a las tablas los próximos días 1, 2, 3, 4, 8, 9, 10 y 11 de agosto. Nos referimos a la obra “Papier Marché”, la cual cuenta con dramaturgia y dirección de Carlos Celdrán, teatrista cubano acentado en España, de quien los escenarios de esta ciudad han presentado otras de sus puestas.
En esta oportunidad, el autor ha tomado para construir su trabajo la vida de una importante artista de las artes plásticas cubana, Antonia Eiriz, quien a pesar de haberse convertido por derecho propio, en una figura imprescindible del arte cubano por su singular y diferente estilo de sus obras, sus exposiciones, sus premios internacionales y su osadía temática, fue denostada por la autoridades castrenses de una sociedad donde la libertad de creación quedaba sometida a los rigores y caprichos de los discursos políticos.
La obra teatral no pretende ser un recorrido a través de la vida de la artista que se viera obligada a buscar paz e inspiración en estas tierras, ni reproducir reales anécdotas o sucesos, sino crear a partir de la escasa información que sobre su vida ha llegado hasta nuestros días, un mundo de propuestas, de intentos de aclarar, de reconstruir aquellos eventos y causas que conformaron la terrible censura y el autoexilio de la artista.
Un elenco formado por Zulema Clares, Ariel Texidó, Rosalinda Rodríguez, Andy Barbosa y Guillerma Cabré, propone el recorrido por esta obra, donde el teatro dialogará con el caprichoso mundo de la plástica, en su búsqueda por descorrer los secretos de una obra y una vida atrapada en una vergonzosa realidad social.
Con funciones los jueves, viernes y sábado a las 8:30 pm y domingos a las 3;00 pm, la entrada general a $35.00 y para mayores de 65 años, estudiantes y grupos de diez o más personas en $30.00, el escenario del Westchester Cultural Arts Center, en el 7930 SW, 40th St., Miami 33165, teléfono 305 226 0030, los espera.
La Iglesia Católica celebra el 26 de julio la festividad de San Joaquín y Santa Ana. Estos dos santos fueron los padres de la Virgen María y por lo tanto los abuelos de Jesús. Por esta razón, se dedica el 26 de julio a los abuelos.
Con menos glamour y prestancia que el habanero, más antiguo y conocido, el Hotel Ambos Mundos de Camagüey también tenía lo suyo. Ubicado en la céntrica calle de la República, en la esquina con la calle Francisquito, el inmueble que data de 1912, luce hoy su estado más deplorable; lejanos ya los días en que fuera un digno destino para los que fueron sus huéspedes de antaño.
Poco o nada sabemos de aquellos desempeños hoteleros y de “restauración”; lo cierto es que ocupaba un lugar bien visible en las coordenadas de la ciudad de los años 20’s y 30’s del ya pasado siglo XX.
Hemingway no lo conoció en su visita a la ciudad en la década del 40, claro está, que para entonces el Gran Hotel se robaba el show, y aunque se haya especulado con que el famoso escritor pernoctara en el último aquella vez, no hay evidencias que lo respalden. Quizás le hubiera llamado la atención, si hubiera remontado la calle República, algo que tampoco parece que hiciera en aquella furtiva visita de paso, de camino al Central Santa Marta, propiedad de su amigo Mayito García Menocal, acaso por aquello de que hubiera sido el Ambos Mundos habanero el sitio escogido para sus estancias de la década del 30 antes de que comprara su famosa Finca Vigía.
Justo por su frente existía otro hotel conocido: El París, hoy devenido, como hasta hace unos años el propio Ambos Mundos, habitáculo para numerosas familias en lo que es actual su segunda planta. En los bajos conocimos de pequeños la cafetería homónima, muy popular y frecuentada donde se expendían entre otros delicatesen, el ya hoy prohibitivo Helado Coppelia de 12 porcientos de grasa, una “crema” super especial que sólo hoy es adquirible en precios dolarizados, o que en su mayoría se exporta (que dicen los que saben que hasta la Reina Isabel II gusta paladearla), ¡o tempora, o mores!
El Ambos Mundos competía en sus tiempos con el rival más cercano, pero igualmente con el resto de los otros hoteles, que se acomodaban a lo largo de la céntrica calle República a saber: El Centro Gallego, el Luz, el Saratoga y el Colón, los tres primeros ya igualmente inexistentes, aunque desconocemos cuál era su ubicación exacta, y el tercero todavía en activo y localizable en el número 163 de la susodicha calle.
De todos estos sitios de alojamiento tenemos oportuna mención en una especie de guía promocional y comercial de la ciudad bajo con el título Camagüey, la provincia heroica y legendaria, editado en el año 1931 por la Cuba Atlas Company. En la ciudad de entonces se contaban más de una veintena de hoteles, repartidos por toda la ciudad, entre aquellos los de más porte como el antiguo Camagüey, el Plaza y el Isla de Cuba.
Del Ambos Mundos, sobrevive sólo el recuerdo. El edificio habitado sólo en su planta baja, donde se apiñan hoy día “timbiriches” de cuenta- propistas, amenaza ruina. La segunda planta luce los descorchados que el tiempo le ha propinado. Nada nos habla allí de aquellos tiempos en que todavía fuera un lugar de estancia para los huéspedes foráneos que visitaban la ciudad. Como para el resto de aquellos sus “competidores de rigor”, el tiempo, y otras hierbas de la familia de la desidia, han hecho valer su signo de perpetuo desbrozador y le ha ajustado las cuentas para siempre.
Listamos para el curioso lector los que hoy ya no existen: América, Centro Alemán, Dalmau, España, Ferroviario, La Gran Vía, Habana, Inglaterra, Internacional, New York, Sevilla y Telégrafo
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