Monday, December 9, 2024

In Memoriam. Vladimir Shklyarov, el príncipe del ballet ruso: un genio de la danza del siglo XXI. (por Mayumi Sakamoto. Editado por Baltasar Santiago Martín)

Vladimir Shklyarov como Albert en Giselle
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Hablar de Vladimir Shklyarov es hablar de un artista completo en todo el sentido de la palabra.

El ballet es un arte por el cual, a través de los movimientos, la interpretación y la calidad histriónica, el bailarín transmite a través de su cuerpo el contexto de la coreografía hasta conmover al espectador. Y Vladimir era uno de esos artistas, que con solo su presencia y espíritu llenaba todo el espacio del escenario –y el auditorio– de una energía explosiva, de un carisma y una belleza indescriptible.

A través de los tiempos hemos observado que los genios de la danza nacen una vez por década en el tiempo, y en la actualidad se considera a Vladimir Shklyarov entre los grandes genios de la danza mundial, como Vaslav Nijinsky, Rudolf Nureyev, Mikhail Barishnikov y Alexander Godunov.

La naturaleza lo dotó generosamente de habilidades profesionales, y como estudiante de la Academia Vagánova, mostró los rasgos principales de su carácter: masculinidad, paciencia y pasión por la danza... Un increíble deseo de bailar lo llevó a la forma más alta, casi desde el primer año, para convertirse en un artista destacado del escenario del Teatro Mariinsky y ser reconocido con el título de “Artista honorable de Rusia”.

Las clases diarias, los ensayos, los espectáculos y –además, en sus horas libres– trabajando los detalles y pensando en cada rol, en cada personaje, todo ello dio como resultado una técnica impecable y virtuosa: facilidad en los saltos, destreza en los giros, un refinado movimiento de piernas y suaves manos como complemento. La interpretación reflexiva y creíble del personaje, su expresividad emocional, musicalidad y encanto hicieron de Shklyarov el favorito y amado del público.

Sergei Berezhnoy, Yuri Fateev y Vladimir Kim, sus maestros en el Teatro Mariinsky, lograron una fructífera colaboración que ayudaron al joven artista a estabilizarse en el escenario y encontrar su propia individualidad a través del análisis meticuloso de cada actuación.

Durante sus dos décadas en el escenario, Vladimir Shklyarov tuvo la suerte de interpretar más de 40 ballets y números de conciertos, cada uno de los cuales enriqueció su estilo interpretativo y pulió su individualidad.

El repertorio de Vladimir Shklyarov incluyó numerosos príncipes de los cuentos de hadas de los grandes clásicos; héroes románticos muy apropiados a su elegante apariencia, como su Príncipe Desirée, el romántico Sigfrido, el cariñoso Albert, James, Jean de Brienne, el Conde, Romeo, entre otros.

Su Príncipe Desirée, de La bella durmiente, de estilo refinado, preciso en las poses, grácil, con ciertas referencias a la época de Luis XIV, resultó ideal para el joven artista, en que la organicicidad de sus movimientos y su hermosa imagen determinaron su posición como príncipe por antonomasia, del mismo modo que su Albrecht. en Giselle, es un indudable éxito creativo del artista ya maduro, donde la parte dramáticamente intensa reveló el rico potencial de su talento actoral.

Su profesionalismo en los pas de deux lo convirtieron en el partner por excelencia de las bailarinas con quienes bailó. Tuvo la oportunidad de bailar con bailarinas de excepcional talento, como Diana Vishneva, Ulyana Lopatkina, Victoria Tereshkina, Natalya Osipova, Olesya Novikova, Alina Somova, Ekaterina Kondaurova, entre otras.

Entre uno de sus grandes éxitos, gracias a su talento artístico interpretativo, recordamos su apariencia como un joven encantador –como correspondía a sus personajes–, especialmente en Romeo y Julieta, junto a Diana Vishneva, donde cautivaron a la audiencia mundial, complementándose mutuamente.

La prensa nacional e internacional lo llamó “el príncipe del ballet ruso”, aunque su deseo infatigable fue bailar no solo los grandes roles del repertorio clásico, sino también irrumpir en el mundo de las coreografías modernas.

El destino le brindó una generosa oportunidad en el Covent Garden de Londres, junto con Natalya Osipova: interpretar Des Grieux en el ballet Manon, de Kenneth MacMillan, en el que la bailarina de temperamento incontenible y expresiva en los dúos, nos hizo mirar con nuevos ojos la colaboración de estos dos insuperables artistas.. Su encantador De Grieux, inquebrantable, decidido, lleno de pasión y ferozmente enamorado, cautivó incluso al público inglés más remilgado.

Durante sus dos temporadas en Bayerischer Ballet de Munich tuvo además la oportunidad de hacer realidad un sueño: Spartacus, junto con Sergei Polunin (Craso; cuyo marco musical y coreográfico complejo, que requería resistencia y ciertas características externas, parecía un personaje inapropiado para Shklyarov. Y entonces ocurrió una metamorfosis: el joven de los roles de príncipes irrumpió en escena como un verdadero líder de esclavos y gladiadores, un guerrero brutal que lucha desesperadamente contra sus oponentes.

Trabajar conjuntamente en los Teatros Mariinsky y Bayerischer Staasballetts, sus numerosas giras, galas e invitaciones para actuar por todo el mundo, así como cientos de entrevistas y el reconocimiento de una audiencia global lo hicieron un bailarín del mundo.

Y por cosas también del destino, su última y triunfal Gran Gala internacional fue en Santo Domingo, República Dominicana, en el Teatro Nacional Eduardo Brito, el 23 de agosto del 2024.

Él estaba muy emocionado por poder brindar al público dominicano todo su arte: “Voy a dejar un pedacito de mi espíritu en este escenario, este es mi regalo”, recalcó. Y así fue, el auditorio retumbó con los interminables aplausos.

Vladimir Shklyarov, premier del Teatro Mariinski, “el Príncipe del ballet ruso”, fue el corazón de esta gran e histórica gira junto a otros importantes bailarines rusos, los cuales en estos momentos le dedican cada día en su honor sus espectáculos: Evgeny Konovalov, Maria Khoreva, Anastasia Smirnova, Anastasia Limenko, Mikhail Makar, Artem Ovcharenko, Valeria Kuznetsova, Ksenya Shevtsova, Anna Tikhomirova.
El teatro Mariinsky mantiene un rotundo santo silencio por la magnitud de la pérdida y el dolor que sienten todos. 
En el verano del 2024 recibimos en el Teatro Nacional de Santo Domingo, República Dominicana, a un grupo de artistas estelares de las principales compañías de Ballet de Rusia, traídos al país por la directora artística del Tour, la dominico –japonesa- rusa Mayumi Sakamoto. Recordamos con admiración a Shklyarov por su entrega en la escena, su pasión en caracterizar los personajes que le tocaron interpretar y su cuidado y esmero en el partening con sus bailarinas, siempre atento a lucirlas. Su presencia y su fuerza en la escena mostraban su pasión y experiencia como artista de la danza.
Carlos Veitia, Director del Teatro Nacional Eduardo Brito.

 

Vladimir Shklyarov: tuve el honor de trabajar con él durante el montaje de recuperación coreográfica del ballet La hija del Faraón, en el Teatro Mariinsky con Toni Candeloro. Me acuerdo bien de los ensayos. En escena Vladimir se transformaba, se entregaba plenamente a su arte. Tengo una memoria viva de su interpretación como Ta-Hor en el primer acto. ¡Como corría de inquietud persiguiendo a las cazadoras y a su querida Aspiccia! Era una persona llena de vitalidad y energía. Tenía un arte muy especial y hacía notar que disfrutaba muchísimo en escena. Como artista estaba siempre muy abierto a sugerencias y recomendaciones por mi parte. Solo tengo palabras de agradecimiento. Que encuentre paz eternamente. 
Juan Bockamp. Coreólogo, especialista en notaciones Stepanov, Madrid. 
 
Conocí a Volodya cuando trabajaba en el Teatro Mariinsky; él siempre fue un artista brillante y sonriente. ¡Solo tengo buenos recuerdos de él! Nos reuníamos a menudo en conciertos y proyectos de gala, manteníamos una conversación agradable y bromeábamos. ¡Siempre apoyó a todos los artistas durante la actuación y también los cargó con su energía! Volodya Shklyarov es igual que decir persona de arte, ¡un verdadero artista! ¡Permanecerá para siempre en la historia del ballet y en nuestros corazones!. 
Anastasia Smirnova. Primera solista del Teatro Stanislavsky Nemirovich y Dachenko, Moscú, Rusia.

Vladimir emanaba esa energía que hipnotizaba, enamoraba. Su presencia era explosiva y al mismo tiempo tierna. Tenía un físico perfecto para la danza. Los roles clásicos románticos eran hechos para él, no se podía imaginar que también podría interpretar los roles heroicos tan perfectos como los románticos. Fue un bailarín completo; era como un camaleón en cada uno de sus roles, penetraba en él, lo vivía en su propia piel y alma, ya no era Vladimir Shklyarov, se transformaba en ese personaje, y lo daba todo. Era el perfecto Príncipe noble, el perfecto guerrero de Espartaco, el alegre Iván, el trágico Petrushka, el apasionado esclavo en Scheherezada, el enérgico y técnico Basilio, el romántico James, el académico en Paquita, sin dejar atrás el ballet contemporáneo; ¡era un Artista! Un artista inteligente, caballeroso, carismático, apasionado, curioso y siempre en búsqueda de superación para no defraudar a su público y así mismo.

Su último espectáculo en el Teatro Mariinsky fue Scheherezada junto a la prima ballerina Ekaterina Kondaurova, el 24 de octubre del 2024.

"Se quiere llegar muy alto, sabemos que se puede despegar muy rápido, pero permanecer ahí, en la altura, es muy difícil. Y cuánto tiempo se le concede a cada uno –quince años, veinte (en el mejor de los casos) –; no necesitas pensar en ello (…)." Vladimir Shklyarov (entrevista en 2009)
Y con esta significativa frase partió de este mundo, dejando su legado e inspirando a las nuevas generaciones con su arte. Un genio de la danza con una sonrisa infantil, un espíritu inquieto, pero de un alma muy sensible.
Mayumi Sakamoto. Maestra, Investigadora en historia del Arte. Mikhailovsky Teatro, San Petersburgo.
Vladimir Shklyarov como 
Solor en La Bayadere.
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Con la prima ballerina Victoria Tereshkina, en los saludos finales del ballet Giselle.
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En el ballet Margarite and Armand
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En el pas de deux del ballet Don Quijote,
 con la prima ballerina Olesia Novikova.
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De izquierda a derecha: Vladimir Shklyarov, Ksenia Shevtsova, Anastasia Limenko, Evgeny Konovalov, Mayumi Sakamoto (directora artística), César Suárez (productor), Carlos Veitía (director del Teatro Nacional), Artem Ovcharenko, Anna Tikhomirova, Anastasia Smirnova, Makar Mikhalkin y Valeria Kuznetsova, el 23 de agosto de 2024. Foto: cortesía de Carlos Veitía.
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Último momento con Vladimir Shklyarov al finalizar la gira en República Dominicana. De izquierda a derecha: Artem Ovcharenko, Anastasia Limenko, Vladimir Shklyarov, Mayumi Sakamoto, Evgeny Konovalov y Anna Tikhomirova. Santo Domingo, Hotel Sheraton, 25 de agosto de 2024. Foto: cortesía de Mayumi Sakamoto.
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Fotos: Cortesía de Sila Avvakum.

Sunday, December 8, 2024

Ballet "Jeux" (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.


Esta obra fue la segunda coreografía que realizó Vaslav Nijinsky para la compañía del empresario Serguei Diaghilev, los Ballet Russes (la primera había sido “Preludio para la siesta de un fauno”, en 1912). “Jeux” se estrenó en París el 15 de mayo de 1913, en el Théâtre des Champs Elysées. Los intérpretes fueron Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky y Ludmilla Schollar. La música fue especialmente compuesta por Claude Debussy quien inicialmente se opuso, pero luego reconsideró el encargo cuando Diaghilev duplicó la tarifa (Debussy estaba atravesando grandes problemas económicos). La escenografía y el vestuario fueron diseñados por Léon Bakst.

El ballet “Jeux” fue descrito como un "poema bailado" ("poème dansé") y el argumento fue escrito por el propio Nijinsky. El programa de mano entregado en el día del estreno, describía a esta breve obra así:
La escena es un jardín al anochecer; se ha perdido una pelota de tenis; tres jóvenes (un varón y dos mujeres) la están buscando. La luz artificial de las grandes lámparas eléctricas que arrojan fantásticos rayos a su alrededor sugiere la idea de juegos infantiles: juegan al escondite, se intentan atrapar, se pelean, se enfadan sin causa. La noche es cálida, el cielo está bañado por una luz pálida; ellos se abrazan. El hechizo se rompe con otra pelota de tenis lanzada con picardía por una mano desconocida. Sorprendidos y alarmados, los jóvenes desaparecen en las profundidades nocturnas del jardín.
Sin embargo, según cuenta el propio Nijinsky en sus diarios, la obra muestra la vida tal como la soñaba Diaghilev: él quería amar a dos muchachos al mismo tiempo y que ellos lo amen a él también. A pesar que Diaghilev insistía con la idea, Nijinsky decidió cambiar el género de los personajes porque no podía poner en escena un triángulo amoroso entre tres hombres, entonces el muchacho representa al empresario y las dos jóvenes, en realidad, son los dos muchachos enamorados.


Con este ballet, Nijinsky se transforma en el primer coreógrafo en introducir en el ballet un tema, un diseño escenográfico y de vestuario contemporáneos. Toda la idea está basada en un partido de tenis, incorporando movimientos típicos de este deporte e, incluso pelotas y raqueta.



En su momento, la obra no fue bien recibida (tuvo solo 5 representaciones) y pronto fue eclipsada por “La consagración de la primavera”, también con coreografía de Nijinsky y música, en este caso, de I. Stravinsky, que fue estrenada dos semanas después por la compañía de Diaghilev. Esto no asustó a Jean Börlin quien en 1920 realizó una versión para los Ballet Suédois. Luego siguieron las versiones de William Dollar (Ballet Theatre, 1950), Peter Darrell (Western Theatre Ballet, 1963), John Taras (New York City Ballet, 1966), Flemming Flindt (Ballet de la Ópera de París, 1973) y, finalmente, Toer Van Schayk (Deutch National Ballet, 1977). En 1996 la obra fue reconstruida por la dupla Millicent Hodson y Kenneth Archer para ser representada en la ciudad de Verona.






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Ver en el blog



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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". Email: florenciagu@gmail.com

Love is knowing we can be ... (John Lennon)

Imagen/Lennon by Joel Jover
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Love
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Woman
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Stand by me

8 de diciembre: Inmaculada Concepción


El 8 de diciembre de 1854, el Papa Pío IX proclamó el dogma de la Inmaculada Concepción:
... declaramos, proclamamos y definimos que la doctrina que sostiene que la beatísima Virgen María fue preservada inmune de toda mancha de la culpa original en el primer instante de su concepción por singular gracia y privilegio de Dios omnipotente, en atención a los méritos de Cristo Jesús Salvador del género humano, está revelada por Dios y debe ser por tanto firme y constantemente creída por todos los fieles...
(Pío IX, Bula Ineffabilis Deus, 8 de diciembre de 1854)

Saturday, December 7, 2024

¿Quiénes somos? (por Orlanda Torres)

Nota del blog: Sección semanal en el blog Gaspar, El Lugareño, de la psicóloga Orlanda Torres, quien comparte con los lectores sus consejos y reflexiones sobre los conflictos cotidianos.


¿Qué es lo que pretendemos mostrar, pero a la misma vez es lo que carecemos?

Los seres humanos ocultan grandes secretos, culpas, rivalidades, soberbia en algunos casos no visibles.

Mientras, distraen su tiempo en redes sociales mostrando un mundo inexistente y ficticio, muchos muestran la mejor sonrisa, lugares paradisiacos y de ensueños, porque lo que más importa es estar vigente.

Todos publicamos nuestros proyectos, negocios, eventos en las redes sociales, es normal y hasta cierto punto necesario y vital, quiero exponerlo e indicarlo, porque todos necesitamos vender y tener nuestro medio para subsistir en la vida, pero cuando este procedimiento se produce de manera adictiva y desmedida al punto de convertirlo en el eje que predomina tu vida, se está entrando en una patología que a la larga destruye la psique del ser humano.

Los llamados “Youtuber” en la actualidad tienen una vida falsa, donde crean sus propias realidades pretendiendo tener millones de seguidores y esos seguidores son aquellos que de una u otra manera llegan a identificarse con su personaje favorito, pero quienes son en realidad estos personajes? ¿Qué vida tienen? Son personas que la mayoría tienen una gran carencia de afecto, grandes inseguridades, viviendo un mundo de ansiedades que les imposibilita tener una vida real y autentica.

Dentro de las redes sociales se esconde la tristeza, la depresión, la intolerancia, la hipocresía, infidelidades e infelicidad entre otros factores……

Detrás de estos aparatos y cuando se cierra el telón, es ahí cuando se desnuda una cruel realidad que está golpeando y lacerando a ese ser día a día.

Cuando este proceso se lleva al extremo y de manera desmedida, se pretende vender una imagen totalmente en desacorde con la realidad existencial.

En cierta forma se autoengañan y lo mismo hacen con los demás porque el hecho de querer ganar más audiencia y notoriedad se convierte en el eje principal de su vida.

Estos personales del TikTok entre otros, usan estos sofisticados engaños que obviamente no lo hacen de forma directa, pero haciéndolo así desean ocultar sus carencias de todo tipo, pero la más importante “la espiritual”.

No es necesario ocultarse detrás de las redes sociales, mientras más nos proyectamos en el fondo más necesitamos ser reconocidos.

Lo importante es saber usar estos aparatos y estas redes sociales, todos estamos inmersos en ellas, algunos ni la sabemos utilizar de forma adecuada y tenemos que buscar ayuda porque el mundo actual se activa a través de ellas.

Tenemos que seguir vendiendo nuestros productos y nuestro trabajo, nadie está exento de usar las redes, lo importante es hacerlo siendo más genuinos y reales.

Utilicemos las redes de forma natural y gradual, sin entrar en el uso excesivo y desmedido, para que no nos convierta en esclavos de estos aparatos que están adsorbiendo cada día la vida del ser humano.






 
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Orlanda Torres: Psicóloga, Escritora, Educadora, Orientadora Motivacional.

Autora de los libros: "Volando en Solitario" año 2015, Guayaquil - Ecuador. (Disponible en Amazon Kindle). "Los símbolos del Amanecer" (Editorial Voces de Hoy, 2020)

-Estudió en Miami Dade College: Certificate of Florida “Child Development Associate Equivalency”. Maestra de Educación Preescolar e Infantil en la ciudad de Miami.
-Licenciada en Psicología graduada en el 02/2017 - Atlantic International University.

-Orientadora Motivacional y Conferencias pueden contactar a Orlanda Torres a través de la página que administra www.fb.com/vivencialhoy

Publicaciones en Revista Sapo - Santiago de Chile – 2016
-La Estancia en el Paraíso de los Sueños
-Relación de Pareja y su gran Desafío
-Es la Felicidad una Elección

Conferencia en Radio - Miami, Florida
-Positivo Extremo Radio: Entrevista 123Teconte “Regreso a Clases y La Adolescencia”
-¿Como aprender a ser feliz?- Edificio Trade Building-.Innobis Coworking, Guayaquil - Ecuador
-La Inteligencia Emocional en la Relacion de Pareja- WENS Consulting Group, Guayaquil - Ecuador
Publicaciones en Revista Sapo - Santiago de Chile – 2018
- Ser Mujer
Administra:
Facebook.com: Orlanda Torres
Instagram: orlanda.torres.3

Friday, December 6, 2024

Entendiendo la fascinante Química del Enamoramiento (por Cecilia Alegría, La Dra. Amor)

Nota del blog: Espacio semanal de Cecilia Alegría, La Dra. Amor, dedicado al amor de pareja.



Dejemos al corazón de lado por un momento y reconozcamos que el enamoramiento es un proceso cerebral.

Los neurocientíficos consideran que el ser humano y su cerebro están preparados para enamorarse 7 veces en la vida. Enamorarse es una reacción biológica básica. Esa fuerte atracción por otra persona produce en el cerebro oxitocina, serotonina, dopamina, endorfinas y vasopresina.

En un estudio de la famosa antropóloga Helen Fisher, cuando los voluntarios veían a la persona amada, las partes de su cerebro relacionadas con la gratificación y el placer se encendían.

En las proporciones adecuadas, la dopamina -que sería la hormona más presente en el proceso- induce energía, entusiasmo, concentración y motivación para obtener recompensas. Por eso, cuando nos enamoramos, podemos pasar una noche en vela, ver un amanecer (en vez de dormir) o bajar esquiando por una pendiente que normalmente nos parecería demasiado arriesgada. El sentimiento amoroso nos hace intrépidos, brillantes y dispuestos a vivir aventuras.

Pero tal “burbuja de amor” tiende a desinflarse. Los estudios demuestran que ninguna pareja suele mantenerse en esa cumbre apasionada por más de 2 años y a algunos les dura solamente unos meses. Desde el punto de vista biológico, las razones que explican que el amor romántico se desvanezca pueden hallarse en el modo en que nuestro cerebro responde a las oleadas de dopamina que acompañan a la pasión, las que nos hacen “volar” (no en vano se dice que cuando estás enamorado(a) te sientes “en las nubes”).

Los consumidores de cocaína conocen el fenómeno de la tolerancia, por el cual el cerebro se adapta al suministro excesivo de droga. Quizá las neuronas se desensibilizan y necesitan cada vez más de esa misma sustancia para producir la misma subida. Eso podría explicar por qué hay personas que se vuelven adictas a la experiencia inicial de enamorarse que resulta tan excitante y energizante y duran, por ende, muy poco en cada relación.

Pensándolo bien, tal vez sea bueno que el romance se diluya. ¿Existirían avances científicos y tecnológicos si nos pasáramos la vida embelesados? En lugar de una civilización en permanente evolución sólo tendríamos flores, bombones y anticonceptivos. Si el estado químicamente alterado -inducido por el amor romántico- es equiparable a un trastorno mental o a la euforia inducida por las drogas, una exposición demasiado prolongada a la pasión amorosa podría producir daños psicológicos.

Desde el punto de vista fisiológico, casi toda pareja ha pasado de la pasión amorosa, un estado saturado de dopamina, a la relativa calma de un vínculo inducido por la oxitocina. La oxitocina es la hormona que favorece los sentimientos de conexión y apego. La producimos cuando abrazamos o besamos a nuestra pareja de muchos años, por ejemplo.

Se cree que en las relaciones largas que funcionan, la oxitocina está presente en abundancia en ambos miembros de la pareja. En las relaciones que nunca llegan a despegar, o que se derrumban una vez superada la pasión inicial, es probable que la pareja no haya encontrado la forma de estimular o mantener la producción de oxitocina.

¿Cómo hacer para mantener las hormonas de la felicidad haciendo de las suyas en esa relación que nos interesa que dure?

Los masajes, las manifestaciones físicas de afecto y hacer el amor estimulan la producción de oxitocina y estrechan los lazos de la pareja.

También es recomendable hacer cosas nuevas juntos (deportes, montañas rusas, excursiones, entre otras actividades al aire libre), porque la novedad potencia la dopamina en el cerebro, a lo que agregar una cierta dosis de adrenalina completa la fórmula ganadora.

¿No fuiste buen estudiante de química en el colegio? ¡Todavía estas a tiempo de serlo en el campo de la química del amor! Te conviene, si deseas triunfar en tu relación de pareja.






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Para terapia individual o de pareja visita www.ladoctoraamor.com

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Cecilia Alegría, La Dra. Amor (www.ladoctoraamor.com): Consejera de Parejas, Love and Life Coach, Conferencista Internacional, Periodista y Conductora de Radio y TV. Destaca en los Latinos en Miami dando consejos sobre cómo triunfar en el terreno amoroso y ayudando a miles de parejas a resolver sus problemas. Forma parte del grupo fundador de profesores del programa Universidad de la Familia.

Ha publicado doce libros entre los que se encuentran: Comunicación Afectiva=Comunicación Afectiva (Espasa Calpe, España, 2000). 120 preguntas y respuestas para ser mejores personas (Editorial Norma, Colombia, 2004), No hay amor más grande (Editorial Aragón, USA, 2012), Amando un Día a la Vez (Ediciones Varona, U.S.A. 2015), Al rescate de tu comunicación de pareja (Ediciones Varona, USA 2017), Sexo Sagrado y Lazos del Alma (Indie Publishingnbsp, 2018), Alessia (Book Master Corp. 2019), El Poder del Amor Grape: como restaurar tu matrimonio después de una infidelidad (2021). Amanecer con Dios (2021), Del Amor Tóxico al Amor Extraordinario (2022). El continuo aprendizaje de la felicidad (Editorial El Shaddai,  2023). La Caridad empieza por la casa (2024)

Wednesday, December 4, 2024

San Agustín in my mind... notas para una crónica anunciada. (por Carlos A. Peón-Casas)


Reconozco que me pasa con todo viaje. Los prolegómenos me marcan casi siempre una coordenada de anticipatorio signo, por aquello de que uno mira y busca las posibles coordenadas del sitio, o simplemente se escuchan anécdotas y recomendaciones de los que fueron primero y quieren que nos vaya muy bien, o repitamos por qué no, sus mejores vivencias.

Pero con San Agustín, en estos predios floridanos, la emoción de lo vivido ha sido de una plenitud exultante, como pocas veces antes, si salvo por excepción mi también reciente vez en Key West, otro punto de inestimable cercanías.


Reconozco que la marca más sugerente lo da el hecho de haber viajado con mi familia nuclear recientemente llegada a mi lado, y también en la compañía de amigos entrañables, promotores y cicerones insuperables de la idea, con los que el camino y el viaje se llenan de alegrías inenarrables para los efectos de esta rememoración y que dotan la experiencia de una marca indeleble e inolvidable.

Con el mismo signo, queda la satisfacción infinita de haber conectado con una parte de la historia patria: la sabida presencia del Padre Félix Varela en aquel punto geográfico que guardara sus pasos de adolescente junto a su abuelo paterno, Coronel destacado en el fuerte de San Marcos en los tiempos en que la ciudad volviera a manos españolas (1783-1821), luego de haber sido, junto a toda la Florida, posesión inglesa desde 1763. Y luego, en ese mismo antiguo outpost, ya parte de la Unión Americana, nuestro Padre Varela se retirará al final de su preclara existencia de sacerdote y patriota, para bien morir, en olor de santidad, lo más cerca posible de su Cuba añorada y soñada libre alguna vez.

La visita a la que fuera su tumba aunque no todo lo explícita que hubiera preferido esta vez, me llevó al menos, al frente del cementerio de Tolomato, justo en la calle Córdoba.


Allí está la blanca capilla donde hubieran de reposar sus restos mortales antes de ser llevados a su amada Cuba y ocupar el conocido cenotafio del Aula Magna de la Universidad de La Habana.


Luego, recorrer la ciudad por aquel entramado que nos recuerda con especial énfasis a La Habana más colonial, y con conexiones de historia raigal desde que Ponce de León desembarcara allí procedente de Cuba en 1513, muy cerca del actual monumento que perpetua su memoria, uno vislumbra ese sitio tan conectado a nuestra patria desde aquel temprano siglo XVI.


El fuerte de San Marcos, que aún contemplamos en su innegable parecido con los morros habanero y santiaguero, era enclave fundamental que desde 1695, protegía los continuos embarques de los tesoros que España acarreaba en sus flotas desde los territorios americanos y luego de pasar por La Habana, se enrumbaban a la Madre Patria aprovechando las fuertes corrientes del Gulf Stream.

San Agustin guarda igual memorias históricas de sucesivas incursiones piraticas como las del temible Drake, igual que los asedios de los británicos, los años de ocupación de aquellos, la vuelta a dominio español y luego su cesión final a los Estados Unidos en 1821.


De todo ello la ciudad es una huella indeleble, aunque ninguna edificación actual es anterior a 1702, la ciudad es una sucesión de estilos y señales de cada momento de su historicidad más elocuente. Un ejemplo de ello aún a la vista es la antiquísima Wooden Schoolhouse aún con sus maderas originales de cipreses, y que el visitante puede contemplar en la antigua calle Española.

Un antiguo mapa español que tuve a la vista, y que data de 1728, deja igualmente evidencias del sugerente entramado de calles y antiguas viviendas.


La catedral, actualmente basílica que data de 1797, nos lega innegables marcas de la catolicidad inicial que trajera la ocupación española.


Dos imponentes edificios que fueron antiguos hoteles de innegable porte: el Alcazar y el Ponce de Leon, en la movida King Street, aún sorprenden al visitante por su majestuosidad. El primero es ocupado hoy el City Hall y el Museo Lightner; y el segundo por el Flagler College.

Este humilde viajero y cronista siente al final de tanto desandar aquel incitante entramado, que mucho le ha quedado pendiente, tanto o más que lo visto, fotografiado, o conservado en la retina y la memoria, pero el viaje ha sido sugerente y feliz y repetirlo es solo un asunto de tiempo por venir, para este cierre dejo al amable lector la evidencia de alguna particular instantánea que sugiera y matice mi inolvidable experiencia.

Monday, December 2, 2024

Vuele a su Colonia o Finca en los veloces y comodísimos Stinson de Aerovias Camagüeyanas. A cualquier lugar. A cualquier hora. (Publicidad año 1949)


Miami. 2 de diciembre de 1973. La Ermita de la Caridad abre sus puertas al exilio cubano.


 
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Ver en el blog:

No volveré (un poema inédito de Félix Luis Viera)

Nota: Cada lunes la poesía de Félix Luis Viera. Puedes leer todos sus textos, publicados en el blog, en este enlace. Traducción al italiano de Gordiano Lupi.



No volveré


Ayer en la mañana estuve en el Cementerio de Dolores, y de nuevo, los costados de
tantas tumbas mostraban intensas humedades venidas del rocío.
Tú, rutilante, estabas en el Este, junto al crematorio,
y me recibiste como aquel mediodía
cuando te acompañé a cremar a tu mamá.

Conversamos después de tanto tiempo. Te pedí que me acompañaras a
escoger mi tumba, que fuera buena, aunque modesta —ya sabes que sigo
siendo pobre—, mirando hacia el Poniente. Y por favor que no la empañasen esas
humedades —alguien podría encargarse de bloquear el trajinar nocturno del rocío­—,
pues, aunque yo no podré verlas, sí los visitantes (espero que alguien me visite) y
quienes pasen por el sitio —y esto les resultará un poco deprimente.

Te hallé etérea, sutil, tierna como siempre.
Caminamos hacia el fondo a ver cuáles estaban disponibles
según la lista que nos entregaron en la oficina.
Pasamos aquella como avenida breve entre dos bosquecillos
que más parece un sitio para vivir, enamorarse, emborracharse, bailar y esas
cosas
que para enterrar vidas terminadas.

Topamos con la barda, la misma barda de aquella vez, la misma barda,
y de nuevo parecías levitar desde mis manos, y ese beso
mediante el ritual de los desamparados, los furtivos.

Ya lo esperaba: me sugeriste que me hiciera cremar
como a tu mamá aquel mediodía. ¿Pero cómo crees, mujer?: si siento
más miedo de que me quemen vivo que de despertar encajonado bajo tierra.

Y ya ves lo que son las cosas de la vida: junto a aquel árbol frondoso cercano a la barda (de esos árboles que resultan tristes porque están en un cementerio, no porque lo sean) estaba, disponible, según la lista que llevábamos, la tumba de granito gris brillante que aquel día alabamos —solo que entonces se hallaba ocupada; seguramente lo recuerdas.

Entonces de volada a la oficina —ya sabes, hay gente con suerte tan magra que aun se le pueden adelantar en el último segundo para la compra de la tumba que quisieran— y la rentamos para mí.
Así que mañana voy a morirme.
Es decir, que ya mañana estoy muerto.
O sea, que no volveré, mujer querida.


11 de noviembre de 2024




Non tornerò

Ieri mattina sono stato al Cimitero di Dolores, e di nuovo, le pareti di
tante tombe mostravano un’intensa umidità dovuta alla rugiada.
Tu, raggiante, stavi nell’Est, accanto al crematorio,
e mi hai accolto come quel pomeriggio
quando ti accompagnai a cremare tua madre.

Abbiamo parlato dopo tanto tempo. Ti ho chiesto di accompagnarmi a
scegliere la mia tomba, che sia buona, anche se modesta - sai bene che sono
ancora povero -, che guardi a Occidente. E per favore non impregnata di questa
umidità - qualcuno potrebbe occuparsi di bloccare il transito notturno della rugiada -, perché, anche se non potrò vederlo, i visitatori (spero che qualcuno venga a trovarmi) e i passanti lo potranno - e questo sarà per loro un poco deprimente.

Ti ho trovata eterea, delicata, tenera come sempre.
Siamo andati in fondo per vedere quali fossero disponibili
secondo l’elenco che ci hanno consegnato in ufficio.
Abbiamo superato quello che pare un breve viale tra due boschetti
e sembra più un posto per vivere, innamorarsi, ubriacarsi, ballare e altre cose
che per seppellire vite terminate.

Siamo finiti contro la recinzione, la stessa recinzione di quella volta,
la stessa recinzione,
e di nuovo sembravi levitare dalle mie mani, e quel bacio
attraverso il rituale degli innamorati, dei furtivi.

Me l’aspettavo: mi hai suggerito di farmi cremare
come tua madre quel pomeriggio. Ma cosa credi, donna? Ho più paura
di essere bruciato vivo che di svegliarmi in una bara sotto terra.

Lo vedi come sono le cose della vita: accanto a quell’albero frondoso vicino alla
recinzione (uno di quegli alberi che sembrano tristi perché sono in un cimitero, non perché lo siano) c’era, disponibile, secondo l’elenco che avevamo, la tomba
di granito grigio brillante che quel giorno lodammo - solo che allora era occupata;
sicuramente lo ricordi.
Per questo ci siamo precipitati in ufficio - lo sai, ci sono persone così poco fortunate
che possono anche essere precedute all’ultimo secondo per acquistare la tomba che
desiderano - e l’abbiamo affittata per me.
Pertanto domani morirò.
Quindi, domani sarò già morto.
In pratica, non tornerò, mia cara donna.


11 novembre 2024





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Félix Luis Viera (El Condado, Santa Clara, Cuba, 19 de agosto de 1945), poeta, cuentista y novelista, es autor de una copiosa obra en los tres géneros.

En su país natal le fue otorgado el Premio David de Poesía, en 1976, por Una melodía sin ton ni son bajo la lluvia; el Premio de Novela de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, en 1987, por Con tu vestido blanco, que recibiera al año siguiente el Premio de la Crítica, distinción que, en 1983, le fuera concedida a su libro de cuentos En el nombre del hijo.

En 2019 le fue otorgado el Premio Nacional de Literatura Independiente “Gastón Baquero”, auspiciado por varias instituciones culturales cubanas en el exilio.

Su libro de cuentos Las llamas en el cielo retoma la narrativa fantástica en su país; sus novelas Con tu vestido blanco y El corazón del rey abordan la marginalidad; la primera en la época prerrevolucionaria, la segunda en los inicios de la instauración del comunismo en Cuba.

Su novela Un ciervo herido —con varias ediciones— tiene como tema central la vida en un campamento de las UMAP (Unidades Militares de Ayuda a la Producción), campos de trabajo forzado que existieron en Cuba, de 1965 a 1968, adonde fueron enviados religiosos de diversas filiaciones, lumpen, homosexuales y otros.

En 2010 publicó el poemario La patria es una naranja, escrito durante su exilio en México —donde vivió durante 20 años, de 1995 a 2015— y que, como otros de sus libros, ha sido objeto de varias reediciones y de una crítica favorable.

Una antología de su poesía apareció en 2019 con el título Sin ton ni son.

Es ciudadano mexicano por naturalización. En la actualidad reside en Miami.


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Gordiano Lupi, periodista, escritor y traductor, nació en Piombino, Italia, en 1960. Fundador, en 1999, junto con Maurizio y Andrea Maggioni Panerini de la editorial La Gaceta Literaria, ha traducido del español a varios autores cubanos, como Alejandro Torreguitart Ruiz, Guillermo Cabrera Infante, Félix Luis Viera y Virgilio Piñera, entre otros. Cuenta en su haber con un amplio trabajo sobre figuras del cine, entre ellas Federico Fellini, Joe D´Amato y Enzo G. Castellari. Ha publicado más de una decena de libros que abarcan diversos géneros, como Nero tropicale, Cuba magica, Orrore, ertorismo e ponorgrafia secondo Joe d´Aamto y Fidel Castro – biografia non autorizzata.

Gordiano Lupi es un luchador por la democracia para Cuba y un promotor de las artes y la cultura de la Isla.

Sunday, December 1, 2024

Publicidad de "Chocolate Baguer" y "Emulsion Scott", en la pared de la Iglesia de la Soledad. Camagüey.

 

Ballet "The Little Humpbacked Horse" (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.


El ballet “The Little Humpbacked Horse” (o en ruso “Konyok Gorbunok”) fue estrenado el 15 de diciembre de 1864, en el Teatro Bolshoi. La coreografía y el libreto, basado en la obra homónima de Pyotr Yershov, estuvieron a cargo de Arthur Saint-Leon y la música era de Cesare Pugni. En esa oportunidad, los roles principales estuvieron interpretados por Marfa Muravieva y Nikolai Troitzky. La obra finalizaba con un grand divertissement que incluía diferentes danzas rusas y, con esto, Saint-Leon, francés de nacimiento, buscaba empatizar con las raíces folclóricas rusas.


Casi treinta años después, en 1895, Marius Petipa realizó su propia versión de la obra, agregando un prólogo, una apoteosis y algunas danzas adicionales, con la revisión musical de Riccardo Drigo e interpretada por Pierina Legnani y Alexander Shirayev. Por su parte, Alexander Gorsky realizó dos nuevas versiones, una en 1901 (con Lyubov Roslavleva y el propio Gorsky) y la otra 1914 (Tamara Karsavina y Nikolai Legat), y agregó fragmentos musicales de Anton Simon, Boris Asafiev, Pyotr Illich Tchaikovsy, Antonín Dvořák, Alexander Glazunov, Brahms y Franz Liszt; aunque ya no quedaba casi nada de la versión original, esta versión se estableció como el más importante ballet nacional, que servía de plataforma de lanzamiento para las bailarinas nóveles.


Superada la primera mitad del Siglo XX, Alexander Radunsky realiza una versión con música de Rodion Shchedrin para el Ballet Bolshoi (en 1960), siendo ésta filmada un año después con Maya Plisetskaya y Vladimir Vasiliev como protagonistas. Ya cursando el primer decenio del Siglo XXI, Alexei Ratmansky realiza en 2009 su versión, sobre la partitura de Shchedrin, para el Ballet del Teatro Mariinsky.

Originalmente, la obra se estructura en cuatro actos y ocho escenas.

La primera escena se desarrolla en una casa ubicada en el borde de una colina. En la casa viven el Anciano, Gavrilo, Danilo e Ivan, el Tonto. El Anciano parte hacia el campo a cosechar el centeno. Gavrilo y Danilo están felices porque piensan organizar una fiesta al aire libre para bailar con las nodrizas.

Cuando el Anciano vuelve del campo, aleja a las nodrizas y les cuenta a sus hijos de un terrible villano que viene por las noches, que pisa las cosechas y las arruina. El Anciano les dice que el villano debe de ser atrapado pero él es demasiado débil para hacerlo así que sus hijos deben ir a patrullar el campo. Gavrilo y Danilo deciden ir solos, piensan que Iván es demasiado joven y torpe, creen que es un tonto. Iván también quiere ir para atrapar al villano, él puede confrontarlo y no le teme a nada. Sin embargo, Gavrilo y Danilo parten así que Iván decide ir al campo por sí mismo.

En la siguiente escena vemos a Iván cuidando los campos. En medio de la noche una joven y hermosa yegua trota hacia el campo, pisando el trigo y arruinándolo. Al verla, Iván la agarra por la cola y la monta. Esto enoja a la joven yegua que trata de sacárselo de encima, sin éxito. Así, a cambio de su libertad, la joven yegua le regala dos caballos grandes y poderosos, y un caballo jorobado, pequeño y débil.


Los pájaros de fuego vuelan hacia el campo, bailan, juegan y se van. Iván los persigue y se va tras ellos. Gavrilo y Danilo llegan a campo y se encuentran con los caballos. Tras capturar una pluma de pájaro de fuego, Iván regresa feliz, hasta que nota que sus caballos desaparecieron, se enoja y llora amargamente. El caballo jorobado, que los hermanos no se llevaron, trata de reconfortar a Iván, le propone encontrar a los secuestradores y promete ayudarlo. Resulta que el caballo jorobado puede hacer bastante más de lo que aparenta a primera vista...

La siguiente escena comienza en una cuadra de la Ciudad Capital con gente disfrutando del bello día, bailando. Gavrilo y Danilo están allí planeando vender los caballos. En medio del gentío aparece el Zar, a quien le gustan los caballos y, cuando está por comprarlos, Iván llega con el caballo jorobado, reconoce a sus hermanos y los reprende, llevándoselos. Sin embargo, al Zar le gustaron tanto esos caballos que trata de comprárselos de todos modos. Iván está dispuesto a venderlos por un precio justo. El Zar le ofrece el sombrero de un gran noble a cambio. A Iván le encantó el sombrero así que accedió a venderlos.

En las habitaciones del palacio, el Zar está comiendo, atendido por las nodrizas. Tras sentirse satisfecho se queda dormido. En la puerta de su cuarto se encuentra descansando Iván. El noble, antiguo dueño del sombrero, lo está observando y descubre, con asombro, la pluma del pájaro de fuego. Cuando finalmente Iván se duerme, le roba la pluma y decide despertar al Zar para mostrársela. Cómo habrá Iván conseguido tales lujos? Al Zar le encanta la pluma y tiene una visión donde hay pájaros de fuego jugando con una doncella. Luego, la visión se disipa. El Zar enamorado de la doncella que acaba de ver, ordena inmediatamente a Iván que la encuentre. Sin saber por dónde comenzar la búsqueda, el caballo jorobado estaba dispuesto a ayudarlo, pues sabía dónde estaba la doncella.

Una nueva escena se inicia en el borde del mundo, donde habitan los pájaros de fuego junto a la doncella del Zar. Llegan Iván y el pequeño caballo jorobado. Mientras Iván intenta capturar a las aves, ve a la doncella y se enamora de ella. La doncella accede a ir con Iván a la Ciudad Capital.

En el cuadro siguiente nos encontramos nuevamente en el palacio. El Zar y sus boyardos están esperando ansiosamente la llegada de la doncella. Con tanta espera, el Zar se queda dormido y, los boyardos siendo sus servidores, también se duermen, salvo uno, que se queda despierto. Él ve a Iván regresar con el caballo jorobado y la doncella, e inmediatamente despierta al Zar. El Zar expulsa a los boyardos de su recámara y anuncia que va a casarse con la doncella. Ella acepta la proposición pero no puede aceptar el anillo que el Zar quiere darle y explica que para casarse con ella es necesario traerle una gema que se encuentra en el fondo del océano. El Zar está sorprendido, cómo va a conseguir esa gema? El noble del sombrero decide mandar a Iván. Iván está apenado, a diferencia del noble que está ansioso, esperando la muerte inminente de Iván durante esta aventura.

Iván llega al fondo del océano junto a su caballo jorobado, en la ante última escena, y buscan la gema, sin éxito. Iván le pide ayuda a la Princesa Marina, quien decide ayudar a Iván en su búsqueda.

Finalmente, en la plaza central de la Ciudad Capital, la doncella y el Zar bailan brevemente, el noble líder es viejo y se cansa rápido. Iván aparece con la piedra, montado a su jorobado corcel. El noble del sombrero está iracundo, le arrebata la gema a Iván y lo echa de la plaza ya que su servicio no será requerido nuevamente.

El Zar está listo para casarse pero la doncella no lo ama. Ella sólo va a casarse con un hombre de bella figura y le dice que con su magia, puede transformar al Zar en gallardo caballero. El Zar se pregunta cómo. Tiene que meterse en una caldera de agua hirviendo. El Zar está aterrorizado y al vil noble se le ocurre que primero lo intenten con Iván. Así que lo buscan y, en un salto de fe, se mete en el agua hirviendo. El pequeño caballo realiza un hechizo y, dicho y hecho, Iván se transforma en un hombre muy elegante, de gran figura y lo nombran heredero del Zar. La gente se regocija y se alegra pero, a su vez, se alarma porque todos quieren saltar a la caldera y volverse zares y zarinas. El viejo Zar ordena que todos se alejen de su caldera y, en desesperación, él mismo salta al agua hirviendo y perece. Realizan las exequias del Zar, nombran a Iván como gobernador supremo y se casa con la bella dama. El pueblo ahora tiene un nuevo Zar, joven y bello.





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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". Email: florenciagu@gmail.com

Adviento


El Adviento es el comienzo del Año Litúrgico, empieza el domingo más próximo al 30 de noviembre y termina el 24 de diciembre. Son los cuatro domingos anteriores a la Navidad y forma una unidad con la Navidad y la Epifanía.

El término "Adviento" viene del latín adventus, que significa venida, llegada. El color usado en la liturgia de la Iglesia durante este tiempo es el morado. Con el Adviento comienza un nuevo año litúrgico en la Iglesia.

El sentido del Adviento es avivar en los creyentes la espera del Señor.

Se puede hablar de dos partes del Adviento:

Primera Parte

Desde el primer domingo al día 16 de diciembre, con marcado carácter escatológico, mirando a la venida del Señor al final de los tiempos;

Segunda Parte

Desde el 17 de diciembre al 24 de diciembre, es la llamada "Semana Santa" de la Navidad, y se orienta a preparar más explícitamente la venida de Jesucristo en las historia, la Navidad.

Las lecturas bíblicas de este tiempo de Adviento están tomadas sobre todo del profeta Isaías (primera lectura), también se recogen los pasajes más proféticos del Antiguo Testamento señalando la llegada del Mesías. Isaías, Juan Bautista y María de Nazaret son los modelos de creyentes que la Iglesias ofrece a los fieles para preparar la venida del Señor Jesús. (Texto tomado de ACI Prensa)

God & Country (Song by Anne Wilson)


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Gaspar, El Lugareño Headline Animator

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